Tombé pour (et avec) elle Plutôt bien écrit dans ses dialogues, le métrage inspiré des comédies romantiques qui ont marqué la génération 90’s, nous entraîne ainsi dans la vie de Adri(an), un joli blondinet qui se laisse séduire par une parfaite inconnue un soir de guindaille (quel bonheur de revoir de telles scènes à défaut de les vivre) dont il ne sait rien si ce n’est son prénom : Carla. Tombé fou amoureux, il ne parvient pas à oublier sa belle, ni la folle épopée éphémère qu’il a partagée. Alors, quand il se rend compte que son crush réside dans une maison médicale qui gère la santé mentale de nombreux patients, notre jeune homme usera d’un stratagème à double-tranchant pour intégrer les lieux et retrouver celle qui occupe toutes ses pensées… Et c’est là que l’on comprend pourquoi « Fou de toi » est une traduction très approximative du « Fou pour elle » utilisé dans la langue de Cervantès… En résumant l’intrigue dans ces quelques lignes (on ne spoile rien, tout est déjà repris dans la bande annonce et dans son résumé officiel), on comprend bien vite que tout est dit et que les surprises ne seront pas de mises dans le long-métrage de Dani de la Orden. Si nos deux protagonistes (interprétés par Susana Abaitua et Álvaro Cervantes) ont beaucoup de charme et entrent en adéquation avec leur rôle respectif, c’est auprès des personnages secondaires que la magie opère, des profils intéressants et attachants que l’on rencontrera ponctuellement avec bienveillance et tendresse, un petit groupe de « désaxés » qui font leur révolution de l’intérieur et se réfugient dans leur monde de façon on ne peut plus touchante. La mise en scène classique fonctionne sans se démarquer du genre mais il faut bien l’admettre, « Fou de toi » sera tout de même vite vu, vite oublié. Rappelant un genre qui se « renouvelle » ces dernières années et reprenant les codes de toutes ces romcoms que certains ont pu aimer, « Loco por ella » saura probablement satisfaire un large public peu exigent et ravir les fans de comédies romantiques.
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Alpiniste, Aventurier et auteurs de nombreux ouvrages, l’anglais intrépide a gagné en notoriété grâce à son émission « Man vs Wild » (« Seul face à la nature » dans la langue de Molière) diffusée dans de nombreux pays du monde. Pas étonnant dès lors que l’aventurier ait accepté de se prêter au jeu des métrages interactifs « You vs Wild » où les spectateurs décident du destin de son héros téméraire. Durant une bonne heure, nous allons ainsi, manette ou télécommande en main, sceller le destin de ce Bear Grylls qui n’a peur de rien. Parachuté en pleine steppe, notre animateur et acteur vedette va, cette fois, devoir accomplir trois missions : sauver un babouin, capturé un lion et rétablir l’électricité de la réserve d’où se sont échappés nos animaux recherchés. Mais le temps presse et chaque décision peut conduire à la réussite ou à l’échec de chacune des expéditions. Muni de cordes, de fusées de détresse et de bonnes astuces pour survivre en terrain hostile, nous partons sur les traces de Bear Grylls et de ses compagnons de route. Facile ? Pas tant que cela. Si les deux premières missions ont été menées sans trop d’encombres (l’ordre de vos quêtes changera selon vos propres choix), celle qui consistait à capturer le lion affamé nous a semblé plus plus compliquée. Qu’à cela ne tienne, la quatrième mission subsidiaire terminée, l’algorithme du film nous invitera à rejouer les scènes dans lesquelles nous avons lamentablement échoué pour finir le mission sauvetage sans être frustrés. Mini « Carnet du bourlingueur » dans lequel nous apprenons quelques astuces plutôt logiques, « You vs Wild », le film, est un sympathique moment à passer en famille, un métrage original qui brisera intelligemment le quatrième mur et emmènera petits et grands dans une jolie aventure. Si on lui préfère nettement « Black Mirror : Bandersnatch » sorti il y a plus de deux ans, cette expérience écologiste et interactive remplit le contrat sans trop de souci (si ce n’est celui de « rejouer » une partie de l’histoire dont l’issue n’était pas celle attendue) et nous a presque donné l’envie de nous plonger dans la première saison passée en dehors de nos radars, une série de huit courts épisodes sortis il y a un an dans lesquels Bear Grylls doit tantôt affronter la jungle, le froid des Alpes suisses ou récolter du venin, rien que ça !
« Il faut que tu respires, et ça c'est rien de le dire. Tu vas pas mourir de rire, et c'est pas rien de le dire » Mickey 3D Toute bonne proposition de Space opéra se doit de contextualiser son propos et on vous rassure tout de suite, c’est le cas ici ! Nous sommes en 2092 et la Terre n’est plus celle que nous connaissons. L’empreinte des humains l’a rendue irrespirable et seuls les plus nantis ont pu se rendre en orbite autour d’elle dans un havre de paix où la vie s’écoule paisiblement. Les autres n’ont d’autre choix que de travailler sans relâche dans un milieu désormais hostile pour survivre. Au milieu de ce drame humain et écologique, une équipe de ferrailleurs asiatiques survit à bord du « Victory » en revendant les débris tels que les satellites et autres petites navettes laissées à l’abandon dans ce qui est un véritable dépotoir spatial. Chacun des membres de l’équipage est motivé par le gain, mais pour des raisons très différentes. Aussi, le développement de ces personnages givrés n’a pas été négligé ! Beaucoup d’humour et de loufoquerie sont à trouver dans le film de Sung-hee Jo qui s’approprie d’ailleurs fort bien les codes du manga pour nous proposer un film qui, de par ses nombreux aspects, pourrait parler aux amateurs de « Cowboy Bebop ». Voyageant entre la Terre et Mars, le joyeux équipage se retrouve confronté à un évènement inattendu, la rencontre d’une petite fille de sept ans (pas comme les autres puisqu’elle est un robot) recherchée par les forces de l’ordre pour sa dangerosité. Ce chamboulement est vécu, dans un premier temps, dans la crainte par l’équipage qui y verra un moyen de s’enrichir ! Forcément, nous ne dévoilerons pas ici les enjeux de l’intrigue, mais les mésaventures de l’équipage est très plaisante à suivre. Jamais nous ne ressentons les 2h17 de ce film au rythme parfaitement calibré ! Quand la brise vient du soleil levant… Parfois frénétique dans son action constante, sans pour autant être déstabilisante pour le spectateur, « Space Sweepers » peut compter sur une réalisation sans faille dopée aux effets spéciaux colossaux ! Ces derniers apportent un souffle épique à cette épopée et émerveillerait les rétines les plus blasées ! C’est beau, ça vit et nous sommes conquis ! Aussi, le plaisir coupable que nous ressentons devant nos écrans est inextricablement lié au formidable casting ! Outre le héros, écorché par la vie et interprété par le convaincant Joong-ki Song, le film se targue de compter de solides acteurs. Tae-ri Kim (Mademoiselle) est parfaite dans le rôle de la capitaine du vaisseau et Seon-kyu Jin est parfait dans le rôle du machiniste expert en combats musclés ! Même la petite fille- Ye-Rin Park-, du haut de ses sept ans, procure de belles émotions en apportant la candeur due à son jeune âge. Le grand méchant, dont Richard Armitage (Castlevania, Le Hobbit) prête ses traits, est une petite déception tant ses motivations -bien qu’expliquées- sont minces et pas forcément cohérentes avec le passé du personnage. Si l’univers parait aussi cohérent, c’est parce que de nombreuses nationalités se côtoient dans leurs langues respectives. Bien sûr, tous disposent d’un traducteur pour se comprendre. Cette richesse est absolument à vivre en VO afin d’entendre du coréen, de l’anglais et même quelques phrases en français ! D’ailleurs, il est drôle de constater que ce film à (très grand) spectacle véhicule une critique écologique justifiée sur la manière dont l’espèce humaine se comporte. Véritable souffle de fraicheur dans le domaine de la science fiction, ce « Space Sweepers » est une très agréable surprise. D’une très belle facture technique, le film est porté par des comédiens formant une bien belle équipe de balayeurs de l’espace ! Drôle et présentant des accents écologiques bienvenus, le rythme du film ne faiblit jamais jusqu’à sa conclusion détonante !
