Si vous ne connaissez pas l’acteur, nous ne pouvons que vous recommander chaudement « L’Echine du Diable » réalisé par Guillermo del Toro dans lequel il excelle véritablement ! Mais depuis quelques années, l’acteur se faisait rare à l’écran... et ce n’est pas son second rôle dans le récent « Les traducteurs » avec Lambert Wilson qui change la donne. Ici, son talent est bien mis à contribution dans le film de Diego Cohen. L’acteur semble se délecter du rôle de Tomás, un prêtre fatigué qui en a trop vu. Heureusement, il peut compter sur l’aide de Karl (Eivaut Rischen), le fils spirituel qu’il a recueilli dans son église. L’originalité de cette union (et par la même occasion du film), tient du fait de son caractère particulier. Karl garde en lui le démon qui le possède mais semble être capable d’en prendre le contrôle… Cependant, lorsqu’une philologue rapporte à la maison un livre ancien, véritable livre des morts, la situation se complique inexorablement. Comme dans tous les films d’horreur, des adolescent(e)s bravent l’interdit et se décident à le lire. Il s’en suit une possession démoniaque progressive et l’état de Karl qui se dégrade rapidement. Une véritable course contre la montre s’engage. « N'est pas mort pour toujours qui dort dans l'éternel, mais d'étranges éons rendent la mort mortelle ». La Cité sans nom (The Nameless City), 1921 - Howard Phillips Lovecraft C’est sur cette citation de l’immense écrivain H.P. Lovecraft que le film s’ouvre dans un rythme effréné. D’ailleurs, les influences de l’univers du maitre de l’épouvante sont palpables. Outre cette citation, le visuel du livre des morts retrouvé ressemble à celui imaginé par l’auteur. Même les adolescentes qui invoquent l’esprit maléfique font référence au fameux Necronomicon- le livre des morts. Et que dire des noms des démons présents dont celui du célèbre Cthulhu ? Si le film est aussi agréable à suivre, c’est parce que comme beaucoup d’œuvres du genre, il met en lumière l’insignifiance de l’Homme face aux forces qui le dépassent. Plusieurs démons sont présents dans le film et il est intéressant d’assister à leurs combats. C’est en fin de compte la plus belle originalité puisque, sans faire de théologie, le mal reconnait le mal et le bien essaie de le faire taire. Tout l’enjeu du film tient à ce postulat mais le dépasse puisque le démon « contrôlé » par Karl essaie de vaincre le démon nouvellement invoqué. Le film, très court (1h20 seulement), va à l’essentiel et ne lâche pas une seule seconde le spectateur après une introduction diablement efficace ! Comme souvent, dans les films d’horreur, la réalisation et plus largement les mouvements de caméras sont très beaux. La musique et les bruits savent se montrer efficaces lorsque la situation l’exige ! Seule une scène inutilement gore en appelle au nanar tant on peut déplorer le ridicule de la situation. Pour le reste, « La marque du diable » se laisse regarder avec beaucoup de plaisir et parvient même à éviter un bon nombre de travers propre au genre horrifique. Particulièrement concluant et assez original pour sortir du lot, « La marque du diable » parvient sans mal à créer la surprise grâce à un scénario bien pensé (sans être révolutionnaire, entendons-nous) et à des acteurs investis. Un petit plaisir coupable en ces temps de confinement… Genre : Horreur Durée du film : 1h20 Date de sortie sur Netflix : 26 mars 2020
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Glaçant et brillant dans sa réalisation, « Chez moi » (« Hogar » en version originale) nous donne à réfléchir sur le besoin individualiste de posséder les choses, de garder un statut social durement acquis mais aussi du refus de se priver de ce qui peut sembler essentiel pour certains, qu’il s’agisse d’un appartement, d'une voiture, d'un emploi, d'un confort de vie… En cela, la psychologie du personnage de Javier Gutiérrez (acteur formidable que l’on aime détester) est particulièrement bien amenée. Cet ancien publicitaire à la vie plutôt équilibrée, va connaître la descente aux enfers et emporter avec lui ceux qui représentent à ses yeux la réussite qui lui a été volée lorsqu’il s’est retrouvé au chômage et contraint de déménager. Dénué de toute empathie, excité par l’idée de semer le trouble dans une famille qui ne lui a pourtant rien fait, Javier va pousser le curseur de l’intrusion de plus en plus loin, décidant, sans aucune forme de culpabilité, de nuire à autrui. Sur sa route, l’homme inquiétant va rencontrer la gentillesse et la bonté incarnées mais aussi d’autres ennemis qui pourraient bien tout faire basculer… Le pouvoir, l’argent, la démonstration sont depuis toujours les grands fléaux de notre société. En ces temps où nous revenons peu à peu aux valeurs essentielles, il est bienvenu de voir comment les frères Pastor parviennent à inscrire ces dérives dans un récit haletant duquel nous sommes prisonniers. Parfois lent mais jamais soporifique, « Chez moi » fait battre notre cœur et met un sérieux coup de projecteurs sur Javier Gutiérrez et Mario Casas, deux formidables acteurs. Le premier, parfait cliché de la vie qu’il a toujours dépeint dans ses publicités, gagne en épaisseur au fur et à mesure que son histoire grandit. Détestable, froid et distant, Gutiérrez est une sacrée découverte et possède une grandeur d’interprétation que l’on ne peut qu’applaudir des deux mains. Quant au second, il illustre à la perfection l’impuissance face à une vengeance qu’il n’a pourtant pas méritée mais aussi le parfait reflet d’une fragile réussite qui dérange. Thriller psychologique efficace et prenant, « Hogar » est un très bon film espagnol maîtrisé de bout en bout, un home invasion original duquel nous ne sortons pas totalement indemnes et qui illustre à merveille l’adage « L'envie rend odieuses les personnes qui en sont atteintes »… Date de disponibilité sur Netflix : 25 mars 2020 Genre : Thriller psychologique Durée du film : 1h43 Titre original : Hogar
Les choix de l’existence La vie d’Emilio est riche, il n’a pas l’occasion de s’ennuyer ! Cet ancien professeur de mathématiques à la retraite a eu la chance de vivre de sa passion et de la transformer en véritable objectif de vie. Ses anciens étudiants de l’université de Valence se souviennent affectueusement de lui et de ses anecdotes. Lui, qui a voué sa vie entière aux équations pour enfin toucher au graal : découvrir un nouveau nombre premier. Bien sûr, pour arriver à ce résultat, il n’a pas compté les heures, ni ses sacrifices. Tout ce qui aurait pu l’écarter de son objectif a été balayé. Ainsi, sa jeunesse a été marquée par un non-dit ; celui pourtant essentiel qui devait être adressé à son premier amour. Nostalgique du temps passé, Emilio est devenu l’horloger de ses petites habitudes. A Valence, il s'assied régulièrement sur des terrasses où son plaisir consiste à jouer au carré magique (« non, les japonais n’ont pas inventé le Sudoku ! »), tout en mangeant des tartines avec des tomates. Mais il ne faudrait pas les mélanger, car Emilio déteste ça. Inlassablement, il enlève les tomates de ses tartines car il veut sentir chaque saveur... Un beau jour, c’est le drame ! Impossible pour lui de remplir la fameuse grille de chiffres. Le couperet tombe presque aussitôt, la maladie d’Alzheimer le ronge. Bientôt, il oubliera tout… même le souvenir de Margarita, son amour de jeunesse qu’il n’a plus jamais revu. Dans ses malheurs, il pourra compter sur l’amour indéfectible de sa fille. C’est aussi l’occasion pour lui de renouer avec celle-ci, bien sûr, mais aussi avec sa petite fille qui traverse l’âge ingrat. Dans ce tourbillon nouvellement constitué, ne serait-ce pas l’occasion, au crépuscule de sa mémoire, de retrouver Margarita pour la regarder une dernière fois ? Et, de ces regards