Oh capitaine mon capitaine Véritable conte de fée, cette très belle histoire vraie nous décrit le quotidien de l’orphelinat Casa Hogar situé à Baya (au Mexique). Là, Omar Venegas et sa femme se mobilisent jour après jour pour offrir à des jeunes écorchés par la vie des jours meilleurs. Hélas, les ennuis ne sont jamais loin et après des difficultés financières, tout ce petit monde doit faire face à la violence causée par l’ouragan qui déferla en 2014. Le coup du sort voudra qu’à ce moment, le plus grand tournoi de pêche, le fameux Black And Blue de Bisbee ne peut se dérouler normalement faute de participants. Les organisateurs ont donc décidé d’ouvrir les inscriptions gratuitement à tous les locaux et d’offrir une belle récompense à la clé ! Assez en tout cas, pour agrandir et améliorer l’orphelinat et, qui sait, pour se relancer dans la vie ! Et bien que l’ancien champion, Wade Malloy soit sur le coup, n’étant pas un local, il ne peut participer seul et est dans l’obligation de se constituer une équipe. Le hasard fait parfois bien les choses… Julio Quintana fait ainsi bien les choses puisque la réalisation de son film est à la hauteur des belles valeurs véhiculées : il a photographie participe véritablement au voyage et flatte l’œil le plus averti ! Et si le film est aussi plaisant à suivre, c’est parce qu’il est porté par de sacrés acteurs ! Dans le rôle du vieux marin renfrogné, nous retrouvons avec un plaisir toujours intact Dennis Quaid parfait dans ce genre de rôles ! A ses côtés, c’est une belle brochette d’acteurs qui ont répondu présents pour insuffler de jolies émotions. A commencer par le couple responsable de l’orphelinat, joué par Jimmy Gonzales et Fernanda Urrejola. Quant aux autres acteurs, ils participent tous à agrémenter ce beau récit. Citons Raymond Cruz (« Better Call Saul », « Major Crimes »), Bruce Mcgill (vous vous souvenez de Jack Dalton l’ami foireux de MacGyver ?) ainsi que tous les jeunes orphelins qui colorent formidablement ce très beau film ! A qui s’adresse « Blue Miracle » ? A tous ceux intéressés par la découverte d’une histoire vraie qui tient du miracle et où les émotions et de belles valeurs s’enchainent à un rythme toujours constant. Entre fraternité et leçon de courage, le film se veut extrêmement positif et lumineux puisque porté par des comédiens confirmés et des enfants/adolescents extrêmement attachants.
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Ward’s Eleven Casinos remplis d’argent dormant, camp de quarantaine, ghettos peuplés de zombies, contrat alléchant, anciens vétérans hyper motivés, morts-vivants alpha moitié « extraterrestres », moitié humains, Zack Snyder fait voler en éclats les représentations habituelles du genre en instaurant de nouveaux codes à la fois étonnants et consternants. Construit autour d’un Dave Bautista peu convaincu par le rôle qui lui est confié, « Army of the dead » est sans aucun doute le film de zombies de trop, celui qui veut en mettre plein la vue mais ne parvient pas à éblouir son public tant la poudre qu’il lui jette aux yeux est irritante et dérangeante. Intrigue totalement convenue, facilités scénaristiques risibles, personnalités sous développées et effets généralement ratés, nous retenons peu d’éléments positifs du dernier métrage d’un Zack Snyder totalement perdu dans ses trop nombreuses idées. Si on garde une petite affection pour sa bande originale de grande qualité, que faut-il dire du film à proprement parler ? Qu’il s’apparente plus à un bon jeu vidéo WTF qu’à un produit cinématographique maîtrisé. Le choix des gros plans rapprochés rend illisibles une grande partie des scènes d’action, l’espace utilisé microscopique (alors que l’intrigue se déroule dans un Las Vegas totalement dévasté) les zombies alpha sont tellement à l’opposé de la représentation logique qu’on en aurait (depuis quand les morts-vivants peuvent-ils se reproduire ou organiser une monarchie où offrandes et soumissions sont aussi bien pensées ?) que l’on ne peut réprimer les rires devant de telles aberrations…Si les nombreux exemples et choix montrent que cet ensemble ne fonctionne pas, que faut-il dire du peu de psychologie et réflexion amenées au cœur de l’action ? Les 2h20 de film nous semblent sans fin à tel point que nous attendons avec impatience, le lancement de la mini bombe nucléaire qui clôturera une histoire dont chaque « twist » a été envisagé mille fois. Parodie ou pastiche d’un genre qui a déjà réservé de très jolies surprises, « Army of the dead » aurait dû se limiter à son générique dans lequel tout était dit, montré, référencé et tellement dans la lignée de ce que Zack Snyder nous a déjà proposé…
Appuyant çà et là sur des détails qui n’en sont pas, « La femme à la fenêtre » ne parvient jamais à sortir des rails sur lequel il s’était confortablement installé, à surprendre ou à passionner. Convenu et sans relief, le long-métrage de Joe Wright, le réalisateur des « Heures Sombres », n’offre qu’une vue raccourcie sur un sujet qui avait pourtant de belles traverses à explorer. Crime, paranoïa, faux semblants et hallucinations bousculent notre héroïne par ailleurs bien campée par Amy Adams (toujours à l’affiche du tout aussi moyen « Une ode américaine » disponible lui aussi sur Netflix) mais ne parviennent pas à faire corps et à rendre crédibles cette histoire au final décevant.
"Oxygène", une idée qui s'essouffle? Dès les premiers instants du film d'Alexandre Aja, nous suivons Liz (Mélanie Laurent) qui se réveille dans un caisson cryogénique avec un sacré nombre de questions restées en suspend : Où est-elle ? Qui est-elle ? Comment s’est-elle retrouvée là ? Bien sûr, le but sera de trouver les réponses à toutes ses questions mais surtout de s’échapper de ce sarcophage futuriste où chaque minute perdue la prive un peu plus du confort de sa réserve d’oxygène. Sur le papier, le fait était vraiment engageant! Le scénario d’Alexandre Aja ("Crawl") a d’ailleurs figuré, dès 2016, sur la Black List des scénarios les plus appréciés qui ne demandaient qu’à être adaptés à l’écran. Troquant un cercueil éclairé au briquet ("Buried") par une capsule futuriste pilotée- en partie- par une intelligence artificielle à la voix suave (merci Mathieu Amalric), force est de constater que cela ne suffit pas pour en faire un bon film. D’ailleurs, ce confort (tout relatif) nuit en grande partie à la dimension anxiogène. Mais que dire de la performance de l’actrice principale ? Au début du projet, c’était Anne Hathaway qui devait tenir le rôle principal, puis, Noomi Rapace et c'est finalement Mélanie Laurent qui prêtera ses traits au personnage de Liz et on se dit qu’on a certainement perdu au change. Car oui, nous avons souvent pesté devant le jeu maladroit de l’actrice qui surjoue à de nombreuses et de de façon outrancière les émotions ressenties. Heureusement, le scénario parvient à créer la surprise dans sa dernière ligne droite pour capter (un peu) de notre intérêt. Car avouons-le, jamais le réalisateur n’est parvenu à nous faire ressentir l’urgence d’une situation angoissante et c'est bien là le problème majeur!
Jugez plutôt : pour préserver notre Terre de la chute d’un astéroïde, les militaires ont fait usage de frappes nucléaires pour détruire le corps astral entrainant des retombées radioactives qui ont fait muter les animaux présents sur terre ! Maintenant que le contexte est placé, nous pouvons développer les aspects rafraichissants du film ! Tout d’abord, la vraie attraction du film, c’est le bestiaire ! Et le moins que l’on puisse dire, c’est que les créatures géantes qui peuplent l’univers sont riches et variées : mille-pattes, crapauds, crabes, des vers de sable, et toute une série d’insectes, qui, à taille géante, sont pour le moins effrayantes… il y en a pour tous les goûts ! D’ailleurs, les références sont nombreuses comme cette attaque de crabe qui sent bon l’hommage à l’ « Ile mystérieuse » écrite par Jules Vernes et portée à l’écran dans les années 60. Mais ça sent aussi « Chérie j’ai rétréci les gosses » (vous vous souvenez de Mimi la fourmi ?) et certains films des années 80-90 (en plus effrayant ici). Toutefois, on sent clairement que le film s’adresse avant tout aux ados et jeunes adultes même si tout le monde prend plaisir à suivre les aventures de Joël (Dylan O'Brien de la saga « Le labyrinthe ») qui, un beau jour, a décidé de quitter sa colonie (et seconde famille) pour retrouver sa petite amie connue 7 ans plus tôt (Jessica Henwick) au moment de la catastrophe. Aussi, son incroyable randonnée l’amènera à rencontrer un chien hyper affectueux qui ne le quittera pas (mention spéciale pour le dresseur !) et un adulte et une fillette qui sont interprétés avec justesse par Michael Rooker (Merle Dixon de The Walking Dead) et la jeune Ariana Greenblatt. Grâce à eux, il peaufinera ses techniques de survie !