S’appuyant sur les codes chers au western et y parsemant de jolis brins d’humanité, le dernier long-métrage du réalisateur britannique est non seulement éblouissant par sa photographie, ses cadres et la splendeur des étendues arides, sauvages et désertiques traversées par un tandem attachant, mais l’est aussi par son interprétation et sa mise en scène où tension et altruisme se côtoient dans un monde en mouvement et rempli de dangers. Mon nom est Cigale Des années avant l’arrivée des « infos » dans les salles de cinéma, l’ouverture sur le monde se faisait au travers des séances de lecture où des voyageurs lettrés reprenaient le rôle de crieur public et permettaient aux habitants des quatre coins du pays de connaître les faits divers et autres avancées locales ou nationales contre quelques piécettes d’argent durement gagnées. En cela, le titre original « News of the world » révélait tout le sel du métier de notre héros du jour, le Capitaine Jefferson Kyle Kidd, vétéran de guerres qui l’ont profondément marqué et emmené sur les routes interminables des états confédérés, l’occasion de voir le monde nouveau à travers un regard qui se porte sur différents horizons. Inscrite dans le début des années 1870, l’histoire personnelle de notre Capitaine Kidd va prendre un nouveau tournant lorsqu’au détour d’un chemin sablonneux, le lecteur pacifiste va rencontrer la toute jeune Johanna, petite fille à la peau pâle, abandonnée des siens et témoin de rares violences. Commence alors une longue route qui emmènera ce duo improbable mais attendrissant sur 600 Km de traces traversant les grandes plaines arides et dures, à l’image du visage fermé de cette gamine qui ne demande qu’à être apprivoisée. Relativement convenu dans sa trame générale, « La mission » puise son énergie dans le jeu à nouveau incroyable de la petite Helena Zengel (découverte dans ce film coup de cœur « Benni – System crasher » où elle crevait déjà l’écran du haut de ses … 9 ans !) et la bonté désormais coutumière d’un Tom Hanks qu’on aime retrouver dans ce genre de rôle si bien dessiné. Evoquant furtivement les troubles de l’époque avec intelligence (l’abolition, la difficile consolidation de l’Union nationale, la déshumanisation des Indiens et la violence des exploitations de certaines régions) est aussi une magnifique illustration de l’acculturation, de la construction de repères et de l’importance de se rattacher à quelques reliques d’une vie passée pour ne pas totalement s’oublier. Qu’il s’agisse de celles de Jefferson ou de la jeune Johanna, les traces des souvenirs ne cessent de les hanter et l’apprivoisement de l’un et de l’autre permettra de reconstruire un avenir, que l’on espère lumineux, sur les ruines d’une violence dont ils ont été témoins, lumière qui donne un rare éclat à nos écrans, sublimant chaque scène, chaque décor traversé dans une photographie qui se fige dans notre mémoire cinéphile et éblouit le scénario équilibré d’un Luke Davies (« Lion », « My beautiful boy ») au sommet de son talent. La tension palpable et la réalisation sans faille de Paul Greengrass, le duo complémentaire formé par le chevronné Tom Hanks et la toute jeune Helena Zengel (qui se met à son niveau et n’est jamais effacée), la rudesse de la (sur)vie d’une nation en construction et la profonde humanité née de la crainte et la protection font de « La mission » une fascinante relecture du genre western moins sombre (et pourtant violente), teintée d’empathie mais surtout d’espoir.
D’une tristesse inouïe, violent verbalement mais magnifiquement réalisé par un Sam Levinson qui révèle tout son potentiel et l’immense talent de ses deux comédiens qui crèvent l’écran, « Malcolm et Marie » est un drame intime et bouleversant dont on sort éprouvés mais admiratifs d’une maîtrise si rare sur nos (petits et moyens) écrans. L’histoire se résume très facilement mais sa complexité rend probablement l’exercice final peu évident. Au retour d’une avant-première qui a permis à Malcolm de dévoiler son premier long métrage, un couple ordinaire se voit pousser dans ses retranchements à la suite d’un déferlement de reproches et de non-dits, les contraignant à slalomer entre les démonstrations d’amour et de haine tout au long d’une nuit éprouvante et bien mouvementée. Qualifié de futur Barry Jenkins ou de nouveau Spike Lee, Malcolm est aussi enivré par l’alcool et l’accueil qui lui a été réservé qu’énervé par l’interprétation donnée par des critiques cherchent à tout prix à se (et le) démarquer. Mais quelle place laisse-t-il à Marie dans ce virage qu’a pris sa vie dernièrement ? Quels lendemains attendent ces amoureux qui ont parfois oublié l’existence de l’autre et omis de communiquer sur ce qui les rend unit ou divisé ? Ego trip particulièrement bien amené « Malcolm et Marie » est un film verbeux mais pas dans le sens péjoratif du terme, que du contraire. Audacieux, le film de Sam Levinson est éprouvant, bluffant, glaçant, suscite une palette d’émotions et enclenche l’ascenseur émotionnel en permanence, se calquant sur l’amour et la haine que se porte ce couple dont on ne sait pas vraiment ce qu’il partage véritablement. La photographie de Marcelle Rey qui sublime la mise en scène et le jeu de ses deux incroyables acteurs, la lumière qui transcende un sujet et des scènes réglées minutieusement sur la joute verbale qui se joue à l’écran font de « Malcolm et Marie » un plaisir cinématographique certain, admirablement magnifié par la pellicule utilisée, un métrage nostalgique ancré dans une dure réalité. Je t’aime moi non plus Presqu’intemporel (seuls quelques utilisations de smartphone et noms de contemporains évoqués situent l’action dans notre présent proche), le film manie habilement la caméra et les mots, les espaces et les temps, nous offrant une théâtralité presque parfaite de laquelle nous sommes les spectateurs médusés. Glamour dans la forme, violent dans le fond, « Malcolm et Marie » est un huis-clos comme on en fait peu, un métrage qui marque par les blessures faites à l’âme de ses héros (et font peut-être raisonner les nôtres), révèle leurs propres détresses passées, leurs frustrations ou leurs addictions, leur manque de communication, leur besoin de briller, d’être reconnus mais aussi brisés pour avoir été incompris ou oubliés. Film à tiroirs dans lequel on trouve de multiples sujets toujours très actuels, le métrage radical de Sam Levinson ne laisse aucun temps mort, nous prend à témoins des mots jetés à la figure de ses héros dans l’enfilade de pièces où nous nous sommes immiscés, tantôt proches des visages séduits et relâchés, tantôt tenus à distance d’une bataille qui ne semblera jamais se terminer et déclenchée par un « simple » remerciement oublié. Tourné en deux semaines seulement durant la pandémie qui a mis à mal bon nombre de projets cinématographiques, « Malcolm et Marie » n’a pas seulement eu la chance de naître et aboutir dans une période troublée. Il a aussi permis à son réalisateur d’évoquer des sujets chers à sa propre expérience de vie et de nous questionner sur l’importance de l’ « autre », de la place de chacun dans un couple, de l’oubli de l’un pour l’épanouissement de l’autre en nous bousculant sans cesse et dans une intelligence scénaristique rare qui relève du sans faute. Mais ce n’est pas tout ! « Être noir ne rend pas tout politique » Cette phrase, Malcolm la prononce comme un constat qui claque, renvoie à ce besoin de tout politiser, de trouver un sens dans des métrages qui ne sont parfois que des tranches de vie intelligemment présentées et qualifiées de film racial par des journalistes blancs qui intellectualisent tout pour se rassurer et légitimer leur appartenance à un milieu controversé. Embrumé par le succès et l’alcool, Malcolm se fait le porte-parole de ces réalisateurs afro-américains parfois incompris, parfois portés aux nues, quelques fois taclés par les cultural studies ou au contraire, qualifiés de porte étendard d’une cause qui les dépasse ou n’a jamais été envisagée. Questionnant l’égo, la flagornerie, le succès, l’inspiration et la portée d’une réalisation, « Malcolm et Marie » est un film de cinéma sur le cinéma, un métrage que l’on aurait tant voulu voir sur une grande toile pour faire vibrer un peu plus encore le fond de nos âmes et apprécier la splendeur de sa réalisation si maîtrisée.