partagés, inscrire ce moment dans son cœur et dans sa tête ? Une famille formidable Encore fallait-il trouver un acteur qui puisse à la fois jouer un homme entièrement dévoué à son travail et rigoureux mais aussi touchant par moments. La personnification de ces attributs trouve son plus beau portrait en la personne d’Oscar Martinez (« Un Citoyen d’honneur », « Les Nouveaux Sauvages »). « Vivre deux fois » est, malgré sa thématique, un film solaire d’une grande sensibilité. La réalisatrice Maria Ripoll n’a pas son pareil pour filmer des scènes de vie qui renseignent sur le cœur de ses personnages. Sa caméra capture les visages avec amour pour nous toucher sincèrement, sans artifice ni provocation outrancière. Si le film est aussi agréable à suivre, c’est parce qu’il peut s’appuyer sur de beaux dialogues qui colorent les scènes. Les interactions avec la famille d’Emilio sont délicieuses. Bien sûr, sa fille, est exemplaire de force et de courage et Inma Cuesta délivre ici une très belle performance. Mais il ne faudrait pas oublier les apparitions souvent drôles à l’écran de son compagnon interprété par Nacho Lopez. Coach de vie gentiment foireux, il essaiera tant bien que mal de prodiguer ses conseils aux membres de la famille alors qu’il devrait les appliquer à son couple. Et comme si cela ne suffisait pas, le casting très solide, s’appuie également sur le talent de la jeune Mafalda Carbonell, qui du haut de ses douze ans, joue le rôle de la petite fille d’Emilio avec beaucoup de sincérité et une magnifique justesse ! Si le film est si plaisant à voir c’est grâce à tous ces talents conjugués ! La musique, elle-même, n’est pas en reste et délivre de belles notes sur des moments de vie précieux. Pour toutes ces raisons évoquées, nous vous invitons à ressentir la chaleur de ce « Vivre deux fois » qui, malgré quelques longueurs dispensables, nous emmène aux côtés de cette famille ordinaire dans ce beau voyage de la mémoire. Aussi, nous vous invitons à le voir en espagnol afin d’entendre les voix qui chantent. Mais surtout de le voir car il pose un regard juste sur d’importantes questions. Ne faudrait-il pas se recentrer sur l’essentiel et sur ce qui compte vraiment ? N’est-il pas important de dire « je t’aime » tant qu’il est encore temps ? ¡Buena pelicula! Genre : Comédie dramatique Durée du film : 1h41 Titre original : Vivir dos veces Date de disponibilité sur Netflix : 13 janvier 2020
Le Bon, la Brute et les Truands « Spenser Confidential » fait penser, à bien des égards, au cinéma d’action des années 90 dans lequel un flic était amené à coopérer avec quelqu’un de foncièrement différent. Dans le cas présent, ce buddy movie fonctionne bien grâce à un Mark Wahlberg pince sans rire dans le rôle d’un flic désabusé, arrêté pour coups et blessures sur son supérieur qui battait sa femme. Ayant purgé sa peine avec les difficultés que l’on imagine sans peine, notre héros se verra partager la chambre qu’il loue auprès de son mentor Henry (expérimenté Alan Arkin) avec le très costaud Hawk (très juste Wiston Duke). Mais dès le jour de sa libération, son supérieur est tué dans des conditions sordides en plein milieu du dépôt de bus par une bande de malfrats. Il n’en fallait pas plus pour que notre brave policier, qui voulait justement prendre un nouveau départ, soit suspecté du meurtre. L’intrigue, bien qu’extrêmement classique, se suit sans déplaisir grâce à une galerie de personnages attachants. Outre le duo vedette, l’ex-copine du héros joué à l’écran par Iliza Shlesinger tire son épingle du jeu tant son personnage est déjanté. Mais il existe d’autres belles figures, à l’image de Bokeem Woodbine qui joue un flic et ancien partenaire du héros, et dont chacune des présences à l’écran apporte beaucoup. Que de chemin parcouru depuis « Rock » (1996) de Michael Bay ou encore le « Ray » de Taylor Hackford sorti en 2005 ! Mark Wahlberg prend de l’épaisseur et flatte la caméra de ses sourires et de son attitude avenante. La réalisation de Peter Berg se veut quant à elle toujours aussi efficace et on constate que le metteur en scène évolue dans un genre dont il connait les codes sur le bout des doigts ! Pour le reste, on ne s’étonnera pas de voir venir les « rebondissements » à des kilomètres, la faute à la direction prise par un scénario peu ambitieux et très classique dans ses grandes lignes. Au final, « Spenser Confidential » est un film d’action rondement mené qui, certes, ne crée par la surprise mais qui parviendra sans mal à maintenir votre intérêt jusqu’au générique de fin. Genre : action/comédie policière Durée du film : 1h51 Date de sortie sur Netflix : 6 mars 2020
Avec ses bonnes intentions et son souhait de donner un coup de projecteur sur la véritable histoire de l’incroyable William Kamkwamba, l’acteur et à présent réalisateur anglo-négérian signe un long-métrage lumineux où brille l’espoir de sauver un village de la famine et de mater la détresse humaine qui découle d’une sécheresse ravageuse. Pour ce faire, Chiwetel Ejiofor se met à la hauteur du regard d’un enfant malawien, un jeune homme attiré par l’école, ses savoirs et sa richesse. Un fils de paysan qui vit dans la misère depuis trop longtemps et qui voit ses rêves brimés lorsqu’une nouvelle sécheresse vient à se déclarer. Sans le sou, sa famille n’a pas d’autres choix que de faire des économies et de priver l’adolescent de ce qu’il avait de plus important dans sa vie : ses études. Déterminé à appliquer ses connaissances, William se met en tête de fabriquer une éolienne et apporter l’électricité dans sa petite communauté, une source d’énergie qui permettra à l’eau de jaillir des nappes et d’irriguer les champs de ses parents. Mais si honorable soit sa quête, si fort est le refus de son père de risquer de tout perdre pour un semblant de modernité. Le conflit des générations, la pauvreté et l’impuissance vont alors se révéler plus forts que les désirs de l’adolescent et entrainer la famille Kamkwamba dans de terribles tourments. Si le long-métrage de Chiwetel Ejiofor n’a rien de très ambitieux et s’avère être plutôt classique dans sa forme, on apprécie sa détermination à mettre en lumière une réalité qui perdure aujourd’hui encore dans certaines régions rurales d’Afrique intertropicale. Frappée par la sécheresse ou les inondations, cette partie du monde aux ressources agricoles limitées peut, selon les conditions météorologiques, connaître de belles récoltes comme de douloureuses disettes. La détresse alimentaire des habitants, le luxe que représente l’accès à l’éducation, le quotidien oppressant de populations vouées à elles- mêmes et niées par leurs propres dirigeants sont bien évidemment au centre d’un film qui se veut léger et accessible à tous mais aussi réaliste et par moments émouvants. Chiwetel Ejiofor, qui endosse le rôle de ce père accablé par sa situation, permet au jeune Maxwell Simba de crever l’écran et occuper une place de choix devant la caméra tout en étant le guide idéal d’une narration linéaire que l’on découvre sans mal. S’il souffre par moment de quelques lenteurs, le récit, dont on devine aisément la fin, réserve quelques petits rebondissements et montre que la détermination d’un homme, quel que soit son âge, peut rendre plus roses certains lendemains. Solaire, « Le garçon qui dompta le vent » est un joli film à découvrir en famille, une histoire touchante qui remet certaines de nos envies en perspective. Une ode à l’espoir, au rêve et à la force de caractère, le récit d’une tranche de vie, celle d’un William Kamkwamba qui n’a jamais vécu que pour rendre heureuse sa famille. Genre : Drame Durée du film : 1h53 Date de sortie sur Netflix : 1er mars 2019 Titre original : The Boy Who Harnessed the Wind