Dédié à « tous les enfants qui grandissent seuls dans la rue » le nouveau long-métrage turc de Netflix parviendra probablement à émouvoir une large partie de son audience et à inculquer une belle lueur d’espoir dans les temps troubles que nous traversons actuellement. Magnifiquement interprété et particulièrement bien réalisé, le métrage souffre certes de quelques lenteurs et longueurs mais elles paraissent nécessaires pour cerner tous les contours de ses personnages et découvrir leurs propres détresses. Néanmoins, "Les vies froissées" parvient, dans son ensemble, à tirer son épingle du jeu des sorties enchaînées et parfois trop vite cachées dans un catalogue varié où il est parfois difficile de trouver un film qui touchera au cœur et illuminera l’univers sombre des personnages qui l’ont traversé mais aussi la soirée des spectateurs empathiques et séduits par la cause que Can Ulkay a joliment illustrée. Pour les enfants du monde entier… Quelques mois après la sortie de « 7. Koğuştaki Mucize » qui a fait pleurer des chaumières entières, Netflix propose un nouveau drame turc de belle facture que beaucoup ont déjà pu voir sur leurs écrans de télé : « Des vies froissées ». Construit autour d’un duo de personnages attachants composé de Mehmet (Cagatay Ulusoy) et Gonzi (Ersin Arici) le film de Can Ulkay quitte sa noirceur et son univers très terre à terre lorsque Mehmet rencontre le jeune Ali, un enfant de 8 ans caché dans une benne que Gonzi a rapportée de sa tournée. Chef des chiffonniers d’un quartier de la ville d’Istanbul, Mehmet gère la déchetterie qui lui est confiée avec dureté et justesse, n’hésitant pas à se montrer généreux avec ses employés de fortune autant qu’avec les gamins de la rue à qui il fournit à manger et une protection presque paternelle, distante mais bienveillante. Victime d’un malaise quelques jours plus tôt, Mehmet semble reprendre vie au contact du jeune garçon pour qu’il se prend immédiatement d’affection. Effrayé par les événements qu’il a récemment endurés, Ali (Emir Ali Doğrul) veut retrouver sa mère mais apprécie la compagnie de ce Mehmet qui met tout en œuvre pour lui redonner le sourire. Ce tandem inattendu, va alors peu à peu apprendre à cohabiter, et leur rencontre va ouvrir les portes du passé de Mehmet qui, comme Ali, a dû apprendre à survivre et à se protéger. Des vies chiffonnées... Si on entre très facilement dans l’univers de « Frère Mehmet », de Gonzi et de Papa Tashin (personnage qui aurait pu être beaucoup plus exploité), c’est à travers les yeux du jeune Ali que nous découvrons l’intrigue qui se cache dans ce drame maîtrisé à plusieurs portes d'entrée. Le seul hic est que, pour peu que l’on soit trop attentifs à certains détails et très focus sur les informations apprises sur chaque personnage rencontré, l’issue du film risque de se profiler bien vite et gâcher une bonne partie du plaisir et de l’émotion procurés par « Les vies froissées ». Troublant, touchant et parfois trop lent, le film de Can Ulkay est une belle leçon de vie et un intelligent éclairage sur le quotidien vécu par les ombres des villes que beaucoup n’osent pas regarder.
Si le concept existe bel et bien aux Etats-Unis et fait suite à la publication d’un livre jeunesse éponyme, on comprend bien vite que contrairement à ce qui a été imaginé par le scénariste Justin Malen, ce genre de journée a surtout pour but de partager de beaux moments complices en famille sans que cela ne parte dans les dérives auxquelles les parents veulent justement pallier. Le principe de base n’est pas mauvais mais c’est plutôt dont il est traité que le métrage finit par nous exaspérer. Court et plutôt bien amené, le film de Miguel Arteta pêche essentiellement par son manque de sobriété, ses dialogues dignes des plus mauvais téléfilms et son incapacité à faire le tri dans la multitude d’idées que son scénario veut nous présenter. Adapté du roman pour enfants « Yes day » de Amy Krouse Rosenthal et Tom Lichtenheld, le long-métrage d’une petite heure trente part d’une jolie intention mais s’enlise dans une comédie too much peu drôle et parfois même horripilante tant elle est poussée à l’extrême. Si la version française gâche encore plus la vision du film, la version originale parvient à limiter légèrement la casse… provoquée par les gags aussi démesurés qu’un éléphant qui tenterait de traverser un magasin de porcelaine. Il faut reconnaître que la bande annonce elle-même nous avait, semble-t-il, déjà montré tout le « potentiel » limité de son idée. Mais découvrir le film sur la durée ne nous permet pas de trouver quelques éléments à sauver, pas même son casting a priori bien choisi mais probablement mal dirigé. Nous ne l’avions plus vu sur grand écran depuis « Love, Simon » en 2018. Jennifer Garner, elle-même mère de trois enfants, s’investit dans cette comédie WTF avec beaucoup de conviction mais ne parvient pas à sauver le film du naufrage… au même titre que Edgar Ramirez qui paraît aussi dépassé dans son rôle que celui du père de famille qu’il est sensé incarner. Les trois enfants sont plus spontanés (notamment la jeune Everly Carganilla) mais le film se concentrant essentiellement sur le personnage de la mère devenue psychorigide au fil des années, il est difficile pour eux de tirer véritablement leur épingle du jeu. Et que dire des personnages secondaires ? Tous plus caricaturaux et énervants les uns que les autres, ils desservent totalement le métrage qui n’avait pas besoin de tels ad on tant il se suffisait à lui-même pour foncer dans le mur en mousse des comédies US dispensables. Pour faire bref, ce « Yes Day » s’adressera probablement aux plus jeunes qui, comme « Alexander et sa journée affreuse » tolèreront mieux que les adultes le surjeu et l’inconsistance du film de Miguel Arteta. Pour nous, c’est comme la barbe à papa proposée par la jeune Katie : non merci.
Populaire auprès de ses abonnés, le film s’est vite glissé dans le top 10 des films les plus regardés mais certainement pas dans celui des films de qualité. Il faut bien l’avouer, ce téléfilm faussement inventif et tendu est loin de satisfaire une potentielle curiosité. Bourré de clichés, mal interprété, réalisé comme un mauvais épisode de série télé, « Deadly Illusions » ne parvient pas à tenir sur la longueur ni à s’améliorer tant son intrigue est totalement obsolète et téléphonée. Kristin Davis (que les fans de « Melrose Place » et « Sex and the city » seront peut-être heureux de retrouver) est d’une affligeante inconstante, jouant trop souvent la carte du surjeu et ne parvenant pas à sortir du carcan dans lequel elle s’emprisonne durant un peu moins de deux longues heures interminables et peu captivantes. Ses partenaires du moment, Greer Grammer et Dermot Mulroney ne parvenant pas à faire mieux et rendant gênantes certaines scènes que l’on croirait jouées par des débutants. Ni original, ni passionnant, ni haletant et encore moins convaincant, « Deadly Illusions » est très clairement le film dispensable du moment, un enchaînement de fausses bonnes idées qui ne se confirment par une mise en scène, une interprétation et une écriture qui nous paraissent on ne peut plus bâclées.