Comme le feu et la glace Le cinéma espagnol est décidément très prolifique mais aussi qualitatif ! Tout à tour, il peut se montrer passionné, engagé mais aussi terriblement efficace et maitrisé ! Et ce n’est pas ce film qui fera mentir cet état de fait ! Sorti il y a une poignée de jours, « Froid Mortel » a su nous tenir en haleine sur toute sa longueur et les raisons sont multiples. Tout d’abord, dès les premières minutes, le réalisateur Lluis Quilez imprime sa marque avec une réalisation qui interpelle le spectateur ! Trop souvent, les films actuels sont réalisés sans que l’on prenne conscience d’un quelconque mouvement audacieux de caméra ou d’un plan original. Tout semble trop souvent convenu (même si pour arriver à ce résultat fluide, un gros travail est demandé…). Dans le cas présent, nous avons apprécié la « patte » du réalisateur barcelonais. Sa réalisation marque notre intérêt grâce à de beaux plans rapprochés et à hauteur d’épaule mais aussi grâce à une photographie qui s’occupera de faire le reste ! Il y a comme un froid entre nous… L’histoire souffle un peu plus le chaud et le froid (non mortel tout de même) car bien que celle-ci soit très plaisante à suivre (le détournement d’un bus pénitentiaire pour d’obscures raisons qui seront heureusement révélées à la fin), le récit est parfois cousu de quelques (gros fils) blancs ! Mais même ceux-ci ne parviennent pas à détourner notre attention constamment sollicitée par un rythme qui ne faiblit pas et par des comédiens talentueux dont Javier Gutiérrez est l’heureux ambassadeur ! Déjà l’année passée, l’acteur avait su semer l’effroi avec le très inquiétant « Chez Moi ». Ici, le comédien opère un cent quatre-vingt degré en interprétant un policier assez droit qui respecte le règlement à la lettre. Mais finalement, tout l’enjeu de cette histoire revient à savoir pourquoi un forcené s’en prend à ce convoi pénitentiaire. Pourquoi désire-t-il tellement extraire l’un de ces prisonniers en risquant sa propre vie mais aussi en balayant d’un revers de main tant d’autres vies ? Nous le disions, malgré les incohérences nombreuses lorsqu’on y réfléchit (pourquoi mélanger dans ce fourgon des prisonniers dangereux avec les petits délits ; etc..), le film se veut parfaitement maitrisé et bien joué ! La fin mérite amplement son sceau de popcorn maison et la violence filmée renvoie même de façon viscérale au ras-le-bol des citoyens devant une justice…trop souvent laxiste. Jamais, nous ne sommes sortis de cette belle proposition de cinéma que nous n’attendions pas !
Dans ce drame, documenté avec soin grâce aux témoignages et l’aide de ses vrais protagonistes mais aussi du roman écrit par Cameron Bloom (l’époux de Sam) et Bradley Trevor Greive, on découvre comment une mère de famille, qui a perdu le goût de la vie, accepte le dépassement de soi et de son infirmité pour renouer avec tout ce qu’elle avait délaissé. L’élément déclencheur ? L’arrivée de Peng(uin), une pie sauvage incapable de voler, blessée par une lourde chute qui n’est pas sans rappeler celle dont Sam a été victime lors de vacances passées en Thaïlande. Si les relations tendues entre cette mère dépressive et ce petit volatile attachant rendent la cohabitation difficile, les contacts quotidiens vont finir par créer un réel lien et permettre à Sammy de sortir de la léthargie dans laquelle son terrible accident et l’adaptation de son quotidien l’avaient emprisonnée. Très classique dans sa réalisation et dans son interprétation, le métrage de Glendyn Ivin parvient néanmoins à dépasser ses faiblesses, offrir quelques jolis moments d’émotion non feintes ou pudiques et à diffuser un message d’espoir appuyé tout en étant discret, grâce à la mobilisation sans retenue d’amis et membres de la famille eux-aussi bouleversés par un accident qui a tout changé… à tout jamais. Ne tirez pas sur l’oiseau moteur Refusant son infirmité, se sentant inutile, Sam n’a plus le goût à rien malgré les efforts consentis par son mari et ses trois garçons pour garder cet équilibre fragile qui risque de basculer à tout moment. Les non-dits et les faux semblants se faisant pesant depuis plus d’un an, l’apparition de cette pie taquine et attachante va permettre d’ouvrir les vannes et de remplir la maisonnée de rires et de complicités retrouvées. Linéaire et totalement convenu, « Penguin Bloom » n’est pas un grand film malgré ses têtes d’affiche populaires (Naomi Watts et Andrew Lincoln) mais une petite bouffée d’air frais inspirée au large de l’Australie et expirée dans nos salons parfois plombés par le ciel gris. Un métrage gentillet qui met en lumière la détermination d’une famille à faire d’une vie troublée un quotidien plus léger, l’amour inconditionnel et l’entraide qui naissent de petits riens mais aussi le potentiel que peut avoir un événement anodin à faire renaître un phœnix de ses cendres et à donner un nouveau tournant à un chemin pesant dont on sort difficilement.
Apparemment désireux de faire une incursion dans le champ de la science-fiction, le réalisateur s’est entouré d’Anthony Mackie, figure de l’univers Marvel (le personnage de Sam Wilson/Faucon, c’est lui !), pour porter le film. Jouant un militaire androïde superpuissant, sa mission est d’empêcher l’apocalypse nucléaire aux côtés d’un pilote de drone (Damson Idris) qui a outrepassé un ordre direct pour agir de son propre chef. Bien que deux soldats aient perdu la vie, trente-huit autres ont eu la leur sauve. Comme on peut s’y attendre, cet acte ne peut être toléré dans une armée qui n’apprécie guère qu’on brise la chaine de commandement aussi facilement. C’est ainsi que ce tandem improbable doit mener une enquête « musclée » afin d’obtenir les clés de l’ogive nucléaire sur fond de terrorisme et d’insurrection. Tout un programme ! Hélas, jamais le film au demeurant bien réalisé ne parvient a créer la moindre surprise chez le spectateur qui suivra distraitement les enjeux pourtant élevés prodigués par un scénario qui pourrait être la résultante d’un croisement improbable de plusieurs films de série b. Visuellement sans reproche majeur, le film flatte la rétine autant qu’il indiffère le spectateur. La faute à des personnages peu (ou pas) charismatiques. On pourrait même dire que les gentils tapent sur les méchants dans l’indifférence totale. Avouez que c’est ennuyeux ! Manichéen dans son intrigue, la chute peut certes surprendre mais ne peut que décevoir tant les motivations avancées sont… maigres.