Le « Transperceneige », quant à lui, est une autre influence puisqu’il aborde la lutte des classes qui fini par briser l’Homme. Le point commun entre ces films ? La déshumanisation de l’Homme broyé par le système. La plateforme, cet enfer concentrationnaire Mené tambour battant, le film ne laissera que peu de répit aux spectateurs qui auront décidé de s’aventurer dans la prison appelée « la Fosse». Tout d’abord, parce que son approche minimaliste réussit à créer une atmosphère à la fois prenante et angoissante. Les premières images dévoilent une cellule comprenant deux hommes : un nouveau venu nommé Goreng (épatant Ivan Massagué), et un ancien pensionnaire portant le nom de Trimagasi (Zorion Eguileor). Goreng est entré dans cette prison de son propre chef afin d’obtenir un document lui permettant de s’élever socialement. Son voisin lui est là pour un tout autre motif… le meurtre. D’emblée, nous découvrons vite la sombre machination qui se trame dans cette prison construite à la verticale où les cellules se succèdent laissent place à un vide central traversé par la plateforme remplie de victuailles. Les premiers étages ont droit à une plateforme remplie de mets délicieux, deux minutes avant que celle-ci ne descende à l’étage inférieur. A chaque étage, celle-ci se vide un peu plus tant les prisonniers sont affamés. Aucun ne peut garder un aliment dans sa cellule sans encourir une sanction mortelle. La mission des prisonniers ? Tenir un mois avant d’être déplacés à un autre étage. Nul ne sait où...S’il s’agit d’un étage supérieur, tant mieux pour la nourriture. Dans le cas contraire, il ne restera que des os…et des assiettes vides. Et le petit théâtre de l’horreur se joue à cet instant. Comment les hommes et les femmes décideraient d’eux-mêmes de se rationner pour en laisser aux autres puisqu’ils ont eux-mêmes connus la famine en vivent en permanence le comportement égoïste des résidents « d’au dessus » ? L’enfer, c’est les autres ! L’indéniable qualité du film espagnol est de dresser un sombre portrait de l’âme humaine ! Peut-on développer le vivre ensemble en étant profondément individualiste ? Et même si les prisonniers changeaient d’attitude, y aurait-il assez de nourriture pour tout le monde ? Que serions-nous prêt à faire pour survivre ? Toutes ces questions sont au centre du film qui ne laissera personne indifférent. Même le dernier tabou de notre société est brisé, à savoir le recours au cannibalisme pour la survie… Mais quand celui-ci est prémédité, garde-t-on encore notre « humanité » ? Ce thriller psychologique est effrayant tant ce qu’il donne à voir révèle la nature humaine dans toute sa complexité. Heureusement, dans toute cette noirceur, le héros est altruiste. Et puisque chaque prisonnier peut choisir d’emmener un objet en détention, il choisit sans mal Don Quichotte pour l’aider à s’évader du quotidien. Doit-on y voir une métaphore de ce que vivent ces prisonniers ? Probablement. Le film concentrationnaire de Galder Gaztelu-Urrutia est aussi froid qu’il n’est beau visuellement. Sa propension à être minimaliste ne détourne pas l’attention sur les comportements effroyables de certains prisonniers alors que deux d’entre eux décident de gripper le système de l’intérieur. L’aspect sonore n’est pas en reste et l’on est glacé d’entendre les cris reflétant la barbarie de cette situation provoquée par un système désincarné. Vous l’aurez compris, « The Platform » est une terrible satire sociale faisant office de miroir de l’âme humaine. Fort du potentiel de son sujet et de ses enjeux, le film interroge sur le comportement humain, l’ordre établi et la lutte des classes dans un univers concentrationnaire forcément déshumanisé et, par moment, gore. De nombreuses fulgurances traversent le film qui interroge plus qu’il ne donne des réponses. En cela, nous avons été frustré. Trop de zones d’ombre demeurent alors que le générique de fin pointe le bout de son nez. Ce choix est d’autant plus dommageable que nous pensons qu’un éclairage supplémentaire aurait été le bienvenu sans toutefois devoir répondre à tout…Pour le reste, «The platform » risque de « descendre » dans nos prochaines conversations de cinéphiles et c’est tant mieux ! Genre : Thriller psychologique Durée du film : 1h34 Titre original : El Hoyo
Au programme ? La mobilisation de deux anciens Texas Ranger dans la traque de Bonnie et Clyde Barrow, les criminels les plus recherchés et, paradoxalement, les plus aimés des Etats-Unis au siècle passé. Il était une fois les Rangers ! Si le nom du réalisateur John Lee Hancock ne vous dit rien, il était pourtant aux commandes du convaincant « Le Fondateur » avec Michael Keaton dans le rôle de celui qui a lancé la franchise McDonald. Mais revenons à notre sujet ! Avec « The Highwaymen », le réalisateur ancre son récit dans le climat sombre des Etats-Unis en proie à la Grande Dépression économique. D’ailleurs, la première force du film est justement liée à la préoccupation d’une certaine justesse historique. En témoignent, les décors, costumes et voitures fidèles à cette époque parfaitement reconstituée ; un vrai bonheur ! Mais là où le film excelle, c’est dans sa narration qui apporte beaucoup de détails croustillants ! Par exemple, les deux Texas Rangers joués par Kevin Costner et Woody Harrelson portent un regard singulier sur une époque révolue. En filigrane, nous apprenons que l’unité des Rangers dont ils faisaient partie pour protéger les colons installés au Texas lors de la Guerre d’indépendance du Mexique a été dissoute car difficilement contrôlable. Néanmoins, la gouverneure de l’Etat n’a d’autre choix que de les réhabiliter afin d’épauler la police et le FBI dans cette traque du clan Barrow. Aussi, cette époque voit l’émergence de nouvelles pratiques comme l’écoute téléphonique, et le développement d’une police davantage…scientifique. Le décalage vécu par nos deux héros vieillissants est réellement bien amené grâce aux dialogues finement écrits ! Une équipe de choc Pendant 2h11, nous suivons la progression de ces deux anciens Rangers dont l’objectif est de prendre morts ou vifs les fugitifs liés au fameux gang. Cet ambitieux jeu de piste est l’occasion pour nous, spectateurs, de voyager à travers l’Etat du Texas et de ses frontières. La photographie, tout comme le cadrage et plus largement la réalisation rendent honneur au sujet traité et aux paysages traversés. Quant aux comédiens, ils s’en donnent à cœur joie et outre les excellents acteurs principaux, le film peut compter sur d’autres talents de renom comme Kathy Bates (« Misery », « Fargo », ou plus récemment « Le cas Richard Jewell ») et John Carroll Lynch (« Le Fondateur », « Shutter Island », « Gran Torino » ou encore « Volte/Face ») Même si l’enquête (et donc le film) est extrêmement prenante, celle-ci n’est pas versée dans l’action, mais est plutôt verbeuse ; il faut le savoir ! Les amateurs de films d’action risquent d’être déçus car la résolution de l’affaire se mérite ! La faute à une époque où les moyens de communication ne sont pas ceux d’aujourd’hui et où l’observation et les filatures l’emportent sur le reste. Néanmoins, à aucun moment nous n’avons boudé notre plaisir devant ce beau spectacle ! Sous ses faux airs de néo-western gratiné à la sauce road movie, « The Highwaymen » voit son duo vedette porter le film avec talent ! L’esthétique du film y est magnifique (quelle photographie !) et que dire de sa tonalité qui en fait un solide film noir crépusculaire ! Néanmoins, certains pourraient trouver- à juste titre- le rythme assez lent, mais il s’agit du (maigre) prix à payer pour vivre une belle aventure ! Durée du film : 2h12 Genre : Drame historique/Policier Date de sortie sur Netflix : 29 mars 2019