Avis : Teen movie féministe de plutôt bonne facture, « Moxie » pourrait susciter quelques réactions auprès des jeunes et leurs parents après un visionnage offert par la plateforme VOD Netflix. Plus profond qu’il n’y parait, le discours tenu par l’humoriste et actrice Amy Poehler dans sa nouvelle réalisation est l’occasion idéale d’interroger notre société actuelle sur bien des aspects : harcèlement, sexisme, viol, liberté de parole, discrimination sont ainsi au centre d’un long-métrage plutôt maîtrisé. En dénonçant l’inégalité des sexes derrière un ton léger mais aussi plus dramatique qu’attendu, « Moxie » prend certes parti pour la jeunesse et les femmes en général, mais le fait habilement et sans trop de manichéisme. En s’adressant directement aux adolescents, génération chouchoutée en mal de vivre, une frange importante de notre société qui n’a pas toujours su trouver les armes pour se faire entendre et se faire respecter, Amy Poehler tente de montrer que rien n’a véritablement changé depuis mai 68 (n’avons-nous d’ailleurs pas régressé ?) et que l’engagement n’est pas réservé aux lanceurs d’alerte et aux défenseurs du mouvement #metoo, il peut être partout ! « Entre agacer et agresser, il n’y a qu’un pas » Employant les canaux les plus utilisés par les générations Z et Alpha (parmi lesquels Netflix et les réseaux sociaux) « Moxie » parvient à imposer son discours sans trop d’encombre, dans un métrage maîtrisé tant au niveau de son interprétation et son format que dans ses dialogues et son rythme soutenu. Très vite, les clichés et la course à la popularité font place à une mise en lumière des préoccupations de nos adolescents, à savoir la difficulté d’assumer ses choix, sa personnalité alors qu’ils sont sans cesse brimés, peu entendus ou jugés par leurs pairs. Si les adultes ne sont pas épargnés (on en veut pour preuve la dénonciation du manque de réaction de la part de la direction du lycée face au harcèlement moral et sexuel), le cœur du sujet se situe bien dans les couloirs et la vie intime des collégien(ne)s en manque de repères et biberonnés aux clichés qui ont la dent dure depuis de nombreuses années. Aussi, lorsqu’un magazine/fanzine vient libérer la parole et bousculer les rangs, nombreuses sont les jeunes filles (et autres sympathisants) à mettre un mouvement en marche et faire entendre le cri et le SOS d’adolescentes en détresse. Grâce à ses profils bien étudiés et l’attachement que l’on porte à ses personnages de premier et second plans, « Moxie » parvient à créer le lien entre les spectateurs de tous âges et les réalités dénoncées. Peu jugeant, le point de vue proposé par Amy Poelher se veut « réaliste » et non défaitiste, pluriel et progressiste. L’homosexualité, le racisme, le sexisme, le patriarcat et le harcèlement sont taclés de façon presqu’élégante, rendant le film agréable à suivre, à l’instar d’autres teen movies engagés comme « Eight grade », « The hate u give », « Lady Bird », « 1 :54 » ou encore « Booksmart ». En optant pour un casting hétéroclite dans lequel on retrouve notamment Hadley Robinson (l’héroïne que l’on a découvert dans « Little women » ou récemment dans « I'm Thinking of Ending Things » également sorti sur Netflix), Alycia Pascual-Peña (Aisha Garcia dans la nouvelle version de « Sauvez par le Gong »), Lauren Tsai (qui a participé à l’émission de télé réalité « Terrace House: Aloha State »), Nico Hiraga (« Booksmart ») ou encore Patrick Schwarzenegger (le fils de), « Moxie » risque bien de faire mouche auprès de son jeune public friand d’intrigues se déroulant sur les campus des lycées.
Tombé pour (et avec) elle Plutôt bien écrit dans ses dialogues, le métrage inspiré des comédies romantiques qui ont marqué la génération 90’s, nous entraîne ainsi dans la vie de Adri(an), un joli blondinet qui se laisse séduire par une parfaite inconnue un soir de guindaille (quel bonheur de revoir de telles scènes à défaut de les vivre) dont il ne sait rien si ce n’est son prénom : Carla. Tombé fou amoureux, il ne parvient pas à oublier sa belle, ni la folle épopée éphémère qu’il a partagée. Alors, quand il se rend compte que son crush réside dans une maison médicale qui gère la santé mentale de nombreux patients, notre jeune homme usera d’un stratagème à double-tranchant pour intégrer les lieux et retrouver celle qui occupe toutes ses pensées… Et c’est là que l’on comprend pourquoi « Fou de toi » est une traduction très approximative du « Fou pour elle » utilisé dans la langue de Cervantès… En résumant l’intrigue dans ces quelques lignes (on ne spoile rien, tout est déjà repris dans la bande annonce et dans son résumé officiel), on comprend bien vite que tout est dit et que les surprises ne seront pas de mises dans le long-métrage de Dani de la Orden. Si nos deux protagonistes (interprétés par Susana Abaitua et Álvaro Cervantes) ont beaucoup de charme et entrent en adéquation avec leur rôle respectif, c’est auprès des personnages secondaires que la magie opère, des profils intéressants et attachants que l’on rencontrera ponctuellement avec bienveillance et tendresse, un petit groupe de « désaxés » qui font leur révolution de l’intérieur et se réfugient dans leur monde de façon on ne peut plus touchante. La mise en scène classique fonctionne sans se démarquer du genre mais il faut bien l’admettre, « Fou de toi » sera tout de même vite vu, vite oublié. Rappelant un genre qui se « renouvelle » ces dernières années et reprenant les codes de toutes ces romcoms que certains ont pu aimer, « Loco por ella » saura probablement satisfaire un large public peu exigent et ravir les fans de comédies romantiques.
Alpiniste, Aventurier et auteurs de nombreux ouvrages, l’anglais intrépide a gagné en notoriété grâce à son émission « Man vs Wild » (« Seul face à la nature » dans la langue de Molière) diffusée dans de nombreux pays du monde. Pas étonnant dès lors que l’aventurier ait accepté de se prêter au jeu des métrages interactifs « You vs Wild » où les spectateurs décident du destin de son héros téméraire. Durant une bonne heure, nous allons ainsi, manette ou télécommande en main, sceller le destin de ce Bear Grylls qui n’a peur de rien. Parachuté en pleine steppe, notre animateur et acteur vedette va, cette fois, devoir accomplir trois missions : sauver un babouin, capturé un lion et rétablir l’électricité de la réserve d’où se sont échappés nos animaux recherchés. Mais le temps presse et chaque décision peut conduire à la réussite ou à l’échec de chacune des expéditions. Muni de cordes, de fusées de détresse et de bonnes astuces pour survivre en terrain hostile, nous partons sur les traces de Bear Grylls et de ses compagnons de route. Facile ? Pas tant que cela. Si les deux premières missions ont été menées sans trop d’encombres (l’ordre de vos quêtes changera selon vos propres choix), celle qui consistait à capturer le lion affamé nous a semblé plus plus compliquée. Qu’à cela ne tienne, la quatrième mission subsidiaire terminée, l’algorithme du film nous invitera à rejouer les scènes dans lesquelles nous avons lamentablement échoué pour finir le mission sauvetage sans être frustrés. Mini « Carnet du bourlingueur » dans lequel nous apprenons quelques astuces plutôt logiques, « You vs Wild », le film, est un sympathique moment à passer en famille, un métrage original qui brisera intelligemment le quatrième mur et emmènera petits et grands dans une jolie aventure. Si on lui préfère nettement « Black Mirror : Bandersnatch » sorti il y a plus de deux ans, cette expérience écologiste et interactive remplit le contrat sans trop de souci (si ce n’est celui de « rejouer » une partie de l’histoire dont l’issue n’était pas celle attendue) et nous a presque donné l’envie de nous plonger dans la première saison passée en dehors de nos radars, une série de huit courts épisodes sortis il y a un an dans lesquels Bear Grylls doit tantôt affronter la jungle, le froid des Alpes suisses ou récolter du venin, rien que ça !