Jamais sans ma fille Précédé d’une scène d’accouchement réaliste qui dure près de 20 minutes, des contractions annonciatrices jusqu’aux premiers cris de ce bébé qui semblait en tout point en bonne santé, le titre du film « Pieces of a woman » s’affiche sur notre écran avec discrétion et force, à l’image de son héroïne, Martha, que nous nous apprêtons à suivre dans un long chemin de croix qui durera plus de 6 mois. Dévastée par la perte de la petite Yvette dont elle a peu de souvenirs, si ce n’est sa délicieuse odeur de pomme, la jeune mère avance tant bien que mal, sans fléchir, avec l’immense vide pesant dans ses entrailles comme dans sa propre vie. Mais celle qui a le besoin viscéral de tourner la page, en tout cas aux yeux de tous, ne fait que refouler sa détresse et son immense tristesse, laissant libre cours à ces fameuses cinq étapes du deuil élaborées par Elisabeth Kübler-Ross : le déni, la colère, la négociation, la dépression et l’acceptation. Laissant son couple battre de l’aile depuis que leur nid a été privé de cet oisillon qu’ils ont tant chéri, Martha n’exprime rien, laissant hagards son compagnon de vie (Shia LaBeouf) et sa mère (Ellen Burstyn) qui abordent ce drame de façon plus frontale. Si son héroïne nous parait distante, la proximité que l’on a avec cette histoire et avec cette difficulté de faire le deuil, d’affronter les regards des autres et le nôtre lorsque l’on se croise dans un miroir est totale. Sans aucun doute parce que le réalisateur et sa compagne, Kate Wéber, scénariste du film (qui était à la base une pièce de théâtre ayant connu un grand succès) ont eu même vécu un deuil périnatal. N’y a-t-il pas alors meilleure catharsis que de parler de ce qui a rendu muet deux parents durant des semaines, des mois ou des années ? Révélant au monde la souffrance, la difficulté de ne pas trouver de coupable, de porter une honte qui ne devrait pas en être une « Pieces of a woman » est un film majeur parce qu’il libère la parole, parce qu’il ose exploser les tabous, faire de preuve d’une force redoutable et d’évoquer un sujet sensible de front mais néanmoins avec une pudeur exemplaire. Comment narrer un quotidien qui a volé en éclats lorsque les premiers cris de la vie ont cessé et de ce fait, on exploser la vôtre ? Comment aller de l’avant et comment survivre en tant que parents. « Pieces of a woman » évoque un peu de tout cela, magistralement, l’air de rien, dans un métrage de deux heures qui poursuit, tant pour sa performance, son empathie que pour son intelligence humaine. Sa chronologie, qui s’appuie sur la construction d’un pont sur lequel travaille Sean, un père endeuillé en perte de repères, ne fait pas que marquer le temps qui passe… lentement… mais est aussi une façon d’exprimer la latence d’une évolution personnelle, indispensable pour combler un vide, un gouffre émotionnel, un travail de longue haleine qui permet de tisser un lien, de joindre deux rives, deux êtres lorsque l’irréparable s’est produit…
La particularité ? Mêler les témoignages face caméra de personnalités fictives incarnée …par des acteurs de renom à des images d’archives qui ont défrayé la chronique l’année passée ! Ce projet un peu fou et, assez risqué lorsqu’on y pense, a la chance d’être porté par des acteurs solides qui n’ont plus rien à prouver et qui nous régalent en sortant des sentiers battus… audacieux ! Alors que Samuel L. Jackson, en sa qualité de journaliste dans le film, réagit aux images d’archive proposées avec malice et subjectivité, c’est un Hugh Grant méconnaissable en historien vieillissant et rétrograde (quel plaisir !) qui s’occupe d’éclairer nos lanternes ! Les amateurs toujours endeuillés par l’arrêt de la série « Friends », eux, adoreront détester la porte-parole officieuse de la Maison Blanche interprétée par Lisa Kudrow. Aussi, d’autres acteurs se joignent à eux pour nous amuser comme l’actrice britannique Diane Morgan qui nous régale dans le rôle d’une « citoyenne lambda » tellement crédule mais touchante lorsqu’elle nous partage sa vision du monde… Brillant ! Le Black Mirror de l’actualité ! Avec « Mort à 2020 », les réalisateurs Al Campbell et Alice Mathias déploient un second degré certes ravageur mais qui demande de bonnes connaissances des faits pour apprécier le spectacle à sa juste mesure et ainsi prendre conscience de la folie qui s’en dégage. Aussi, sans esprit critique, le spectateur passerait totalement à côté de cet exercice de style maitrisé avec brio. Car oui, dans ce programme parodique, les interviews se font en face caméra et le ton est tantôt faussement grave, tantôt outrancier, mais c’est toujours pour appuyer (à la truelle !) les dérives de notre société qu’il est bon d’égratigner. Ainsi, pour véritablement s’amuser de la folie retransmise ici, il faut être conscient des codes et des niveaux de langage. Cela dit, cela fait du bien de ne pas nous prendre pour des c***, en nous proposant un vrai terrain de jeu psychologique et sociologique ! Un vrai miroir sombre de notre société en somme alors que tout au long de cette satire, nous nous amusions d’ailleurs de retrouver des images d’actualité que nous avions oubliées et qui nous paressent toujours aussi folles aujourd’hui ! Vous le verrez si vous décidez de tenter cette expérience télévisuelle, il est difficile de garder son sérieux malgré la noirceur de l’actualité tant nos politiques semblent avoir été à côté de la plaque ! Du côté de ce casting quatre étoiles, les vannes défilent, avec par moments, quelques petites lourdeurs qui auraient pu être évitées tant le même ressort comique semble usé parfois jusqu’à sa tension maximale. Malgré cela, le format d’1h10 est parfait pour nous divertir, nous interroger et nous surprendre sans tomber dans une caricature maladroite qui aurait desservi ce beau projet ! En fin de compte, avec « A mort 2020 », tout le monde prend la tarte à la crème en pleine figure et c’est assez jouissif ! Alors que la voix off surnomme Boris Johnson le « Premier Ministre épouvantail », Joe Biden n’échappe pas aux blagues liées à son âge puisqu’il aurait déjà été un acteur de la « Guerre de Sécession ».
Ensuite, parce qu’en voulant humaniser son héros traumatisé par la guerre contre des terroristes, le réalisateur enferme son film dans une psychologie de comptoir beaucoup trop sommaire pour nous captiver. Bien sûr, l’ensemble se regarde avec un certain plaisir grâce à un bon rythme dans ses deux premiers tiers mais pêche par les nombreuses interactions de cet anti-héros avec sa famille. Alors que sa femme ne parvient plus à le soutenir dans ses troubles de stress post-traumatique, son fils se sent coupable d’avoir détourné l’attention de sa sœur pendant quelques instants fatidiques. De plus, nous n’échappons pas aux flashbacks traumatisants de la guerre en Afghanistan avec des séquences de tortures dispensables… Ces éléments sont d’autant plus dommageables qu’ils viennent alourdir une dynamique pourtant assez bonne où les évènements s’enchainent sans discontinuer. Enfin, comment ne pas évoquer des facilités scénaristiques hélas trop souvent présentes dans ce genre de film... Pour le reste, place aux plaisirs simples du combat à mains nues ! Car oui, tout l’intérêt réside dans l’enquête musclée de cet ancien soldat et père de famille envers ceux qui ont enlevé son enfant. Vous imaginerez sans peine que sa détermination à retrouver sa fille fera des étincelles !
Fabrizio Gifuni est à l’aise dans les scènes d’action et la réalisation efficace, ainsi que les bruitages convaincants nous plongent instantanément dans la violence la plus viscérale, celle qui vient de la nécessité pour un père de revoir sa fille. Les scènes d’action vont certes à l’essentiel mais témoignent d’une puissance brute absolument jouissive ! La violence est exacerbée et le colosse italien semble encaisser, sans broncher, son chemin de croix vers une issue qu’il espère favorable. Enfin, comment ne pas saluer le fabuleux travail conjugué d’Andrea Manusso et de Matteo Nesi qui nous livrent là une très belle bande originale ! Celle-ci se détache de la production habituelle et devrait enthousiasmer vos oreilles délicates ! Pour toutes ces raisons, « la Bête », bien qu’imparfait, est un film qui mériterait un coup d’œil tant il sait se montrer efficace dans ses scènes d’action.