Crise existentielle américaine… Ruth (Melanie Lynskey) est une jeune américaine qui vit seule chez elle. Désabusée, elle ne peut que constater le comportement égoïste des gens qui gravitent autour d’elle. Les exemples du manque de civisme sont omniprésents dans sa vie et la goutte d’eau qui fait déborder le vase vient avec le cambriolage de sa maison. Puisque la police semble se désintéresser de son cas, Ruth décide de mener l’enquête avec un de ses voisins (incarné à l’écran par le surprenant Elijah Wood). Ensemble, ils vont faire la lumière sur cette affaire. Mais à quel prix ? Enquête policière ou chemin de traverse ? L’acteur, scénariste, producteur et, ici, réalisateur Macon Blair (même s’il tient un petit rôle dans le film) nous livre un film alléchant sur le papier mais dont la concrétisation peine à convaincre. D’abord, parce que même si le film est court dans sa durée (1h33), l’intrigue assez simple n’empêche pas une errance des personnages (ce qui est bien !) mais aussi un ennui certain du spectateur (ce qui l’est moins !). La faute à cette désagréable sensation d’un vrai manque de profondeur nous empêchant de nous sentir impliqué dans l’histoire ! Et d’ailleurs, que retenir de cette histoire ? Pas grand-chose en fin de compte. A mesure que l’histoire se déroule à l’écran, une lassitude nous gagne malgré des personnages au départ intéressants mais qui n’évoluent pas dans le temps. Et cela dessert clairement le film ! Pire, vous ne pourrez échapper à cette sensation de déjà vu qui enlève beaucoup d’intérêt au sort des personnages. Pourtant, nous percevons l’envie du réalisateur de proposer un film décalé avec une galerie de personnages déjantés mais cela ne prend jamais vraiment. On sent l’absurde pointer le bout de son nez…mais pas totalement. On attend une fureur qui vient mais qui ne contente pas nos basses pulsions de mort. Il manque une vraie habileté à construire un ensemble riche et décalé. Aussi, le manque de surprises a eu raison de notre intérêt même si techniquement le film ne souffre d’aucun défaut apparent. « I Don’t Feel At Home In This World Anymore » porte en lui les ingrédients qui auraient pu en faire un bon film si son réalisateur et scénariste Macon Blair s’était montré plus ambitieux (et audacieux ?) N’est pas Guy Ritchie ou Quentin Tarantino qui veut… Durée du film : 1h33 Genre : Drame Date de sortie sur Netflix : 24 février 2017
C’est que les excellents « Que Dieu nous pardonne », « La isla minima » ou « La colère d’un homme patient » nous avaient captivé des heures durant si bien que les réalisations ibériques de cet acabit obtenaient généralement toutes nos faveurs. Mais force est de constater que n’est pas Rodrigo Sorogoyen qui veut… Après un premier tiers intéressant dans lequel on plonge avec engouement et réel intérêt, Calparsoro opte pour un changement de point de vue et se place du côté des fans de l’inspecteur Columbo, nous livrant l’identité du tueur en série tant redouté et mettant à mal tout le suspense qui avait jusqu’ici impeccablement installé. Si on ne connait pas les motivations ni le lien que notre tueur en série entretient avec l’enquête initiale (dossier bouclé 20 ans plus tôt), notre meurtrier scrupuleux joue au chat et à la souris avec l’inspecteur principal chargé de l’enquête et s’amuse d’une situation qui semble tous les dépasser, lui y compris. Cela aurait pu fonctionner si tout l’intérêt du film n’avait pas été sacrifié à la fin d’un premier tiers jusqu’ici bien calibré et au-delà duquel, on se met (comme l’enquête) à piétiner. Indices trop appuyés, liens évoqués et lourdement illustrés, la deuxième partie du film rompt totalement le ton de la première qui était, elle, beaucoup mieux maîtrisée. Parfois confus, le déroulement du fil scénaristique s’entortille à diverses reprises, nous bloquant ou nous déconcertant par les choix opérés dans l’intrigue tant dans sa mise en scène que dans ses intentions… Certes nous avons bien compris que le « Tueur des endormis » court toujours dans la nature et que le premier meurtrier qui croupis derrière les barreaux n’est qu’un bouc-émissaire. Mais pourquoi a-t-il laisser filer autant de temps entre sa première période de chasse et la suivante ? Pourquoi a-t-il attendu la libération du premier condamné pour se remettre à tuer ? Quel lien entretient-il avec les protagonistes qu’il semble déjà bien cerné ? Ces questions, qui trouveront peu à peu leurs réponses, tardent à venir à tel point que l’on s’impatiente vraiment durant la dernière partie du métrage et détournons notre attention, comme le ferait les amateurs de sieste partis piquer un roupillon après l’ouverture des dernières aventures de Peter Falk… S’il est loin d’être à son premier coup d’essai, Daniel Calparsoro s’embourbe dans les marais d’une adaptation de laquelle il semble difficilement se dépêtrer. Pourtant son casting exemplaire (dans lequel on trouve Javier Rey, Aura Garrido ou Belén Ruedo) se donne corps et âme pour faire vivre les personnages du roman de Eva García Sáenz de Urturi avec crédibilité et profondeur, des comédiens qui tentent vaille que vaille de sauver ce qui peut l’être sans jamais pourtant y arriver… Décevant à plus d’un titre, « Le secret de la ville blanche » ne continuera pas à faire briller les lettres de noblesse des thrillers espagnols dont Sorogoyen, Amenabar ou Balaguero ont le secret. Vite vu, vite oublié, son secret ne se trouve que dans son titre… dommage ! Durée du film : 1h50 Genre : Thriller Date de sortie sur Netflix : 6 mars 2020 Titre original : El silencio de la ciudad blanca
« Une âme contre une âme ». Avec son scénario des plus convenus et sa mise en scène classique et très scolaire, « La morsure du crotale » se veut être un thriller palpitant mais se révèle finalement aussi plat que l’encéphalogramme du premier candidat choisit par Katerina pour payer sa drôle de dette. C’est que cette mère célibataire a priori bien sous tous rapports s’est embarquée dans une mésaventure loufoque dont elle ne sortira pas indemne. Après avoir triplement joué de malchance (elle se perd sur une route secondaire du Texas, crève son pneu et n’a aucune couverture réseau), la jeune femme voit sa vie basculer lorsque sa fille Clara se fait mordre par un crotale en pleine steppe aride. Pas une âme qui vive à l’horizon jusqu’à ce qu’émerge de nulle part, une caravane abritant une hôtesse antipathique qui se propose néanmoins de la sauver en échange d’un paiement qui lui sera ultérieurement communiqué. Trouvant là son salut, Katerina accepte mais réalise un peu tard que la dette contractée va être très difficile à honorer : pour garder sa fille en vie, il va falloir en ôter une autre dans les sept heures à venir… Grosse loterie malsaine lancée par une Katarina démunie, « La morsure du crotale » devient alors une chasse au parfait candidat, celui qui mériterait sa place dans la chambre froide. Rencontres fortuites, coups de pouce du destin, le deuxième volet de ce thriller peu folichon ne laisse aucune place à la surprise et s’oriente vers un final convenu qu’on aura trop attendu. Même si on se régale des paysages arides, ocres et solaires que capte avec maestria la caméra de Zak Hilditch, on évolue avec désarroi dans une histoire que l’on aurait voulu plus audacieuse, originale ou prenante sur la durée car Carmen Ejogo a beau tenir sur la distance, le film s’épuise et ne permet pas à la comédienne de trouver pleinement un terrain de jeu révélateur. De mère responsable, la comédienne britannique passe au statut de meurtrière potentielle, poussée par les fantômes de Tulia à payer son dû sans traîner. Ce gimmick un peu grossier est très certainement voué à apporter son lot de stress mais ne remplit son contrat qu’au travers une ambiance sonore (trop) appuyée En bref, si cette « morsure du crotale » avait quelques arguments de fond pour en faire un métrage qui tienne la route, sa proposition s’avère largement décevante et se perd, à l’instar de son héroïne, sur des chemins de traverse que l’on ne prendra que si on aime les belles randonnées ou avons une grosse heure à perdre devant notre télé Durée du film : 1h25 Genre : Thriller/Horreur Date de sortie sur Netflix : 25 octobre 2019 Titre original : Rattlesnake