« Il faut que tu respires, et ça c'est rien de le dire. Tu vas pas mourir de rire, et c'est pas rien de le dire » Mickey 3D Toute bonne proposition de Space opéra se doit de contextualiser son propos et on vous rassure tout de suite, c’est le cas ici ! Nous sommes en 2092 et la Terre n’est plus celle que nous connaissons. L’empreinte des humains l’a rendue irrespirable et seuls les plus nantis ont pu se rendre en orbite autour d’elle dans un havre de paix où la vie s’écoule paisiblement. Les autres n’ont d’autre choix que de travailler sans relâche dans un milieu désormais hostile pour survivre. Au milieu de ce drame humain et écologique, une équipe de ferrailleurs asiatiques survit à bord du « Victory » en revendant les débris tels que les satellites et autres petites navettes laissées à l’abandon dans ce qui est un véritable dépotoir spatial. Chacun des membres de l’équipage est motivé par le gain, mais pour des raisons très différentes. Aussi, le développement de ces personnages givrés n’a pas été négligé ! Beaucoup d’humour et de loufoquerie sont à trouver dans le film de Sung-hee Jo qui s’approprie d’ailleurs fort bien les codes du manga pour nous proposer un film qui, de par ses nombreux aspects, pourrait parler aux amateurs de « Cowboy Bebop ». Voyageant entre la Terre et Mars, le joyeux équipage se retrouve confronté à un évènement inattendu, la rencontre d’une petite fille de sept ans (pas comme les autres puisqu’elle est un robot) recherchée par les forces de l’ordre pour sa dangerosité. Ce chamboulement est vécu, dans un premier temps, dans la crainte par l’équipage qui y verra un moyen de s’enrichir ! Forcément, nous ne dévoilerons pas ici les enjeux de l’intrigue, mais les mésaventures de l’équipage est très plaisante à suivre. Jamais nous ne ressentons les 2h17 de ce film au rythme parfaitement calibré ! Quand la brise vient du soleil levant… Parfois frénétique dans son action constante, sans pour autant être déstabilisante pour le spectateur, « Space Sweepers » peut compter sur une réalisation sans faille dopée aux effets spéciaux colossaux ! Ces derniers apportent un souffle épique à cette épopée et émerveillerait les rétines les plus blasées ! C’est beau, ça vit et nous sommes conquis ! Aussi, le plaisir coupable que nous ressentons devant nos écrans est inextricablement lié au formidable casting ! Outre le héros, écorché par la vie et interprété par le convaincant Joong-ki Song, le film se targue de compter de solides acteurs. Tae-ri Kim (Mademoiselle) est parfaite dans le rôle de la capitaine du vaisseau et Seon-kyu Jin est parfait dans le rôle du machiniste expert en combats musclés ! Même la petite fille- Ye-Rin Park-, du haut de ses sept ans, procure de belles émotions en apportant la candeur due à son jeune âge. Le grand méchant, dont Richard Armitage (Castlevania, Le Hobbit) prête ses traits, est une petite déception tant ses motivations -bien qu’expliquées- sont minces et pas forcément cohérentes avec le passé du personnage. Si l’univers parait aussi cohérent, c’est parce que de nombreuses nationalités se côtoient dans leurs langues respectives. Bien sûr, tous disposent d’un traducteur pour se comprendre. Cette richesse est absolument à vivre en VO afin d’entendre du coréen, de l’anglais et même quelques phrases en français ! D’ailleurs, il est drôle de constater que ce film à (très grand) spectacle véhicule une critique écologique justifiée sur la manière dont l’espèce humaine se comporte. Véritable souffle de fraicheur dans le domaine de la science fiction, ce « Space Sweepers » est une très agréable surprise. D’une très belle facture technique, le film est porté par des comédiens formant une bien belle équipe de balayeurs de l’espace ! Drôle et présentant des accents écologiques bienvenus, le rythme du film ne faiblit jamais jusqu’à sa conclusion détonante !
S’appuyant sur les codes chers au western et y parsemant de jolis brins d’humanité, le dernier long-métrage du réalisateur britannique est non seulement éblouissant par sa photographie, ses cadres et la splendeur des étendues arides, sauvages et désertiques traversées par un tandem attachant, mais l’est aussi par son interprétation et sa mise en scène où tension et altruisme se côtoient dans un monde en mouvement et rempli de dangers. Mon nom est Cigale Des années avant l’arrivée des « infos » dans les salles de cinéma, l’ouverture sur le monde se faisait au travers des séances de lecture où des voyageurs lettrés reprenaient le rôle de crieur public et permettaient aux habitants des quatre coins du pays de connaître les faits divers et autres avancées locales ou nationales contre quelques piécettes d’argent durement gagnées. En cela, le titre original « News of the world » révélait tout le sel du métier de notre héros du jour, le Capitaine Jefferson Kyle Kidd, vétéran de guerres qui l’ont profondément marqué et emmené sur les routes interminables des états confédérés, l’occasion de voir le monde nouveau à travers un regard qui se porte sur différents horizons. Inscrite dans le début des années 1870, l’histoire personnelle de notre Capitaine Kidd va prendre un nouveau tournant lorsqu’au détour d’un chemin sablonneux, le lecteur pacifiste va rencontrer la toute jeune Johanna, petite fille à la peau pâle, abandonnée des siens et témoin de rares violences. Commence alors une longue route qui emmènera ce duo improbable mais attendrissant sur 600 Km de traces traversant les grandes plaines arides et dures, à l’image du visage fermé de cette gamine qui ne demande qu’à être apprivoisée. Relativement convenu dans sa trame générale, « La mission » puise son énergie dans le jeu à nouveau incroyable de la petite Helena Zengel (découverte dans ce film coup de cœur « Benni – System crasher » où elle crevait déjà l’écran du haut de ses … 9 ans !) et la bonté désormais coutumière d’un Tom Hanks qu’on aime retrouver dans ce genre de rôle si bien dessiné. Evoquant furtivement les troubles de l’époque avec intelligence (l’abolition, la difficile consolidation de l’Union nationale, la déshumanisation des Indiens et la violence des exploitations de certaines régions) est aussi une magnifique illustration de l’acculturation, de la construction de repères et de l’importance de se rattacher à quelques reliques d’une vie passée pour ne pas totalement s’oublier. Qu’il s’agisse de celles de Jefferson ou de la jeune Johanna, les traces des souvenirs ne cessent de les hanter et l’apprivoisement de l’un et de l’autre permettra de reconstruire un avenir, que l’on espère lumineux, sur les ruines d’une violence dont ils ont été témoins, lumière qui donne un rare éclat à nos écrans, sublimant chaque scène, chaque décor traversé dans une photographie qui se fige dans notre mémoire cinéphile et éblouit le scénario équilibré d’un Luke Davies (« Lion », « My beautiful boy ») au sommet de son talent. La tension palpable et la réalisation sans faille de Paul Greengrass, le duo complémentaire formé par le chevronné Tom Hanks et la toute jeune Helena Zengel (qui se met à son niveau et n’est jamais effacée), la rudesse de la (sur)vie d’une nation en construction et la profonde humanité née de la crainte et la protection font de « La mission » une fascinante relecture du genre western moins sombre (et pourtant violente), teintée d’empathie mais surtout d’espoir.