Long, lent, soporifique, « Midnight sky » noie le poisson de ses premières minutes à son dénouement, ne cessant de nous interpeller sur le sens que l’histoire va finir par nous donner espérant par la même occasion nous faire mordre à l’hameçon. C’est que, les deux intrigues qui se déroulent en parallèle (comme si George avait peiné à choisir laquelle des deux histoires il allait nous conter) ont finalement peu d’enjeux, prennent des tournures incompréhensibles, tout juste mises en place pour justifier un croisement qui n’apporte rien de plus qu’une conclusion téléphonée… Sorte de melting pot entre « Seul sur Mars », « Arctic », « Interstellar » et « Solaris », « Minuit dans l’univers » n’est qu’une resucée de tout ce que l’on a pu voir ailleurs, le manque de dynamisme en plus… George Clooney, affublé d’une barbe improbable, les yeux fatiguées et les attitudes bourrues ne parviennent pas à sauver le film d’un naufrage dont il est difficile de le sauver… Ses changements d’attitudes radicaux (à l’arrivée de la petite Iris) et son manque de cohérence n’étant que le reflet de cette humanité qui n’a pas su se sauver d’elle-même, contrainte de se réfugier dans le sous-sol d’une Terre plutôt que de faire face à son effroyable destin. Drame écologique dont on très clairement compris le message tant il nous est répété (« nous n’avons pas pu prendre soin de notre planète depuis votre départ »), « Minuit dans l’univers » ne cesse de nous rappeler qu’il faut prendre soin des uns et des autres, de ce que l’on a, de saisir les moments présents et faire les bons choix, au risque de se retrouver face à l’immensité d’un quotidien hostile où la solitude résonne de façon douloureuse au sein de notre poitrine. Et que dire de ce qui se joue dans l’hyper espace et dans le vaisseau Ether où évolue une poignée très représentative du peuple américain, immense navette en perdition entre une mission initiale et un retour sur Terre dont on ne connait pas la réelle raison… Les motivations, les quêtes et les choix de cet équipage ne sont guère plus éclairants que ce qui se passe sur notre planète bleue acide et on se demande finalement le sens apporté à ces deux heures dont on sort groggy…
En effet, le film, qui permet de réunir à l’écran l’impeccable (et implacable) Viola Davis et le très convaincant Chadwick Boseman, n’a pas son pareil pour nous emmener dans des interactions volubiles à ne plus en finir, échanges qui permettent de cerner les contours des conditions d’afro-américains venus s’installer dans le Chicago des années 1920… Attirée à coup d’articles alléchants et de promesses de vie meilleure, la communauté noire de l’époque traverse les USA pour trouver de quoi subsister dans le Nord où la réalité dépeinte de façon fallacieuse est bien loin de tout ce que ces braves volontaires avaient pu s’imaginer. Persécutée et sous-estimée, la population afro-américaine parvient cependant à s’exprimer à travers la musique jazzy, dont Ma Rainey est une figure de proue incontestée. Diva impatiente, exigeante et au caractère bien trempé, la chanteuse de blues se voit conviée à une session d’enregistrement qui marquera à jamais tous ceux qui y ont pris part, des musiciens au producteur de la maison de disque blanc, en passant par la petite amie de la chanteuse ou son adorable neveu. Respectant l’unité de temps et de lieu chère au théâtre, « Le blues de Ma Rainey » nous offre un huis clos tendu où des protagonistes bien différents se côtoient durant quelques heures. Levee (Chadwick Boseman) voit en cette session d’enregistrement, l’occasion de révéler tout son talent et de négocier le virage de sa propre carrière alors que le band de Ma préfère apaiser les tourments et les rêves de grandeur, attendant nonchalant l’arrivée de la diva… Problèmes techniques, manque de respect, tension et passion pour cette musique si parlante et évocatrice des tourments vécus par les afro-américains sont l’occasion de permettre à chacun de s’exprimer et livrer une part de son vécu, d’entrer dans l’intime et le passé d’êtres qui ont été marqués par ce qu’ils ont connu. Avec « Ma Rainey’s Black Bottom » (titre de sa version originale – « Black Bottom » étant l’un des succès de la chanteuse), August Wilson brosse à nouveau le portrait d’une époque par des situations et des mots criant de vérité, s’appuyant sur des figures fortes et sincères qui communiquent une belle humanité… Cette intelligence d’écriture et cet angle, nous l’avons d’ailleurs déjà découverte dans une très belle adaptation dans le « Fences » de Denzel Washington (dans lequel on retrouvait déjà... Viola Davis), film que l’on préfère à celui-ci, peut-être parce qu’il nous semblait plus facile de nous identifier à ses protagonistes. Très verbeux, le métrage de George C.Scott peut néanmoins s’avérer longuet pour qui n’apprécierait pas cet exercice de style et cette porte d’entrée dans un univers qui a pourtant de nombreuses qualités. Si on applaudit la performance de Viola Davis (nous regrettons néanmoins le playback très peu subtil utilisé lors des scènes de chant), celle de Chadwick Boseman et du casting masculin incarnant les musiciens attachants, nous regrettons l’empressement et l’enchaînement sans répit d’événements et d’incidents qui auraient pu prendre davantage leur temps…
Musicalement vôtre Ryan Murphy, c’est « Mange, prie, aime », « Nip Tuck » ou encore « Glee », l’excellentissime « Hollywood » ou l’inconstante « Ratched ». Avec « The Prom », le réalisateur américain rend un hommage notoire à Brodway sans réellement parvenir à nous faire décoller. Le film, qui était rempli de promesses, mélange les thèmes, les histoires personnelles, les comédiens professionnels et amateurs dans un imbroglio confus où tout est prévisible, lisse et terne. Et pourtant, à la lecture de sa distribution et son pitch intéressant, on s’attendait à retrouver la grandeur de « Moulin Rouge », la fraîcheur de « Mamma Mia ! » (en cela, Jo Ellen Pellman à l’aisance d’une Lily James) des chants et des danses qui font virevolter les cœurs et emplissent nos écrans de lumière… Si c’est en partie vrai, le souci principal vient de ses facilités scénaristiques et sa paresse d’écriture, de la sous-exploitation du talent d’une Nicole Kidman qui vient juste afficher ses grandes gambettes et un méli-mélo de bons sentiments trop fake que pour y adhérer vraiment. Entre humour et sujets de société plutôt bien exploités (l’importance de la popularité et des bonnes critiques, le manque d’empathie et l’acceptation difficile de l’homosexualité), « The prom » vacille. Son discours tentant engagé, mais beaucoup trop appuyé et ses happy ends tellement gros qu’ils envahissent une histoire qui méritait d’être un peu plus subtile, ternissent le tableau haut en couleur que Ryan Murphy menait de main de maître dans des débuts très prometteurs.
Tristement, cette romance a connu une sortie discrète mais est (heureusement !) à (re)découvrir sur Netflix ! Ici, Avec « Paddleton », Lehmann nous propose de découvrir un beau film d’amitié entre deux hommes, qui sont aussi voisins directs. Assez minimaliste dans son approche, la première scène du film nous amène à l’hôpital où nous apprenons l’état de santé inquiétant de Michael (Mark Duplass) souffrant d’un cancer en stade terminal. Accompagné de son meilleur ami Andy (Ray Romano), Michael souhaite partir dans la dignité ... Mais ce cheminement compliqué devra se faire à deux, avec l’aide de son ami de toujours… Alors que Michael se résigne à la situation, Andy,lui, ne conçoit pas un avenir sans son complice. Les non-dits et la pudeur sont présents, tout comme les liens du quotidien qui unissent les deux hommes et la peur de ce vide qui va s’installer dans la vie de celui qui reste… Un set à deux Exemple parfait du cinéma indépendant réussi, à l’instar de la gifle qu’à été « Sideways » en son temps, « Paddleton » prend également très vite la direction d’un road movie mélancolique où les fêlures des protagonistes parviennent à nous toucher en plein cœur. Réjouissant de justesse, les deux acteurs principaux sont parfaits dans leur rôle respectif. Habitués aux parties de Paddleton- un jeu inventé par leur soin et consistant à se servir d’un ancien mur de drive in pour échanger des balles devant tomber dans un baril- les amis se retrouvent chaque jour après le boulot pour partager les loisirs et réinventer le monde. Passionnés par les films de Kung fu et grands amateurs de pizzas, ils entretiennent une amitié très belle car sincère. Célibataires, ils se retrouvent dès qu’ils peuvent, ce qui donne lieu à des échanges et réflexions surréalistes comme celle autour de l’hoverboard et la perception métaphorique de l’immobilisme. Les deux amis se montrent touchants de pudeur comme ce moment où Andy répète son discours fictif du coach encourageant l’équipe et qui fait aussi écho à la tournure qu’est en train de prendre sa propre vie… alors qu’à travers les tuyaux de ventilation, son alter ego entend ce discours et comprend sa solitude sans n’en rien dire. Tout du long, il y a une vraie intelligence émotionnelle dans ce film indépendant, qui bien que fait de l’ordinaire du quotidien, parvient à extraire la sève poétique et mélancolique de l’existence. Nous le disions, le tandem joué à l’écran par Mark Duplass et Ray Romano est parfait de justesse et la magie d’un cinéma plus sensible et confidentiel opère. Même les « codes » esthétiques utilisés participent à cette bulle du temps suspendu. La preuve ? Il est difficile de connaitre l’année de l’intrigue, puisque les vêtements vieillots tricotés, le décor, la vieille voiture Nissan Sentra rouge et les filtres couleurs pastel utilisés participent à ce voyage ordinaire de l’existence. Peut-on, pour autant, parler de « codes » du cinéma indépendant US ? Peut-être, mais lorsque le cœur l’emporte sur l’intellect, alors le pari est réussi !