Aujourd’hui, ils reviennent derrière la caméra de façon éclatante pour mettre en lumière Adam Sandler, jadis très souvent cantonné aux comédies américaines. Gems ce film ! Howard Ratner est un beau parleur mais surtout l’heureux propriétaire d’une petite bijouterie à New-York. Inséparable de sa veste en cuir, de ses brillants aux oreilles, de ses lunettes dorées et de sa bague de champion de NBA, il mène ses affaires de façon extrêmement rythmée sur Diamond District. Pourtant, sa vie entière semble compliquée la faute à un mariage qui bat de l’aile et des dettes colossales contractées auprès de personnes peu fréquentables. Toujours à l’affut de « coups fumants » tardant à se concrétiser, Howard s’enfonce toujours un peu plus dans les paris sportifs. Joueur compulsif, il mise tout ce qu’il possède sur les pronostics des rencontres de basket-ball afin de pouvoir rembourser l’argent qu’il doit à son beau frère (et qui pour l’occasion a fait appel à des types à qui on n’a pas envie de chercher des noises). Mais comment Howard compte-t-il se sortir de cette impasse ? Jamais à court d’idées, cet éternel optimiste n’a de cesse de vouloir trouver des solutions à ses problèmes avec une naïveté extrêmement touchante. Et c’est là la force des frères Safdie : créer une atmosphère oppressante dans laquelle un homme se bat pour sa survie ! Et Adam Sandler incarne à merveille ce doux rêveur inconscient des risques qu’il prend au quotidien et qui procurent de sacrées sueurs froides au spectateur ! Dans la tête d’Howard, son salut passe par une vente extraordinaire, celle d’une opale extraite avec peu d’éthique et importée illégalement d’Ethiopie. Son plan est de la vendre au plus offrant en salle de ventes, ce qui lui permettrait de sortir la tête hors de l’eau. Sauf que nous sommes dans le cinéma des frères Safdie où la noirceur s’immisce rapidement dans l’intrigue. La Nouvelle Vague emporte l’opale… Ce récit fait penser, par moments, aux polars urbains des années 70 qui avaient la particularité d’être très durs avec leurs héros en quête d’un peu de répit. Quant à nous spectateurs, nous sommes des captifs pris en otage émotionnellement par le bruit, le rythme qui fonce à cent à l’heure, les lumières et ces fameux plans rapprochés qui scrutent la stupeur de notre malheureux personnage principal. Il y a du Cassavetes là dedans, à la manière de cette « Nouvelle Vague » américaine qui évoquait déjà une New-York qui broie les hommes et les femmes entre ses rues bruyantes et ses clubs bondés en proie à la fureur. Quant à nous, nous avons été littéralement aspirés avec cet anti-héros qui cumule les erreurs mais dont le capital sympathie que nous lui vouons reste, paradoxalement, intact ! Nous sommes à ses côtés, vivons ses peurs et espérons une conclusion qui en appelle à une (re)prise d’oxygène. Mais « Uncut Gems » est le genre de film à ne pas ménager son public et ruine constamment ses espoirs de façon à provoquer des montagnes russes d’émotions intérieures. Les fantômes du Cinéma… Nous ne remercierons jamais assez les frères Safdie de nous avoir permis de découvrir un Adam Sandler différent, métamorphosé voire transfiguré dans un polar urbain asphyxiant, bruyant et, par la force des choses, épuisant. Maîtrise artistique indéniable, ce « Uncut Gems » suit les pas de Cassavetes et ne devrait laisser personne indifférent. Il possède la particularité rare d’impliquer émotionnellement ses spectateurs et de ne jamais les lâcher. On ne s’étonnera guère que Martin Scorsese en soit le producteur délégué… Quant à nous, nous aurons besoin d’encore quelques jours pour nous remettre de cet uppercut de cinéma sans être totalement quitte de l’émotion générée par ce très beau film. Un must à découvrir sur vos petits ou plus grands écrans. Durée du film : 2h15 Genre : Thriller
En ligne de mire, nous retrouvons le désormais trop rare Eddie Murphy dans un rôle qui semble taillé pour lui. Il incarne à l’écran un homme qui avait des rêves mais qui n’a pas su les réaliser. Non pas qu’il ne soit pas talentueux, mais personne ne lui a donné sa chance. Son père déjà n’a jamais cru en lui...Et quand il a débarqué dans le monde de la musique et du stand up, il a dû se rendre compte qu’il était difficile de percer dans le show-business lorsqu’on est afro américain. Pourtant, Rudy Ray Moore (le personnage d’Eddie Murphy à l’écran) ne se laisse pas démonter et sa soif de réussite le pousse à enfoncer toutes les portes afin de s’imposer dans ce monde inégalitaire. Qui de mieux que la star afro-américaine des années 80 pour incarner ce personnage haut en couleur ? Lui qui a connu la gloire avant d’effectuer une traversée du désert ? Lui qui a cartonné dans un stand up devenu culte (un peu à la manière de son personnage), avant d’enchainer les films à succès de nombreuses années consécutives ? Oui, nul ne pouvait mieux que lui incarner ce comique talentueux ! Parodique, excessif et touchant à la fois, son alter ego Rudy Ray Moore fut réellement une figure de la blaxplotation qui a marqué l’année 1975 avec « Dolemite » un film quelque peu fauché gage de joyeux bordel organisé et dans lequel il était possible de découvrir des scènes de karaté, des fusillades pétaradantes, une enquête policière et des filles dénudées pour des scènes « olé olé » des plus divertissantes ! Cette parodie éminemment sympathique voit surtout venir sur grand écran des afro-américains dont seul « Shaft » était parvenu à briser les codes. Mais avant d’arriver à cette consécration, Rudy a enregistré sur magnétophones les histoires souvent drôles et vulgaires de sans-abris qu’il a retravaillées afin de les proposer sur scène à travers tout le pays ! Puis, l’idée lui est venue d’enregistrer des slams plutôt salaces sur 33 tours, vendus d’abord sous le manteau avant d’en faire une franchise diffusée plus largement grâce à un studio piqué par la curiosité du phénomène. Et c’est justement cette « débrouillardise » de ce « self made man » extrêmement sympathique qui fait tout le sel de ce biopic certes édulcoré mais tellement agréable à suivre ! Derrière l’humour omniprésent se cache une interrogation qui obsède Rudy. Existerait-il un humour qui fonctionnerait davantage sur les « blancs » et un humour dont les « noirs » seraient plus sensibles ? Cette « révélation », il l’a eue en allant voir avec ses amis la comédie de Billy Wilder de 1974 intitulée « Spéciale Première ». Alors que la salle, composée de blancs, rit à gorge déployée ; Rudy et ses amis s’ennuient ferme ! Comment est-ce possible ? Et surtout, comment reconnecter l’humour avec les afro-américains de la rue ? La suite, vous la connaissez ! Et cette formidable réussite est le fruit de rencontres avec des personnages aussi improbables que Rudy! Bien sûr, il sera la locomotive de ses propres rêves mais dans ce tourbillon il pourra compter sur de belles personnes : Urville Martin (incroyable Wesley Snipes), Jimmy Lynch (Mike Epps), Theodore Toney (Tituss Burgess), Jerry Jones (Keegan –Michael Key) et Lady Reed (fabuleuse Da’vine Joy Randolph) ainsi que de sacrées personnalités qui apportent beaucoup au film : Snoop Dogg, Chris Rock et Bob Odenkirk en tête ! Pour toutes ces raisons évoquées et d’autres que nous préférons vous laisser découvrir, « My name is Dolemite » est le feel good movie à voir si vous êtes abonnés à Netflix ! Un incontournable ! Genre : Comédie Durée du film : 1h58