D’une tristesse inouïe, violent verbalement mais magnifiquement réalisé par un Sam Levinson qui révèle tout son potentiel et l’immense talent de ses deux comédiens qui crèvent l’écran, « Malcolm et Marie » est un drame intime et bouleversant dont on sort éprouvés mais admiratifs d’une maîtrise si rare sur nos (petits et moyens) écrans. L’histoire se résume très facilement mais sa complexité rend probablement l’exercice final peu évident. Au retour d’une avant-première qui a permis à Malcolm de dévoiler son premier long métrage, un couple ordinaire se voit pousser dans ses retranchements à la suite d’un déferlement de reproches et de non-dits, les contraignant à slalomer entre les démonstrations d’amour et de haine tout au long d’une nuit éprouvante et bien mouvementée. Qualifié de futur Barry Jenkins ou de nouveau Spike Lee, Malcolm est aussi enivré par l’alcool et l’accueil qui lui a été réservé qu’énervé par l’interprétation donnée par des critiques cherchent à tout prix à se (et le) démarquer. Mais quelle place laisse-t-il à Marie dans ce virage qu’a pris sa vie dernièrement ? Quels lendemains attendent ces amoureux qui ont parfois oublié l’existence de l’autre et omis de communiquer sur ce qui les rend unit ou divisé ? Ego trip particulièrement bien amené « Malcolm et Marie » est un film verbeux mais pas dans le sens péjoratif du terme, que du contraire. Audacieux, le film de Sam Levinson est éprouvant, bluffant, glaçant, suscite une palette d’émotions et enclenche l’ascenseur émotionnel en permanence, se calquant sur l’amour et la haine que se porte ce couple dont on ne sait pas vraiment ce qu’il partage véritablement. La photographie de Marcelle Rey qui sublime la mise en scène et le jeu de ses deux incroyables acteurs, la lumière qui transcende un sujet et des scènes réglées minutieusement sur la joute verbale qui se joue à l’écran font de « Malcolm et Marie » un plaisir cinématographique certain, admirablement magnifié par la pellicule utilisée, un métrage nostalgique ancré dans une dure réalité. Je t’aime moi non plus Presqu’intemporel (seuls quelques utilisations de smartphone et noms de contemporains évoqués situent l’action dans notre présent proche), le film manie habilement la caméra et les mots, les espaces et les temps, nous offrant une théâtralité presque parfaite de laquelle nous sommes les spectateurs médusés. Glamour dans la forme, violent dans le fond, « Malcolm et Marie » est un huis-clos comme on en fait peu, un métrage qui marque par les blessures faites à l’âme de ses héros (et font peut-être raisonner les nôtres), révèle leurs propres détresses passées, leurs frustrations ou leurs addictions, leur manque de communication, leur besoin de briller, d’être reconnus mais aussi brisés pour avoir été incompris ou oubliés. Film à tiroirs dans lequel on trouve de multiples sujets toujours très actuels, le métrage radical de Sam Levinson ne laisse aucun temps mort, nous prend à témoins des mots jetés à la figure de ses héros dans l’enfilade de pièces où nous nous sommes immiscés, tantôt proches des visages séduits et relâchés, tantôt tenus à distance d’une bataille qui ne semblera jamais se terminer et déclenchée par un « simple » remerciement oublié. Tourné en deux semaines seulement durant la pandémie qui a mis à mal bon nombre de projets cinématographiques, « Malcolm et Marie » n’a pas seulement eu la chance de naître et aboutir dans une période troublée. Il a aussi permis à son réalisateur d’évoquer des sujets chers à sa propre expérience de vie et de nous questionner sur l’importance de l’ « autre », de la place de chacun dans un couple, de l’oubli de l’un pour l’épanouissement de l’autre en nous bousculant sans cesse et dans une intelligence scénaristique rare qui relève du sans faute. Mais ce n’est pas tout ! « Être noir ne rend pas tout politique » Cette phrase, Malcolm la prononce comme un constat qui claque, renvoie à ce besoin de tout politiser, de trouver un sens dans des métrages qui ne sont parfois que des tranches de vie intelligemment présentées et qualifiées de film racial par des journalistes blancs qui intellectualisent tout pour se rassurer et légitimer leur appartenance à un milieu controversé. Embrumé par le succès et l’alcool, Malcolm se fait le porte-parole de ces réalisateurs afro-américains parfois incompris, parfois portés aux nues, quelques fois taclés par les cultural studies ou au contraire, qualifiés de porte étendard d’une cause qui les dépasse ou n’a jamais été envisagée. Questionnant l’égo, la flagornerie, le succès, l’inspiration et la portée d’une réalisation, « Malcolm et Marie » est un film de cinéma sur le cinéma, un métrage que l’on aurait tant voulu voir sur une grande toile pour faire vibrer un peu plus encore le fond de nos âmes et apprécier la splendeur de sa réalisation si maîtrisée.
Comme le feu et la glace Le cinéma espagnol est décidément très prolifique mais aussi qualitatif ! Tout à tour, il peut se montrer passionné, engagé mais aussi terriblement efficace et maitrisé ! Et ce n’est pas ce film qui fera mentir cet état de fait ! Sorti il y a une poignée de jours, « Froid Mortel » a su nous tenir en haleine sur toute sa longueur et les raisons sont multiples. Tout d’abord, dès les premières minutes, le réalisateur Lluis Quilez imprime sa marque avec une réalisation qui interpelle le spectateur ! Trop souvent, les films actuels sont réalisés sans que l’on prenne conscience d’un quelconque mouvement audacieux de caméra ou d’un plan original. Tout semble trop souvent convenu (même si pour arriver à ce résultat fluide, un gros travail est demandé…). Dans le cas présent, nous avons apprécié la « patte » du réalisateur barcelonais. Sa réalisation marque notre intérêt grâce à de beaux plans rapprochés et à hauteur d’épaule mais aussi grâce à une photographie qui s’occupera de faire le reste ! Il y a comme un froid entre nous… L’histoire souffle un peu plus le chaud et le froid (non mortel tout de même) car bien que celle-ci soit très plaisante à suivre (le détournement d’un bus pénitentiaire pour d’obscures raisons qui seront heureusement révélées à la fin), le récit est parfois cousu de quelques (gros fils) blancs ! Mais même ceux-ci ne parviennent pas à détourner notre attention constamment sollicitée par un rythme qui ne faiblit pas et par des comédiens talentueux dont Javier Gutiérrez est l’heureux ambassadeur ! Déjà l’année passée, l’acteur avait su semer l’effroi avec le très inquiétant « Chez Moi ». Ici, le comédien opère un cent quatre-vingt degré en interprétant un policier assez droit qui respecte le règlement à la lettre. Mais finalement, tout l’enjeu de cette histoire revient à savoir pourquoi un forcené s’en prend à ce convoi pénitentiaire. Pourquoi désire-t-il tellement extraire l’un de ces prisonniers en risquant sa propre vie mais aussi en balayant d’un revers de main tant d’autres vies ? Nous le disions, malgré les incohérences nombreuses lorsqu’on y réfléchit (pourquoi mélanger dans ce fourgon des prisonniers dangereux avec les petits délits ; etc..), le film se veut parfaitement maitrisé et bien joué ! La fin mérite amplement son sceau de popcorn maison et la violence filmée renvoie même de façon viscérale au ras-le-bol des citoyens devant une justice…trop souvent laxiste. Jamais, nous ne sommes sortis de cette belle proposition de cinéma que nous n’attendions pas !
Dans ce drame, documenté avec soin grâce aux témoignages et l’aide de ses vrais protagonistes mais aussi du roman écrit par Cameron Bloom (l’époux de Sam) et Bradley Trevor Greive, on découvre comment une mère de famille, qui a perdu le goût de la vie, accepte le dépassement de soi et de son infirmité pour renouer avec tout ce qu’elle avait délaissé. L’élément déclencheur ? L’arrivée de Peng(uin), une pie sauvage incapable de voler, blessée par une lourde chute qui n’est pas sans rappeler celle dont Sam a été victime lors de vacances passées en Thaïlande. Si les relations tendues entre cette mère dépressive et ce petit volatile attachant rendent la cohabitation difficile, les contacts quotidiens vont finir par créer un réel lien et permettre à Sammy de sortir de la léthargie dans laquelle son terrible accident et l’adaptation de son quotidien l’avaient emprisonnée. Très classique dans sa réalisation et dans son interprétation, le métrage de Glendyn Ivin parvient néanmoins à dépasser ses faiblesses, offrir quelques jolis moments d’émotion non feintes ou pudiques et à diffuser un message d’espoir appuyé tout en étant discret, grâce à la mobilisation sans retenue d’amis et membres de la famille eux-aussi bouleversés par un accident qui a tout changé… à tout jamais. Ne tirez pas sur l’oiseau moteur Refusant son infirmité, se sentant inutile, Sam n’a plus le goût à rien malgré les efforts consentis par son mari et ses trois garçons pour garder cet équilibre fragile qui risque de basculer à tout moment. Les non-dits et les faux semblants se faisant pesant depuis plus d’un an, l’apparition de cette pie taquine et attachante va permettre d’ouvrir les vannes et de remplir la maisonnée de rires et de complicités retrouvées. Linéaire et totalement convenu, « Penguin Bloom » n’est pas un grand film malgré ses têtes d’affiche populaires (Naomi Watts et Andrew Lincoln) mais une petite bouffée d’air frais inspirée au large de l’Australie et expirée dans nos salons parfois plombés par le ciel gris. Un métrage gentillet qui met en lumière la détermination d’une famille à faire d’une vie troublée un quotidien plus léger, l’amour inconditionnel et l’entraide qui naissent de petits riens mais aussi le potentiel que peut avoir un événement anodin à faire renaître un phœnix de ses cendres et à donner un nouveau tournant à un chemin pesant dont on sort difficilement.