Cependant, si ses apparats sont remarquables, nous avons l’étrange sensation d’avoir découvert un film en toc, un métrage un chouïa nombriliste où l’émotion répond aux abonnés absents, à l’image d’un Orson Welles tyrannique relégué au second plan. Explications Coulisses d’un film aux neuf potentiels Oscars Son énorme travail technique et photographique et son désir de rester ancré dans une époque mise à l’honneur par l’évocation de nombreuses personnalités ne seront sans doute pas étrangers à quelques nominations potentielles dans la course aux statuettes dorées. Les fondus entre les scènes et ses rappels de vieilles pellicules, ses décors plus vrais que nature, sa diction et sa prise de son (ou son rendu) à la sauce 30’s sont assurément des arguments magnifiques qui séduiront les cinéphiles nostalgiques et les amateurs de films d’époque. Néanmoins, est-ce suffisant pour faire de ce métrage un must see incontournable ? Pas vraiment. Si les coulisses de l’âge d’or du cinéma se déroulent sur notre écran de façon probante et hautement appréciable, nous peinons à retrouver notre chemin dans ce « Mank » qui, à l’instar de « Citizen Kane », brouille les pistes, devient labyrinthique et risque bien de perdre une partie de son public tombé dans un état léthargique. On le confesse, nous avons beau avoir voulu nous raccrocher au formidable casting, à son impressionnante esthétique, nous avons beaucoup de mal à vanter les mérites d’un David Fincher qui semble s’offrir un kiff cinématographique un peu trop hermétique. La faute à son histoire trop confidentielle et à ses trop nombreux flashbacks ? Sans doute. Outre le fait que David Fincher semble vouloir établir un hommage hyper appuyé au métier de scénariste et montrer, à qui veut le voir et l’entendre l’importance d’un scénario et de sa paternité. Le sien est d’ailleurs signé Jack Fincher, son père, décédé il y a moins de 20 ans d’un cancer, et qui n’a jamais pu voir son scénario, écrit dans les années 90, adapté à l’écran… Le lien entre l’histoire du film et le film en lui-même résonne donc d’une étrange façon lors de sa vision. Mais faut-il avoir vu « Citizen Kane » pour comprendre le film de Fincher ? Oui… et non. Si le personnage de Kane et ses inspirations puisées dans la vie d’un certain William Randolph Hearst sont présentes dans les dialogues et à l’écran, « Mank » parle surtout du processus créatif, le manque de reconnaissance de certains métiers indispensables à la fabrication d’un film et des tractations mises en place pour faire ressortir un métrage du lot. Jeux de dupes et d’influences, histoires officielles et officieuses s’expliquent à mesure que nous entrons dans la vie de ce Mank (formidable Gary Oldman) irascible, alcoolique, alité et pourtant si énergique. En revanche, il est indispensable de connaître quelques rudiments et grands jalons du cinéma des années 1930, son contexte politique et social si on ne veut pas être totalement perdus dans les réceptions et autres errances de notre héros. C’est que, en plus d’Orson Welles, nous croisons la route du magnat de la presse William Randolph Hearst, David O. Selznik, Louis B Mayer (pour ne citer qu’eux), autant de grands pontes qui avaient un pouvoir de décision colossal sur les carrières des petites mains du 7ème art à cette époque. Upton Sinclair, Marion Davies et Joseph Joe Mankiewicz complètent eux le paysage des rêveurs qui attendent une grâce divine ou un coup de pouce du destin pour asseoir une carrière dans studios hollywoodiens… En signant ce retour en noir et blanc dans le monde du cinéma qui manque parfois d’innovation et d’audace, David Fincher se démarque sans non plus parvenir à se tenir au-dessus de la mêlée. Probablement parce qu’à force de vouloir être dans l’hommage, il en oublie de donner de l’âme à un scénario très développé, offrant une trame saccadée dans laquelle il est difficile de se retrouver et que l’on découvre tantôt médusés, tantôt éprouvés.
Un petit bout d’Amérique trop souvent négligé Comme le montrait déjà brillamment le documentaire « The last hillbilly » de Thomas Jenkoe et Diane-Sara Bouzgarrou, la société américaine ne se résume pas à l’American Dream ou Nightmare que vivent de nombreuses familles installées depuis longtemps sur un territoire où tout peut arriver. Dans les contrées plus rurales de cet immense état, une population en standby, dans l’attente de prendre son envol ou d’oser quitter les petits villages auxquels de nombreux jeunes se sont attachés, ont vécu de beaux souvenirs de jeunesse mais aussi des drames qu’il est difficile d’oublier. C’est le cas de J.D. Vance, un ancien marine issu de l’Ohio dont on découvre la vie, de sa petite enfance jusqu’à l’aube d’une réussite compromise par un incident familial qui ravive des souvenirs enfouis. Etudiant en droit, le jeune homme cumule trois emplois et s’apprête à décrocher le stage de ses rêves dans un bureau d’avocats réputé lorsqu’à dix heures de route de la soirée où il était convié, sa mère est victime d’une overdose et se fait hospitalisée. Partagé entre le désir de saisir sa chance et celui de soutenir sa famille brisée, J.D. Vance fonce tête baissée au secours des autres, s’oubliant lui-même et mettant de côté ses rêves pour se replonger dans une dure réalité qu’il était parvenu à quitter. S’il partait de bonnes intentions en nous livrant une vision humaine d’un parcours réel dont on mesure pleinement les fêlures et les réussites, « Une ode américaine » n’est cependant pas parvenu à totalement nous convaincre. Ses nombreux flash-backs et ses interruptions, sa réalisation générale et ses représentations ne nous ont que très rarement permis d’entrer dans métrage dont nous sommes restés spectateurs tout le long. Eprouvant peu d’empathie pour ses héros mais admirant néanmoins ses formidables interprétations, nous suivons nonchalamment le dernier long-métrage d’un Ron Howard que l’on a connu bien plus inspiré et inspirant. La reconstitution de l’époque est remarquable, le choix des lieux et du casting (Glenn Close et Amy Adams sont impressionnantes dans ces rôles de mères dépassées) auraient pourtant pu faire de ce film une ode à ces populations qui triment et avancent dans une prédestination qu’elles tendent de renverser avec une force d’indépendance et une détermination que beaucoup auraient depuis bien longtemps abandonnés. Plat et sans réelle conviction, « Une ode américaine » a certes le mérite de faire exploser les représentations d’une Amérique souvent idéalisée… mais il ne parvient pas à distiller l’âme et la réalité sociale nécessaires pour faire vivre de tels projets, des visions et lectures du monde proposées trop rarement sur nos (petits et) grands écrans si ce n’est à travers d’autres bons films d’auteur ou indépendants.
S’il nous fait penser moments à « L’Orphelinat » (qui reste pour nous le maître étalon dans ce style de cinéma) laqué à la sauce « Insidious », le long-métrage de Angel Gomez Hernandez recèle tout ce que l’on aime dans le cinéma d’horreur et la suggestion que maîtrisent bon nombre de réalisateurs internationaux. Histoire originale probablement inspirée de grands standards que l’on a tous dévoré « Voces » exploite non seulement des thématiques déjà abordées mais cette fois sous un angle original (l’au-delà ne serait-il pas à l’image du monde dans lequel on évolue déjà) et parvient à tenir ses spectateurs sous tension avec intelligence et émotion. Fantômes, sorcières, amour et possession s’articulent de façon brillante dans 1h30 de métrage dont on ne gaspille aucune minute au détriment de détails ou jumpscare inutiles, qui desservent généralement un propos qui se perd dans les méandres du ridicule. Ici, Angel Gomez Hernandez et Víctor Gado scénarisent une histoire simple et efficace qui nous réserve de jolies surprises malgré quelques suspicions avérées d’un final qui pourrait laisser bouche bée. Dans son histoire de maison hantée, le réalisateur andalou aime brouiller les pistes, ne pas nous attacher à un personnage principal en particulier mais bien offrir des regards différents sur une même réalité. Qu’il s’agisse d’Eric, un jeune garçon perturbé par des voix omniprésentes, de Sara une mère de famille éplorée, de Daniel un père désorienté (mais déterminé à lever le voile sur les événements qui se sont manifestés) ou bien de German et Ruth, deux investigateurs auxquels on s’attache et auprès desquels on trouve un refuge et des explications qui pour une fois, semble logiques et raisonnées, tous nous permettent de mener notre quête à travers des événements étranges et clairement flippants par moments et de sortir du film, une fois n’est pas coutume, pleinement satisfaits de l’expérience cinématographique qui nous a été proposée. Si on émet quelques micro-réserves sur les choix opérés une fois l’origine du mal dévoilée, on apprécie les artifices efficaces et la mise en scène d’histoires imbriquées, le casting irréprochable et la tonalité donnée à ce « Voces » aussi surprenant que plaisant, passionnant qu’angoissant.