L’occasion était trop belle pour ne pas revenir sur un très beau film diffusé sur Netflix et intitulé judicieusement « Les deux Papes ». Deux Papes pour un trône de Pierre Certains artistes ont une sensibilité qui leur permet de « sentir » ou de présager les évènements avant qu’ils ne se produisent. D’autres nous livrent une production qui fait échos à un passé pas si lointain. La succession du Pape Benoit XVI en est un bon exemple avec l’accession à la papauté de François alors que son prédécesseur est encore en vie... Du jamais vu en six siècles de catholicisme. Enfin, il arrive que l’actualité rattrape un phénomène culturel pour lui donner une teinte particulière comme c’est le cas ici. Le réalisateur brésilien Fernando Meirelles a donc eu le nez fin lorsqu’il s’est emparé d’un sujet terriblement actuel. Pendant un peu plus de deux heures, nous sommes les témoins privilégiés des échanges entre l’ancien Pape Benoit XVI incarné à l’écran par le bluffant Anthony Hopkins et le cardinal qui deviendra son successeurs joué par le tout aussi convaincant Jonathan Pryce. Il fallait deux monstres du Cinéma pour interpréter deux personnalités antagonistes aussi fortes. C’est d’ailleurs tout le sel du film : assister aux joutes verbales auxquels se livrent les deux Papes. Très vite, nous comprenons que les postures que prennent les deux hommes cachent un conflit -et osons l’écrire- un fossé théologique et idéologique entre le Saint-Père et son prédécesseur. Sous la caméra du réalisateur, différents moments retracent les différentes rencontrent et témoignent d’un duel fait de mots et d’idées apparemment irréconciliables. Heureusement, la force de Fernando Meirelles a été de présenter honorablement les deux Papes sans que l’un ne prenne trop l’ascendant, et donc la lumière sur l’autre ; laissant le soin aux deux acteurs de révéler leur talent pour le faire éclater au grand jour ! S’accordant un petit écart dans sa démarche afin de mettre en lumière le caractère et les choix d’un de ses protagonistes, la seconde partie du film revient sur le passé de l’actuel Pape qui a dû faire face à la dictature du régime argentin de l’époque en coopérant pour mieux sauver, quitte à travestir ce en quoi il croit pour préserver ceux qui lui sont chers. Intéressant mais peut-être un peu long… Impeccablement interprété et haletant, immersif par son aspect documentaire nous convoquant au sein des rencontres intimes entre deux hommes, tout l’intérêt du film réside précisément dans la nature même des échanges qui trahissent deux attitudes diamétralement opposées : faut-il conserver les règles actuelles ou changer le dogme de l’Eglise ? En d’autres termes, doit-on avancer avec l’évolution de notre société afin d’éviter la rupture avec les fidèles ou tenir bon face aux évolutions et s’en remettre aux habitudes issues de l’Histoire et des traditions quitte à creuser un peu plus l’écart ? A la lumière des émois auxquels doit faire face le Vatican, le film de Fernando Meirelles est doublement actuel ! A (re)voir donc ! Date de disponibilité sur Netflix : 20 décembre 2019 Durée du film : 2h06 Genre : Drame/biopic
Mon fils ma bataille Particulièrement bien écrit et pensé pour nous faire vivre au plus près l’histoire de Nicole et Charlie, « Marriage Story » s’ouvre sur une lecture remplie de tendresse des qualités de chacun des protagonistes du film. Charlie est un formidable papa, dévoué, dans son monde mais aussi quelqu’un d’acharné, mauvais perdant, artiste impliqué, impassible et jamais énervé. Nicole vit sa vie de maman sans retenue, toujours à l’écoute, vive, souriante, une comédienne investie dans les projets de son mari. A en croire le portrait très positif des deux époux et en découvrant des images complices, remplies de tendresse et d’amour, ces deux-là étaient faits pour se rencontrer et ne jamais se séparer. Et pourtant, à l’heure où s’ouvre le premier chapitre de leur histoire, le constat est sans appel : Nicole et Charlie sont deux prénoms que l’on conjugue au passé, deux êtres qui se sont tout donnés mais qui aujourd’hui vont bel et bien se séparer. Durant plus de deux heures, Noah Baumbach (qui avait déjà abordé le sujet de la séparation une dizaine d’années auparavant), décortique une situation qui déchire ses deux héros, leur fils mais aussi les spectateurs. Entre rires et larmes, le scénariste et réalisateur nous fait vivre le quotidien difficile de deux anciens amants, devenus parents et qui affirment chacun leurs souhaits, leurs revendications, leurs droits et leurs déchirements. De la courte thérapie de couple au divorce inévitable, on assiste à la chute d’une famille, au désamour et à la destruction de deux personnes qui ont pourtant tant partagé par le passé. Si Henry, leur fils, est l’objet de toutes leurs attentions, il est aussi le centre d’une querelle d’adultes ou d’une assignation. Tentant la réconciliation ou se balançant des infamies, se faisant défendre par des avocats sans retenue (les formidables Laura Dern et Ray Liotta) ou juger par un système juridique et une assistante familiale déshumanisés, Nicole et Charlie ne deviennent plus que l’ombre d’eux-mêmes, des vestiges de ce qu’ils ont été, des parenthèses qu’ils ont accepté d’incarner. Très actuel et on ne peut plus authentique, le sujet choisit par Noah Baumbach est traité de façon laconique. Ses deux heures de film parfois lentes ne se font jamais sentir et on sort aussi abasourdis que leurs héros par ce que l’on vient de vivre, préférant laisser s’écouler quelques heures avant de se livrer sur le papier. Poignant et bouleversant, « Marriage story » n’a pas besoin d’en faire des tonnes pour nous conquérir et s’avère être l’un des plus beaux films réalisés dernièrement sur la thématique de la séparation de deux parents. Un duo de comédiens au sommet de leur art Avec « Marriage Story », Noah Baumbach retrouve Adam Driver, qu’il avait déjà formidablement mis en scène dans « While We’re Young » (c’est d’ailleurs suite à sa prestation que nous nous sommes véritablement intéressé au comédien charismatique) ou « The Meyerowitz Stories » (sorti également sur Netflix) et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’association fonctionne à nouveau. Adam Driver livre une nouvelle performance admirable et nous touche droit au coeur. S’il a déjà su briller dans « Silence » de Scorsese ou « Paterson » de Jarmusch, ses sourires, ses colères, sa détresse et sa peine montrent un nouveau pan de son incroyable capacité de tout jouer. Face à lui, Scarlett Johansson, tout aussi inspirée. Investie comme jamais dans son rôle de mère en soif de résurrection, la comédienne nous offre ici une interprétation habitée et magistrale, preuve ultime qu’il lui fallait un scénario et un metteur en scène de choix pour retrouver ce génie qui sommeillait en elle depuis trop longtemps. Grave et touchant à la fois « Marriage Story » est un film qui poursuit. Il nous fait tomber amoureux de ce couple idyllique, nous met en colère et nous attriste de voir ce désamour prendre le pas sur la vie de famille qui s’était construite. Sobre et parfaitement écrit, le dernier long-métrage de Baumbach ne joue jamais la carte du mélodrame pur et dur mais déroule le fil des ses émotions à l’instar d’un tapis rouge qui nous conduit vers un duo de comédiens en totale alchimie, un tandem qui mériterait de se voir récompenser par de précieuses statuettes dorées. Date de sortie sur Netflix : 6 décembre 2019 Durée du film : 2h16 Genre : Drame  Résumé du film : Le récit de l'escalade par Tommy Caldwell et Kevin Jorgenson de la montagne El Capitan, haute de plus de 900 mètres et située dans la vallée de Yosemite aux Etats-Unis. Note du film: 8/10 ( par François) Avis : Après