Apparemment désireux de faire une incursion dans le champ de la science-fiction, le réalisateur s’est entouré d’Anthony Mackie, figure de l’univers Marvel (le personnage de Sam Wilson/Faucon, c’est lui !), pour porter le film. Jouant un militaire androïde superpuissant, sa mission est d’empêcher l’apocalypse nucléaire aux côtés d’un pilote de drone (Damson Idris) qui a outrepassé un ordre direct pour agir de son propre chef. Bien que deux soldats aient perdu la vie, trente-huit autres ont eu la leur sauve. Comme on peut s’y attendre, cet acte ne peut être toléré dans une armée qui n’apprécie guère qu’on brise la chaine de commandement aussi facilement. C’est ainsi que ce tandem improbable doit mener une enquête « musclée » afin d’obtenir les clés de l’ogive nucléaire sur fond de terrorisme et d’insurrection. Tout un programme ! Hélas, jamais le film au demeurant bien réalisé ne parvient a créer la moindre surprise chez le spectateur qui suivra distraitement les enjeux pourtant élevés prodigués par un scénario qui pourrait être la résultante d’un croisement improbable de plusieurs films de série b. Visuellement sans reproche majeur, le film flatte la rétine autant qu’il indiffère le spectateur. La faute à des personnages peu (ou pas) charismatiques. On pourrait même dire que les gentils tapent sur les méchants dans l’indifférence totale. Avouez que c’est ennuyeux ! Manichéen dans son intrigue, la chute peut certes surprendre mais ne peut que décevoir tant les motivations avancées sont… maigres.
Jamais sans ma fille Précédé d’une scène d’accouchement réaliste qui dure près de 20 minutes, des contractions annonciatrices jusqu’aux premiers cris de ce bébé qui semblait en tout point en bonne santé, le titre du film « Pieces of a woman » s’affiche sur notre écran avec discrétion et force, à l’image de son héroïne, Martha, que nous nous apprêtons à suivre dans un long chemin de croix qui durera plus de 6 mois. Dévastée par la perte de la petite Yvette dont elle a peu de souvenirs, si ce n’est sa délicieuse odeur de pomme, la jeune mère avance tant bien que mal, sans fléchir, avec l’immense vide pesant dans ses entrailles comme dans sa propre vie. Mais celle qui a le besoin viscéral de tourner la page, en tout cas aux yeux de tous, ne fait que refouler sa détresse et son immense tristesse, laissant libre cours à ces fameuses cinq étapes du deuil élaborées par Elisabeth Kübler-Ross : le déni, la colère, la négociation, la dépression et l’acceptation. Laissant son couple battre de l’aile depuis que leur nid a été privé de cet oisillon qu’ils ont tant chéri, Martha n’exprime rien, laissant hagards son compagnon de vie (Shia LaBeouf) et sa mère (Ellen Burstyn) qui abordent ce drame de façon plus frontale. Si son héroïne nous parait distante, la proximité que l’on a avec cette histoire et avec cette difficulté de faire le deuil, d’affronter les regards des autres et le nôtre lorsque l’on se croise dans un miroir est totale. Sans aucun doute parce que le réalisateur et sa compagne, Kate Wéber, scénariste du film (qui était à la base une pièce de théâtre ayant connu un grand succès) ont eu même vécu un deuil périnatal. N’y a-t-il pas alors meilleure catharsis que de parler de ce qui a rendu muet deux parents durant des semaines, des mois ou des années ? Révélant au monde la souffrance, la difficulté de ne pas trouver de coupable, de porter une honte qui ne devrait pas en être une « Pieces of a woman » est un film majeur parce qu’il libère la parole, parce qu’il ose exploser les tabous, faire de preuve d’une force redoutable et d’évoquer un sujet sensible de front mais néanmoins avec une pudeur exemplaire. Comment narrer un quotidien qui a volé en éclats lorsque les premiers cris de la vie ont cessé et de ce fait, on exploser la vôtre ? Comment aller de l’avant et comment survivre en tant que parents. « Pieces of a woman » évoque un peu de tout cela, magistralement, l’air de rien, dans un métrage de deux heures qui poursuit, tant pour sa performance, son empathie que pour son intelligence humaine. Sa chronologie, qui s’appuie sur la construction d’un pont sur lequel travaille Sean, un père endeuillé en perte de repères, ne fait pas que marquer le temps qui passe… lentement… mais est aussi une façon d’exprimer la latence d’une évolution personnelle, indispensable pour combler un vide, un gouffre émotionnel, un travail de longue haleine qui permet de tisser un lien, de joindre deux rives, deux êtres lorsque l’irréparable s’est produit…
La particularité ? Mêler les témoignages face caméra de personnalités fictives incarnée …par des acteurs de renom à des images d’archives qui ont défrayé la chronique l’année passée ! Ce projet un peu fou et, assez risqué lorsqu’on y pense, a la chance d’être porté par des acteurs solides qui n’ont plus rien à prouver et qui nous régalent en sortant des sentiers battus… audacieux ! Alors que Samuel L. Jackson, en sa qualité de journaliste dans le film, réagit aux images d’archive proposées avec malice et subjectivité, c’est un Hugh Grant méconnaissable en historien vieillissant et rétrograde (quel plaisir !) qui s’occupe d’éclairer nos lanternes ! Les amateurs toujours endeuillés par l’arrêt de la série « Friends », eux, adoreront détester la porte-parole officieuse de la Maison Blanche interprétée par Lisa Kudrow. Aussi, d’autres acteurs se joignent à eux pour nous amuser comme l’actrice britannique Diane Morgan qui nous régale dans le rôle d’une « citoyenne lambda » tellement crédule mais touchante lorsqu’elle nous partage sa vision du monde… Brillant ! Le Black Mirror de l’actualité ! Avec « Mort à 2020 », les réalisateurs Al Campbell et Alice Mathias déploient un second degré certes ravageur mais qui demande de bonnes connaissances des faits pour apprécier le spectacle à sa juste mesure et ainsi prendre conscience de la folie qui s’en dégage. Aussi, sans esprit critique, le spectateur passerait totalement à côté de cet exercice de style maitrisé avec brio. Car oui, dans ce programme parodique, les interviews se font en face caméra et le ton est tantôt faussement grave, tantôt outrancier, mais c’est toujours pour appuyer (à la truelle !) les dérives de notre société qu’il est bon d’égratigner. Ainsi, pour véritablement s’amuser de la folie retransmise ici, il faut être conscient des codes et des niveaux de langage. Cela dit, cela fait du bien de ne pas nous prendre pour des c***, en nous proposant un vrai terrain de jeu psychologique et sociologique ! Un vrai miroir sombre de notre société en somme alors que tout au long de cette satire, nous nous amusions d’ailleurs de retrouver des images d’actualité que nous avions oubliées et qui nous paressent toujours aussi folles aujourd’hui ! Vous le verrez si vous décidez de tenter cette expérience télévisuelle, il est difficile de garder son sérieux malgré la noirceur de l’actualité tant nos politiques semblent avoir été à côté de la plaque ! Du côté de ce casting quatre étoiles, les vannes défilent, avec par moments, quelques petites lourdeurs qui auraient pu être évitées tant le même ressort comique semble usé parfois jusqu’à sa tension maximale. Malgré cela, le format d’1h10 est parfait pour nous divertir, nous interroger et nous surprendre sans tomber dans une caricature maladroite qui aurait desservi ce beau projet ! En fin de compte, avec « A mort 2020 », tout le monde prend la tarte à la crème en pleine figure et c’est assez jouissif ! Alors que la voix off surnomme Boris Johnson le « Premier Ministre épouvantail », Joe Biden n’échappe pas aux blagues liées à son âge puisqu’il aurait déjà été un acteur de la « Guerre de Sécession ».