C’est que « Kadaver » donne cette impression décevante que tout se joue dans sa première demi-heure, le reste de son récit n’étant qu’une belle démonstration de la maîtrise du jeu d’acteurs et d’une réalisation efficace sublimée par une photographie qui en impose. Sous ses faux airs de « Soleil vert » et de « Eyes Wide Shut », « Kadaver » nous conte l’histoire d’une expérience théâtrale étonnante, un show démentiel organisé par Mathias, un propriétaire d’hôtel généreux qui offre la possibilité à la population locale de se sustenter et vivre un spectacle hors norme où la frontière entre spectateurs et comédiens est aussi ténue qu’une feuille de papier bible. Si la proposition tient la route et reste cohérente du début à la fin, on peine à comprendre pourquoi le réalisateur et scénariste n’a pas osé surprendre, n’est pas sorti d’une zone de confort tellement épaisse qu’il s’est reposé longtemps sur ses lauriers sans jamais se secouer. Pourtant, l’interprétation de Gitte Witt et Thomas Gullestad, l’univers et les décors donnent une belle impulsion au métrage qui souffre un peu trop de son manque d’audace et son issue beaucoup prévisible. Si on ne comprend toujours pas ce qui a posé les fondements de cette société post-apocalyptique ou la crainte des habitants de la région, on découvre bien vite que ce ne sont que des appuis qui nous mènent vers cette question centrale « jusqu’où les Hommes sont-ils prêts à aller pour leur survie ? », une interrogation à laquelle le film répond beaucoup trop vite, de façon évidente (et parfois même grotesque quand on a démasqué ses intentions premières), expéditive et trop maladroite que pour susciter un quelconque intérêt chez ses spectateurs médusés par une telle paresse scénaristique.
Il assume de bout en bout les gags menés de mains de maître par un casting hétéroclite composé de notre tandem de choc qui fonctionne à merveille mais aussi de Luke Evans, Gemma Arterton, John Kani ou encore Dany Boon… c’est dire ! Les profils des suspects du meurtre ou devrait-on écrire des meurtres, les situations incongrues dans lesquelles notre tandem d’inspecteurs en herbe va se retrouver à diverses reprises, les dialogues et l’évolution d’une enquête un peu farfelue nous donnent l’impression d’être parachutés en plein Cluedo géant où chaque carte abattue redistribue les autres. Bien sûr, on peut lui reprocher ses clichés, ses raccourcis, ses facilités mais rappelons, le métrage marqué produit par la célèbre boîte au N rouge n’est là que pour amuser et réussit sa mission bien plus honorablement que d’autres films qui nous avaient affligé (doit-on vraiment réévoquer de « Wrong Missy » ?)
Sous le soleil… Basé au cœur d’une Marseille qui sent la poudre de canon et la poussière, « Bronx » est un film viril et macho comme certains les aiment. Ses personnages caricaturaux aux mâchoires serrées et vestes en cuir cintrées sont tous issus de la BRB (Brigade de répression du banditisme) et la BRI (Les Brigades de Recherche et d'intervention) ou de la pègre locale qui sévit depuis quelques années entre la Corse et la Cité Phocéenne. On s’en doute, si ce petit monde se retrouve dans la même zone géographique, ce n’est pas pour trinquer au Pastis et avaler des petits fours mais bien pour se lancer quelques cocktails Molotov dans la tronche et se mettre des pains dans la gueule… Trahisons, faux complots, transactions douteuses, concurrences déloyales, taupe et balance vont donc, durant près de deux heures, venir compliquer le business lucratif de quelques grandes familles mafieuses. Et bien que l’on ne comprenne pas toujours le rôle des uns et des autres, leurs relations ni l’importance de leur apparition dans le film (si ce n’est pour montrer qu’on ne s’est pas tromper d’adresse - coucou Jean Reno et Gérard Lanvin !), Olivier Marchal nous emmène dans ce qu’il sait de mieux : un polar sombre aux multiples revirements. Lannick Gautry, Stanislas Merhar, Kaaris et David Belle incarnent ainsi des frères d’armes évoluant au sein de la brigade criminelle de Marseille, quatre justiciers à l’armure blanche loin d’être rutilante. Les erreurs des uns, la curiosité des autres, les doutes et les manigances de notre petite bande vont compliquer la tâche de nos amis et collègues partis pêcher de gros poissons aux dents acérées. Si on se doute clairement de l’issue du scénario signé Olivier Marchal, le chemin emprunté pour y arriver est loin d’être une promenade de santé. Véritable nœud dont il est difficile de se dépêtrer, son intrigue coupe et recoupe les éléments, les intervenants et les conséquences pour en faire un imbroglio parfois difficile à digérer. Dynamique, couillu et explosif, « Bronx » n’est pas mauvais en soi. Il est certes cliché et peu novateur, il reste malgré tout fidèle à l’univers du réalisateur dont on connait le travail et les qualités. S’il continue à surfer sur la vague de la limite ténue entre le bien et le mal, sur celle qui distingue les gentils flics des vilains ripoux, on finit par s’y habituer et à prendre le large en attendant le roller (le revirement) qui le démarquera de ses autres réalisations. Peu surprenant, il s’inscrit dans la lignée des « MR73 » « 36 quai des orfèvres » ou « Carbone » que beaucoup ont apprécié. Pour notre part, nous dirons simplement qu’il a satisfait notre curiosité sans non plus nous avoir conquis ou véritablement marqués. Date de sortie sur Netflix : 30 octobre 2020 Durée du film : 1h56 Genre : Policier
Si le film divisera très certainement les amateurs du genre, notons que la démarche et l’audace dont fait preuve ce « His House » a le mérite de nous emmener sur des chemins de traverse peu empruntés et de le faire de façon étonnante et plutôt maîtrisée. Les fantômes du passé « His house » nous raconte l’histoire d’un couple de migrants, traumatisés par la guerre vécue dans leur pays natal, une vie passée qui les hante dans leurs nuits et leurs rêves mouvementés et qui les a profondément marqués. Libérés sous caution du centre d’accueil de réfugiés dans lequel ils ont résidé quelques années, nos deux arrivants doivent respecter trois règles simples : se présenter chaque semaine à un entretien, ne vivre que des allocations allouées (et ne pas augmenter leurs revenus en travaillant) et vivre dans une maison qui leur a été attribuée, sans pouvoir la quitter. Si cela semble tout à fait acceptable, ce premier pas vers une intégration est pourtant loin d’être évident. En plus de jouer avec nos émotions et celles de nos protagonistes, d’utiliser des jumpscares et un climax tendu dès le premier tiers de son récit, « His house » a l’intelligence de présenter la dure réalité d’un couple qui n’avait rien demandé. Le racisme des Anglais ( à commencer par celui de jeunes britanniques d’origines africaines qui se moquent de l’accent de leur interlocutrice et lui conseille de rentrer au pays), le traumatisme d’un passé, le besoin d’avancer et de se construire de l’un ou celui de vivre dans le passé et la difficulté d’adhérer aux nouvelles coutumes de l’autre, « His house » dresse aussi le portrait d’un monde occidental où il est difficile de s’intégrer. L'immigration... autrement Mais là où Remi Weekes fait fort, c’est dans la forme donnée à son récit et dans la manière efficace d’amener l’idée que les fantômes de notre passé vivent en nous et sont parfois plus effrayants que ceux que l’on pourrait côtoyer. Le besoin d’exorciser son passé et ses fêlures pour pouvoir recommencer à zéro et avancer s’illustrant à merveille dans la relation qui anime un homme et une femme brisés par ce qu’ils ont tous deux endurés. Apparitions fantomatiques, allers et retours dans des scènes cauchemardesques, développement d’une folie et perte pied d’un quotidien dans lequel il faut déjà batailler s’invitent dans un scénario quelque peu classique mais savamment présenté. Exit le grand manoir victorien en piteux état, l’installation de son récit, le réalisateur la fait dans une maison de rangée de la banlieue londonienne. A la limite de l’insalubrité la demeure qui abrite le danger est bien loin des standards rencontrés et montre que l’horreur peut aussi s’installer dans un quotidien et un environnement que tout un chacun peut côtoyer. Bonne pioche destinée aux amateurs de cinéma d’auteur ou déception pour fans de frissons ? Chacun aura sa propre réponse à cette question. Néanmoins, on ne peut que saluer l’approche originale qu’a eu Remi Weekes sur un sujet toujours d’actualité, celui de l’immigration. Date de sortie sur Netflix : 30 octobre 2020 Durée du film : 1h33 Genre : Horreur/psychologique