dix-neuf jours d’efforts, un exploit surhumain s’est produit le 14 janvier 2015 dans la vallée du Yosemite. Deux alpinistes : Tommy Caldwell et Kevin Jorgeson arrivaient au sommet du Dawn Wall, une paroi de 900 mètres de granit dont une grande partie parfaitement lisse. Jusqu’alors, cette performance n’avait jamais été considérée par les alpinistes tant le parcours est difficile. Contre tous les avis et pronostics, ces deux hommes ont réalisé l’impossible et ainsi gravir ensemble cette montagne jusqu’ici imprenable. Cette véritable prouesse de dépassement de soi a été immortalisée dans le film « The Dawn Wall » proposée sur la plateforme Netflix. Ne jamais présumer des capacités d’autrui Au vu des éléments relatés dans le film, on peut dire que la vie de Tommy n’a rien eu de simple. Petit déjà, un instituteur lui a collé une étiquette en affirmant qu’il souffrait d’un retard mental. Afin de combattre la timidité de son fils, le père de Tommy l’emmène faire de l’escalade avec lui. Très vite, ce loisir deviendra sa passion. Sortant de sa coquille, Tommy rencontre sa compagne lors d’une compétition d’escalade qu’il remporta. Ensemble, ils décidèrent de s’attaquer aux parois du Kirghizstan. Après plusieurs jours d’escalade, ils se font tirer dessus par des islamistes les obligeant à descendre. Convaincus qu’ils allaient mourir, Tommy n’aura d’autre choix que de pousser son ravisseur dans le vide depuis le sommet, ce qui le marquera à vie… L’impossible ascension Quelques temps seulement après la rupture de son couple, Tommy se lance un challenge jamais réalisé jusqu’ici : être le premier à gravir ce « Dawn Wall », un bloc rocheux de Californie nommée « El Capitan ». Se rendant compte qu’il lui serait impossible de réaliser cet exploit seul, Kevin Jorgeson le rejoindra dans ce projet fou. Passionné, cet alpiniste n’a pas réellement d’expérience de cette ampleur mais témoigne d’un mental d’acier. Pendant des mois, les deux alpinistes analysent les cartes et cherchent les meilleurs passages qui leur permettront d’arriver au sommet. Durant l’hiver 2014/2015, les deux compagnons se lancent dans cette formidable ascension. Enchainant les passages techniques extrêmement difficiles, les compagnons de cordée sont rapidement suivis par les médias américains qui s’enflamment autour de ce projet un peu fou. La beauté du reportage filmé par Peter Mortimer et Josh Lowell tient en grande partie au fait que, jamais, Tommy n’a renoncé à son envie de gravir le sommet sans la présence de son partenaire et ce, malgré les difficultés de ce dernier. Le dépassement de soi et l’adrénaline procurée par un relais difficile poussera d’ailleurs Kevin Jorgeson à réussir un passage que Tommy n’a pu accomplir. Véritable émulation, l’escalade de ces deux amis est parfaitement retranscrite à l’écran. Quand on lui demande pourquoi il a choisi de se lancer dans une telle aventure, Tommy Caldwell ne répond pas mais à travers son silence nous entendons tout : son enfance étiquetée, sa passion naissante pour l’escalade, la perte de son index lors d’un accident de bricolage et ces médecins lui demandant de changer de passion… Date de sortie sur Netflix : Mars 2019 Durée du film : 1h55 Genre : Aventure/documentaire  Résumé du film : Un critique redouté, une galeriste glaçante et une assistante ambitieuse s'emparent des tableaux d'un peintre récemment décédé... avec des conséquences funestes. Note du film : 5,5/10 (par Véronique) Avis : Cinq ans après son très réussi « Night call », Dan Gilroy retrouve l’excellent Jake Gyllenhaal et la talentueuse Rene Russo (que le réalisateur a épousée en 1992) dans un thriller horrifique déstabilisant. Prometteur dans sa première moitié, le film change radicalement de ton dans sa deuxième heure pour le moins originale. Sans jamais rien expliquer, donnant de plus en plus d’angoisse à ses spectateurs désabusés, « Velvet Buzzsaw » assume son côté décalé, parfois kitch et propose même quelques scènes impressionnantes. Dénonçant les dérives du travail de critique dans un passage mémorable et très maîtrisé, le film parvient aussi à nous rendre familier avec le monde de l’art contemporain et avec ses métiers de l’ombre qui font rêver certains ou laissent de marbre les autres. Il met en lumière avec cynisme l’appât du gain, la concurrence qui déchire les galeristes, l’angoisse de la toile blanche ou la capacité de réduire à néant le travail d’un artiste à travers un article virulent. Sous-exploités, certains personnages viennent prendre part à la vente et l’exploitation d’œuvres découvertes dans l’appartement d’un artiste décédé tragiquement et qui avait émis le souhait de les voir disparaitre. Mais quel sera le prix à payer pour avoir ainsi mis en lumière un peintre qui semblait quelque peu dérangé. On trouve ainsi, outre Morf Vandewalt , LE critique populaire interprété par le toujours très juste (et caricatural) Jake Gyllenhaal, la responsable d’une grande galerie Rhodora Haze (Rene Russo) sa collaboratrice Josephina (la moins convaincante Zawe Ashton) ainsi que son assistante Coco (Natalia Dyer, découverte dans « Stranger Things »). Viennent s’ajouter à ce casting principal Toni Collette (habituée à ce genre d’univers étrange), Daveed Diggs (vu dans « Wonder » et l’excellent « Blindspotting ») ou encore John Malkovitch, trois faire-valoir totalement dispensables au propos général du film. Tous entrent dans la danse macabre de l’histoire délurée de Dan Gilroy et tentent de donner vie à ses personnages saugrenus. Mais avoir un casting efficace et une maîtrise évidente de la mise en scène suffisent-ils à faire de « Velvet Buzzsaw » une réussite ? Pas vraiment, d’autant plus que le rythme inconstant et le changement de ton du récit viennent brouiller les pistes et lassent les spectateurs dans une seconde mi-temps bien moins passionnante que la première. Nous inspirant autant que le bleu de Klein, le film de Dan Gilroy s’avère finalement bien creux, et à l’image de la sphère mortelle de Damrish nous donne envie d’enfoncer notre main dans ce scénario alambiqué qui, au final, ne fait que détruire toutes les aspirations que nous espérions trouver. Peu mémorable, ce nouveau film original Netflix n’est pas un incontournable de son catalogue, que du contraire. Date de sortie sur Netflix : 1er février 2019 Durée du film : 1h52 Genre : Thriller/Horreur  Résumé du film : Alors qu'une mystérieuse force décime la population mondiale, une seule chose est sûre : ceux qui ont gardé les yeux ouverts ont perdu la vie. Malgré la situation, Malorie trouve l'amour, l'espoir et un nouveau départ avant de tout voir s'envoler. Désormais, elle doit prendre la fuite avec ses deux enfants, suivre une rivière périlleuse jusqu'au seul endroit où ils peuvent encore se réfugier. Mais pour survivre, ils devront entreprendre ce voyage difficile les yeux bandés. Note du film : 7/10 (par François) Avis : Amateurs de thriller horrifique, Netflix vous propose depuis le 21 décembre dernier son fameux « Bird Box » vu par 45 millions de personnes en à peine sept jours ! Du jamais vu sur la fameuse plateforme qui semble toujours trouver les bons filons. Décryptage d’un joli succès mais d’une demi-déception. Avec « Bird Box », la réalisatrice Danoise Susanne Bier (« Serena », « Love is all you need ») lorgne méchamment sur le cinéma de Mr. Night Shyamalan et son fameux « Phénomènes », ou plus récemment sur le très réussi « Sans un bruit » de John Krasinski. Sauf qu’ici, le film de la réalisatrice vient peut-être un peu trop tard et l’effet de surprise est forcément moins présent… Dans le rôle principal nous retrouvons la toujours convaincante Sandra Bullock qui remplit parfaitement son rôle de mère battante pour sa propre survie et celle de ses enfants. Au rayon des