Ensuite, parce qu’en voulant humaniser son héros traumatisé par la guerre contre des terroristes, le réalisateur enferme son film dans une psychologie de comptoir beaucoup trop sommaire pour nous captiver. Bien sûr, l’ensemble se regarde avec un certain plaisir grâce à un bon rythme dans ses deux premiers tiers mais pêche par les nombreuses interactions de cet anti-héros avec sa famille. Alors que sa femme ne parvient plus à le soutenir dans ses troubles de stress post-traumatique, son fils se sent coupable d’avoir détourné l’attention de sa sœur pendant quelques instants fatidiques. De plus, nous n’échappons pas aux flashbacks traumatisants de la guerre en Afghanistan avec des séquences de tortures dispensables… Ces éléments sont d’autant plus dommageables qu’ils viennent alourdir une dynamique pourtant assez bonne où les évènements s’enchainent sans discontinuer. Enfin, comment ne pas évoquer des facilités scénaristiques hélas trop souvent présentes dans ce genre de film... Pour le reste, place aux plaisirs simples du combat à mains nues ! Car oui, tout l’intérêt réside dans l’enquête musclée de cet ancien soldat et père de famille envers ceux qui ont enlevé son enfant. Vous imaginerez sans peine que sa détermination à retrouver sa fille fera des étincelles !
Fabrizio Gifuni est à l’aise dans les scènes d’action et la réalisation efficace, ainsi que les bruitages convaincants nous plongent instantanément dans la violence la plus viscérale, celle qui vient de la nécessité pour un père de revoir sa fille. Les scènes d’action vont certes à l’essentiel mais témoignent d’une puissance brute absolument jouissive ! La violence est exacerbée et le colosse italien semble encaisser, sans broncher, son chemin de croix vers une issue qu’il espère favorable. Enfin, comment ne pas saluer le fabuleux travail conjugué d’Andrea Manusso et de Matteo Nesi qui nous livrent là une très belle bande originale ! Celle-ci se détache de la production habituelle et devrait enthousiasmer vos oreilles délicates ! Pour toutes ces raisons, « la Bête », bien qu’imparfait, est un film qui mériterait un coup d’œil tant il sait se montrer efficace dans ses scènes d’action.
Long, lent, soporifique, « Midnight sky » noie le poisson de ses premières minutes à son dénouement, ne cessant de nous interpeller sur le sens que l’histoire va finir par nous donner espérant par la même occasion nous faire mordre à l’hameçon. C’est que, les deux intrigues qui se déroulent en parallèle (comme si George avait peiné à choisir laquelle des deux histoires il allait nous conter) ont finalement peu d’enjeux, prennent des tournures incompréhensibles, tout juste mises en place pour justifier un croisement qui n’apporte rien de plus qu’une conclusion téléphonée… Sorte de melting pot entre « Seul sur Mars », « Arctic », « Interstellar » et « Solaris », « Minuit dans l’univers » n’est qu’une resucée de tout ce que l’on a pu voir ailleurs, le manque de dynamisme en plus… George Clooney, affublé d’une barbe improbable, les yeux fatiguées et les attitudes bourrues ne parviennent pas à sauver le film d’un naufrage dont il est difficile de le sauver… Ses changements d’attitudes radicaux (à l’arrivée de la petite Iris) et son manque de cohérence n’étant que le reflet de cette humanité qui n’a pas su se sauver d’elle-même, contrainte de se réfugier dans le sous-sol d’une Terre plutôt que de faire face à son effroyable destin. Drame écologique dont on très clairement compris le message tant il nous est répété (« nous n’avons pas pu prendre soin de notre planète depuis votre départ »), « Minuit dans l’univers » ne cesse de nous rappeler qu’il faut prendre soin des uns et des autres, de ce que l’on a, de saisir les moments présents et faire les bons choix, au risque de se retrouver face à l’immensité d’un quotidien hostile où la solitude résonne de façon douloureuse au sein de notre poitrine. Et que dire de ce qui se joue dans l’hyper espace et dans le vaisseau Ether où évolue une poignée très représentative du peuple américain, immense navette en perdition entre une mission initiale et un retour sur Terre dont on ne connait pas la réelle raison… Les motivations, les quêtes et les choix de cet équipage ne sont guère plus éclairants que ce qui se passe sur notre planète bleue acide et on se demande finalement le sens apporté à ces deux heures dont on sort groggy…
En effet, le film, qui permet de réunir à l’écran l’impeccable (et implacable) Viola Davis et le très convaincant Chadwick Boseman, n’a pas son pareil pour nous emmener dans des interactions volubiles à ne plus en finir, échanges qui permettent de cerner les contours des conditions d’afro-américains venus s’installer dans le Chicago des années 1920… Attirée à coup d’articles alléchants et de promesses de vie meilleure, la communauté noire de l’époque traverse les USA pour trouver de quoi subsister dans le Nord où la réalité dépeinte de façon fallacieuse est bien loin de tout ce que ces braves volontaires avaient pu s’imaginer. Persécutée et sous-estimée, la population afro-américaine parvient cependant à s’exprimer à travers la musique jazzy, dont Ma Rainey est une figure de proue incontestée. Diva impatiente, exigeante et au caractère bien trempé, la chanteuse de blues se voit conviée à une session d’enregistrement qui marquera à jamais tous ceux qui y ont pris part, des musiciens au producteur de la maison de disque blanc, en passant par la petite amie de la chanteuse ou son adorable neveu. Respectant l’unité de temps et de lieu chère au théâtre, « Le blues de Ma Rainey » nous offre un huis clos tendu où des protagonistes bien différents se côtoient durant quelques heures. Levee (Chadwick Boseman) voit en cette session d’enregistrement, l’occasion de révéler tout son talent et de négocier le virage de sa propre carrière alors que le band de Ma préfère apaiser les tourments et les rêves de grandeur, attendant nonchalant l’arrivée de la diva… Problèmes techniques, manque de respect, tension et passion pour cette musique si parlante et évocatrice des tourments vécus par les afro-américains sont l’occasion de permettre à chacun de s’exprimer et livrer une part de son vécu, d’entrer dans l’intime et le passé d’êtres qui ont été marqués par ce qu’ils ont connu. Avec « Ma Rainey’s Black Bottom » (titre de sa version originale – « Black Bottom » étant l’un des succès de la chanteuse), August Wilson brosse à nouveau le portrait d’une époque par des situations et des mots criant de vérité, s’appuyant sur des figures fortes et sincères qui communiquent une belle humanité… Cette intelligence d’écriture et cet angle, nous l’avons d’ailleurs déjà découverte dans une très belle adaptation dans le « Fences » de Denzel Washington (dans lequel on retrouvait déjà... Viola Davis), film que l’on préfère à celui-ci, peut-être parce qu’il nous semblait plus facile de nous identifier à ses protagonistes. Très verbeux, le métrage de George C.Scott peut néanmoins s’avérer longuet pour qui n’apprécierait pas cet exercice de style et cette porte d’entrée dans un univers qui a pourtant de nombreuses qualités. Si on applaudit la performance de Viola Davis (nous regrettons néanmoins le playback très peu subtil utilisé lors des scènes de chant), celle de Chadwick Boseman et du casting masculin incarnant les musiciens attachants, nous regrettons l’empressement et l’enchaînement sans répit d’événements et d’incidents qui auraient pu prendre davantage leur temps…
Musicalement vôtre Ryan Murphy, c’est « Mange, prie, aime », « Nip Tuck » ou encore « Glee », l’excellentissime « Hollywood » ou l’inconstante « Ratched ». Avec « The Prom », le réalisateur américain rend un hommage notoire à Brodway sans réellement parvenir à nous faire décoller. Le film, qui était rempli de promesses, mélange les thèmes, les histoires personnelles, les comédiens professionnels et amateurs dans un imbroglio confus où tout est prévisible, lisse et terne. Et pourtant, à la lecture de sa distribution et son pitch intéressant, on s’attendait à retrouver la grandeur de « Moulin Rouge », la fraîcheur de « Mamma Mia ! » (en cela, Jo Ellen Pellman à l’aisance d’une Lily James) des chants et des danses qui font virevolter les cœurs et emplissent nos écrans de lumière… Si c’est en partie vrai, le souci principal vient de ses facilités scénaristiques et sa paresse d’écriture, de la sous-exploitation du talent d’une Nicole Kidman qui vient juste afficher ses grandes gambettes et un méli-mélo de bons sentiments trop fake que pour y adhérer vraiment. Entre humour et sujets de société plutôt bien exploités (l’importance de la popularité et des bonnes critiques, le manque d’empathie et l’acceptation difficile de l’homosexualité), « The prom » vacille. Son discours tentant engagé, mais beaucoup trop appuyé et ses happy ends tellement gros qu’ils envahissent une histoire qui méritait d’être un peu plus subtile, ternissent le tableau haut en couleur que Ryan Murphy menait de main de maître dans des débuts très prometteurs.