Sous bien de ses aspects, le film de Steven Brill fait penser à certains films « à ambiance » des années 90 dans laquelle l’humour du personnage principal, sa marginalité, ses grimaces et autres maladresses faisaient partie intégrante du personnage principal qui parvenait à résoudre bien des mystères voire de remporter de beaux combats contre des créatures horrifiques. Dans ce registre, difficile de ne pas repenser à la première comédie horrifique qui s’est servie d’Halloween pour asseoir son intrigue et propulser Jim Varney sur le devant de la scène. Avec « Ernest à la chasse aux monstres » on retrouvait déjà un personnage principal aux attitudes et à la voix singulières et une personnalité incomprise et pourtant très attachante. Ici, dans « Hubie Halloween », on trouve également un personnage foncièrement gentil, à la fois déluré et très bien tenu par son interprète Adam Sandler, qui, en anglais semble baragouiner bizarrement, un peu comme s’il était entravé par une « patate en bouche »…Etrange ! Même si de profondes ressemblances rapprochent ces deux films, « Hubie Halloween » peut, quant à lui, se reposer sur un solide casting. C’est ainsi que vous serez sans doute amusés de retrouver de grands acteurs tels que Steve Buscemi, Ray Liotta et Rob Schneider dans des rôles qui leur vont très bien ! Plus surprenant encore, la participation de l’ancienne star de la NBA Shaquille O’Neal dans un rôle à sa mesure ! Finalement, l’intérêt du film est à aller chercher du côté de ce héros –tête à claque- convaincu dans sa mission, qu’une fête d’halloween réussie passera par lui ! Evidemment, tout ne se passera pas sans quelques frayeurs. Ainsi, la nuit venue, des disparitions auront lieu et ce sera au détective en herbe armé de son thermos multifonction de faire la lumière sur les étranges disparitions. Oscillant constamment entre le sérieux et l’absurde, « Hubie Halloween », pourrait en refroidir certains, trop frileux à l’idée d’assister au cabotinage permanent de son interprète. Les autres pourraient laisser leurs cerveaux au vestiaire le temps de cette comédie d’Halloween qu’ils oublieront de toute façon très rapidement… Date de sortie sur Netflix : 7 octobre 2020 Durée du film : 1h42 Genre : Comédie
Peu convaincus ou en tout cas très peu convaincants, Lily James (« Mamma Mia », « Baby Driver », « Yesterday ») et Armie Hammer (bientôt à l’affiche de « Mort sur le Nil » de Kenneth Branagh) se donnent le change sans y croire vraiment. Le couple formé à l’écran a beau être séduisant, il ne séduit que trop peu son public qui suit passivement l’histoire d’un couple sur lequel plane une présence fantomatique : celle de Rebecca. Si le domaine de Manderley et son ambiance sauvage, austère et habitée par d’étranges secrets imprègne l’atmosphère du film d’un petit quelque chose d’inquiétant, le scénario de Jane Goldman, Joe Shrapnel et Anna Waterhouse ne permet cependant pas de le mesurer pleinement. Ses personnages trop lisses et fades (à l’exception de Kristin Scott Thomas), son absence de psychologie et sa réalisation mécanique et proprette font de « Rebecca » une relecture dispensable du roman initial. A défaut de revisiter le célèbre classique et lui apporter une profondeur, le long-métrage de Ben Weathley ne fait que le mettre au goût du jour mais sans lui apporter une quelconque saveur. N’est pas Hitchcock qui veut ! Date de sortie sur Netflix : 21 octobre 2020 Durée du film : 2h03 Genre : Thriller psychologique
En ce temps là… Les désormais tristement célèbres émeutes de Chicago remontent à l’année 1968, époque où de nombreuses voix s’élevaient pour le retrait des troupes américaines du Vietnam. Mais cette année correspond également à l’assassinat de Martin Luther King. Au lendemain de cet événement, les premières émeutes éclataient dans les ghettos afro-américains pour enflammer très vite la ville entière. Au moins 10500 policiers furent envoyés pour protéger les pompiers dans certains quartiers sensibles. Bientôt, ce seront 6700 gardes nationaux qui seront dépêchés pour rejoindre leurs compagnons d’armes dans ce brasier à venir. La situation s’envenime rapidement à un point tel que le maire de la ville ordonne à la police de tirer pour tuer ceux qui tentent d’allumer un feu criminel ! Alors que les pillages et autres agressions continuent, les victimes sont toujours plus nombreuses. Onze afro-américains ont trouvé la mort et cinq cents personnes ont été blessées… C’est dans ce contexte extrêmement agité que la ville verra d’autres émeutes se profiler lors de la convention démocrate puisque le candidat anti-guerre Eugene McCarthy fut écarté au profit d’Hubert Humphrey, candidat pour l’élection présidentielle de 1968. Un départ en fanfare D’emblée, le décor est planté en présentant l’ensemble des protagonistes de cette farce judiciaire. Et le spectateur devra se montrer attentif s’il ne veut pas être quelque peu perdu par tous ces nouveaux visages à l’écran. C’est que, aux Etats-Unis et lors du changement d’administration provoqué par la venue du nouveau président, tout le staff change afin de marquer la rupture politique. Et c’est précisément dans ces transformations profondes que les hautes sphères décident de faire tomber quelques têtes qui ont participé aux fameuses émeutes. Parmi elles, un membre des Black Panther étranger à ces événements et des responsables pacifistes (membres de groupes estudiantins et autres militants non-violents) dont deux hippies ! A la barre, un juge que l’on sait totalement partial et acquis à la cause de l’accusation ! Pendant tout le temps de ce procès chaotique ressemblant à une chasse aux sorcières, nous suivons la reconstitution de cette extra-ordinaire affaire judiciaire. Le rythme rapide des débuts fait place à des temps nécessaires pour comprendre cette farce pénale et la sombre machination qui vise à enrayer « ces agitateurs » hostiles à la guerre du Vietnam ! Car précisément, tout l’enjeu est là ! Derrières les inculpés se trouve des idéaux de liberté et une volonté profonde de changement politique. En cela, le film du formidable scénariste Aaron Sorkin (« The Newsroom », « Le grand jeu ») est fabuleux d’audaces, de maitrise technique et de clarté scénaristique à condition d’être attentif aux enjeux et rebondissement présentés. Visuellement somptueux, les « Sept de Chicago » est un film très bien reconstitué tant on se croirait véritablement évoluer dans les rue de Chicago. La réalisation, toujours parfaitement maitrisée, comprend une photographie qui captive et qui cultive, auprès des spectateurs, une fascination pour cette époque. The Magnificent Seven (plus un !) Et comme si cela ne suffisait pas, le film est porté par un casting enchanteur ! Jugez plutôt : Sacha Baron Cohen - méconnaissable et grandiose- ; Joseph Gordon Levitt ; Michael Keaton ; Frank Langela dans le rôle du juge extrêmement partial ; John Caroll Lynch ; Eddie Redmayne (« Les Animaux Fantastiques ») ; Mark Rylance, et bien d’autres acteurs, peut-être moins connus, mais qui assurent parfaitement la défense ! Tiré d’une histoire vraie, ce film nous apparait aujourd’hui comme étant un cas d’école dans le domaine judiciaire et on se demande si certains éléments n’ont pas été extrapolés tant le procès fait songer à une caricature outrancière ou à une mauvaise plaisanterie d’un système judiciaire totalement défaillant et incompétent à être impartial! La justice est-elle aveugle ? Peut-être pas dans une république bananière, mais on pensait qu’aux Etats-Unis, nous n’aurions jamais vu cela ! Il faut croire que la société de 1968, malgré ses aspirations de libertés, était en proie à ses propres démons qu’il a fallu exorciser à la fois dans la rue, mais aussi dans un tribunal. Quelle franche réussite ! Avec son film, Aaron Sorkin nous livre un film captivant, beau et terriblement bien joué ! Les acteurs semblent sortir leurs meilleures notes pour nous toucher au plus profond de notre être et atteindre notre conscience. Du tout grand Cinéma qui ne se refuse pas ! Date de sortie sur Netflix : 16 octobre 2020 Genre : Drame judiciaire Durée du film : 2h10 Titre original : The Trial of the Chicago 7 |
Légende
★★★★★: Coup de coeur ★★★★: Excellent film ★★★: (Très) bon film ★★: Peu mieux faire ★: Passable ○: On en parle? |