Tristement, cette romance a connu une sortie discrète mais est (heureusement !) à (re)découvrir sur Netflix ! Ici, Avec « Paddleton », Lehmann nous propose de découvrir un beau film d’amitié entre deux hommes, qui sont aussi voisins directs. Assez minimaliste dans son approche, la première scène du film nous amène à l’hôpital où nous apprenons l’état de santé inquiétant de Michael (Mark Duplass) souffrant d’un cancer en stade terminal. Accompagné de son meilleur ami Andy (Ray Romano), Michael souhaite partir dans la dignité ... Mais ce cheminement compliqué devra se faire à deux, avec l’aide de son ami de toujours… Alors que Michael se résigne à la situation, Andy,lui, ne conçoit pas un avenir sans son complice. Les non-dits et la pudeur sont présents, tout comme les liens du quotidien qui unissent les deux hommes et la peur de ce vide qui va s’installer dans la vie de celui qui reste… Un set à deux Exemple parfait du cinéma indépendant réussi, à l’instar de la gifle qu’à été « Sideways » en son temps, « Paddleton » prend également très vite la direction d’un road movie mélancolique où les fêlures des protagonistes parviennent à nous toucher en plein cœur. Réjouissant de justesse, les deux acteurs principaux sont parfaits dans leur rôle respectif. Habitués aux parties de Paddleton- un jeu inventé par leur soin et consistant à se servir d’un ancien mur de drive in pour échanger des balles devant tomber dans un baril- les amis se retrouvent chaque jour après le boulot pour partager les loisirs et réinventer le monde. Passionnés par les films de Kung fu et grands amateurs de pizzas, ils entretiennent une amitié très belle car sincère. Célibataires, ils se retrouvent dès qu’ils peuvent, ce qui donne lieu à des échanges et réflexions surréalistes comme celle autour de l’hoverboard et la perception métaphorique de l’immobilisme. Les deux amis se montrent touchants de pudeur comme ce moment où Andy répète son discours fictif du coach encourageant l’équipe et qui fait aussi écho à la tournure qu’est en train de prendre sa propre vie… alors qu’à travers les tuyaux de ventilation, son alter ego entend ce discours et comprend sa solitude sans n’en rien dire. Tout du long, il y a une vraie intelligence émotionnelle dans ce film indépendant, qui bien que fait de l’ordinaire du quotidien, parvient à extraire la sève poétique et mélancolique de l’existence. Nous le disions, le tandem joué à l’écran par Mark Duplass et Ray Romano est parfait de justesse et la magie d’un cinéma plus sensible et confidentiel opère. Même les « codes » esthétiques utilisés participent à cette bulle du temps suspendu. La preuve ? Il est difficile de connaitre l’année de l’intrigue, puisque les vêtements vieillots tricotés, le décor, la vieille voiture Nissan Sentra rouge et les filtres couleurs pastel utilisés participent à ce voyage ordinaire de l’existence. Peut-on, pour autant, parler de « codes » du cinéma indépendant US ? Peut-être, mais lorsque le cœur l’emporte sur l’intellect, alors le pari est réussi !
Cependant, si ses apparats sont remarquables, nous avons l’étrange sensation d’avoir découvert un film en toc, un métrage un chouïa nombriliste où l’émotion répond aux abonnés absents, à l’image d’un Orson Welles tyrannique relégué au second plan. Explications Coulisses d’un film aux neuf potentiels Oscars Son énorme travail technique et photographique et son désir de rester ancré dans une époque mise à l’honneur par l’évocation de nombreuses personnalités ne seront sans doute pas étrangers à quelques nominations potentielles dans la course aux statuettes dorées. Les fondus entre les scènes et ses rappels de vieilles pellicules, ses décors plus vrais que nature, sa diction et sa prise de son (ou son rendu) à la sauce 30’s sont assurément des arguments magnifiques qui séduiront les cinéphiles nostalgiques et les amateurs de films d’époque. Néanmoins, est-ce suffisant pour faire de ce métrage un must see incontournable ? Pas vraiment. Si les coulisses de l’âge d’or du cinéma se déroulent sur notre écran de façon probante et hautement appréciable, nous peinons à retrouver notre chemin dans ce « Mank » qui, à l’instar de « Citizen Kane », brouille les pistes, devient labyrinthique et risque bien de perdre une partie de son public tombé dans un état léthargique. On le confesse, nous avons beau avoir voulu nous raccrocher au formidable casting, à son impressionnante esthétique, nous avons beaucoup de mal à vanter les mérites d’un David Fincher qui semble s’offrir un kiff cinématographique un peu trop hermétique. La faute à son histoire trop confidentielle et à ses trop nombreux flashbacks ? Sans doute. Outre le fait que David Fincher semble vouloir établir un hommage hyper appuyé au métier de scénariste et montrer, à qui veut le voir et l’entendre l’importance d’un scénario et de sa paternité. Le sien est d’ailleurs signé Jack Fincher, son père, décédé il y a moins de 20 ans d’un cancer, et qui n’a jamais pu voir son scénario, écrit dans les années 90, adapté à l’écran… Le lien entre l’histoire du film et le film en lui-même résonne donc d’une étrange façon lors de sa vision. Mais faut-il avoir vu « Citizen Kane » pour comprendre le film de Fincher ? Oui… et non. Si le personnage de Kane et ses inspirations puisées dans la vie d’un certain William Randolph Hearst sont présentes dans les dialogues et à l’écran, « Mank » parle surtout du processus créatif, le manque de reconnaissance de certains métiers indispensables à la fabrication d’un film et des tractations mises en place pour faire ressortir un métrage du lot. Jeux de dupes et d’influences, histoires officielles et officieuses s’expliquent à mesure que nous entrons dans la vie de ce Mank (formidable Gary Oldman) irascible, alcoolique, alité et pourtant si énergique. En revanche, il est indispensable de connaître quelques rudiments et grands jalons du cinéma des années 1930, son contexte politique et social si on ne veut pas être totalement perdus dans les réceptions et autres errances de notre héros. C’est que, en plus d’Orson Welles, nous croisons la route du magnat de la presse William Randolph Hearst, David O. Selznik, Louis B Mayer (pour ne citer qu’eux), autant de grands pontes qui avaient un pouvoir de décision colossal sur les carrières des petites mains du 7ème art à cette époque. Upton Sinclair, Marion Davies et Joseph Joe Mankiewicz complètent eux le paysage des rêveurs qui attendent une grâce divine ou un coup de pouce du destin pour asseoir une carrière dans studios hollywoodiens… En signant ce retour en noir et blanc dans le monde du cinéma qui manque parfois d’innovation et d’audace, David Fincher se démarque sans non plus parvenir à se tenir au-dessus de la mêlée. Probablement parce qu’à force de vouloir être dans l’hommage, il en oublie de donner de l’âme à un scénario très développé, offrant une trame saccadée dans laquelle il est difficile de se retrouver et que l’on découvre tantôt médusés, tantôt éprouvés.
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Légende
★★★★★: Coup de coeur ★★★★: Excellent film ★★★: Bon film ★★: Peu mieux faire ★: Passable ○: On en parle? |