bonnes surprises poursuivons avec Trevante Rhodes (« The Predator », « Song to song ») qui joue de manière habile et appliquée. Cependant, nous émettons quelques réserves quant au personnage incarné à l’écran par le pourtant génial John Malkovitch. Vil salaud dans les actes, le paradoxe du film tient du fait qu’il aura au final raison ! Les autres acteurs ne sont pas en reste et seront globalement attachants. Hélas, on ne peut s’empêcher de penser qu’ils auraient mérités à être davantage développés. Bon point pour le casting en somme. Au niveau des critiques adressées à « Bird Box », épinglons une fin qui laissera beaucoup de personnes sur leur faim justement. Cela ne nous a pas perturbé outre mesure puisque nous aimons les fins ouvertes. Cependant, là où le bât blesse, c’est que de belles idées jaillissent pour ne jamais être développées. Nous en voulons pour preuve les malades psychiatriques et autres psychopathes qui regardent sciemment les créatures responsables de cette folie collective. Intéressant scénaristiquement, nous aurions aimé en savoir plus sur cette capacité à épouser la folie qui était déjà la leur…Il y a comme un goût de trop peu évident. Un autre défaut plus accentué tient du rythme. L’intrigue part d’une bien belle façon mais est hélas plombée en cours de route par des ellipses temporelles franchement dispensables. Dès lors, le spectateur se perd inutilement dans ces méandres temporels. Pour conclure, et même si la fin est assez convenue, on ne peut s’empêcher de repenser à ce film sympathique avec une certaine affection même s’il n’a su tenir ses promesses. Date de disponibilité sur Netflix : 21 décembre 2018 Durée du film : 2h04 Genre : Science fiction  Résumé du film : Un jeune orphelin élevé par des animaux au cœur de la jungle prend en main son destin en affrontant un dangereux ennemi... et sa propre nature humaine. Note du film : 6,5/10 (par Véronique) Avis : « Mowgli : la légende la jungle » de Andy Serkis trouve enfin une date de sortie. Après de nombreux reports et diverses embûches, la première réalisation du célèbre acteur (dont la carrière en motion capture n’est plus à présenter) a trouvé sa place dans le catalogue Netflix en ce début du mois de décembre. Si nous avons déjà pu découvrir « Breathe » sur nos grands écrans (film entrepris durant la post-production de « Mowgli ») et mesurer combien Serkis était sur la bonne voie en matière de réalisation en solo, son adaptation de l’œuvre de Rudyard Kipling nous a quelque peu déçue. Beaucoup plus sombre, beaucoup plus effrayant que les autres versions ciné du célèbre « Livre de la jungle », « Mowgli » reste pourtant fidèle au roman paru en 1894 (!). Si nous avions adoré la version de Jon Favreau et assumé ce plaisir du retour en enfance, la version de Serkis semble s’adresser à un public plus adulte, plus enclin à mesurer la portée intrinsèque du récit. Ne trouvant sa place ni au sein de la meute ni dans le village humain qu’il intègre à l’adolescence, ce petit garçon sauvage a pourtant toujours cherché à intégrer les valeurs et le mode de fonctionnement des siens. Mais comment peut-on se construire lorsqu’on sait pertinemment que la place qui nous est attribuée n’est que temporaire ? Comment adhérer au mode de vie des humains lorsqu’on a côtoyé au plus près la nature, respectueuse des chaînons de la vie ? Classique dans sa réalisation, décevante dans l’intégration de ses effets spéciaux (bien trop visibles, la motion capture se voulant trop omniprésente et peu réaliste), « Mowgli : la légende de la jungle » est pourtant un divertissement des plus correct, de ceux qu’on l’on apprécie découvrir sur nos petits écrans en famille. Oui mais… attention aux plus petits d’entre nous qui risqueraient fortement d’être impressionnés à chaque apparition du glaçant Shere Khan ou déçus de voir que Baloo et Bagheera ne sont pas les gentils complices présentés dans la version Disney. Plus proche du récit originel, le film d’Andy Serkis a cependant de très belles qualités, à commencer par son casting vocal performant dans lequel on retrouvera Andy Serkis, Christian Bale, Cate Blanchett ou encore Benedict Cumberbatch. Côté live, le petit Rohan Chand se veut convaincant mais ne nous bluffe pas autant que le jeune Neel Sethi. Souffrant peut-être trop de la comparaison avec la version de Jon Favreau, ce nouveau « Livre de la jungle » remplit son contrat, présentant sous un angle plus réaliste le recueil de nouvelles signées Kipling et ses messages parfois moralisateurs. Ainsi, la quête d’identité et le droit à la différence, la domination de l’homme sur la nature, la prédestination et la recherche de repères sont autant de sujets abordés subtilement dans ce nouveau récit moderne d’un conte qui l’était déjà en son temps. Vous l’aurez compris, ce « Mowgli » 2018 (pour public averti) est efficace dans son ensemble mais un peu en-deçà de ce qu’on espérait y trouver. Mais puisque le film est disponible sur une plateforme de VOD à environ 10€ par mois, il est difficile de rechigner… Date de disponibilité sur Netflix : 7 décembre 2018 Durée du film : 1h44 Genre : Aventure Titre original : Mowgli: Legend of the Jungle  Résumé du film : Oscillant entre absurdité et profondeur, ce western en six volets des frères Coen retrace les aventures des bandits et des colons du Far West. Note du film : 7/10 (par Véronique) Avis : Très inégal au niveau de ses récits, « La ballade de Buster Scruggs » a pourtant une belle constante : sa sublime photographie. La lumière des grands espaces américains, la profondeur de champs, les couleurs chatoyantes des sols arides ou des réserves boisées sortent de nos petits écrans pour installer ces décors plus vrais que nature dans nos salons. Car oui, le dernier film des frères Coen est accessible au plus grand nombre grâce à une distribution made in Netflix. Entre génie et lassitude, notre cœur balance mais une chose est certaine : « La ballade de Buster Scruggs » est un beau condensé du cinéma de la plus célèbre fratrie de cinéastes américains. I’m a poor lonesome cowboy Son ouverture avec le héros éponyme Buster Scruggs donne d’emblée le ton. Décalé, décomplexé, ce western revisité se veut humoristique autant que dramatique. Les grands drames de l’Ouest, nous allons justement les mesurer à travers six récits subtilement amenés. En ouvrant le livre de ces histoires originales, comme le faisaient les grands cinéastes oeuvrant pour les studios Disney en leur temps, les téléspectateurs s’immergent dans le Grand Ouest, à l’époque où prospecteurs, voyageurs, bandits et indiens se côtoyaient dans les grandes plaines de cette Amérique en construction. Récompensé par le Prix du scénario à la dernière Mostra de Venise, le film d’Ethan et Joel Coen surprend. La prédominance de chants poétiques, l’importance du verbe, l’humour de leurs bandits mais aussi la dramaturgie qui habite chacun de leurs récits sont autant de petites pépites collectées dans le tamis de notre cinéphilie. Mais la recherche peut s’avérer laborieuse et les résultats parfois décevants. C’est le cas ici aussi. Si les quatre premières histoires touchent le cœur de notre cible, les deux dernières nous semblent un peu trop étirées, nous perdant parfois dans les méandres d’un récit toujours joliment imagé mais moins équilibré. Tim Blake, James, Liam, Zoe et les autres En plus de nous servir une imagerie qui laisse rêveurs bon nombre d’entre nous, le tandem Coen nous offre une belle brochette de comédiens, tous performants qu’ils soient au premier ou second plan. Mention spéciale cependant à Tim Blake Nelson (déjà présent à l’affiche de « O’Brother »), le fameux Buster Scruggs, Harry Melling (le méconnaissable Dudley Dursley dans la saga Harry Potter), l’auteur- compositeur- chanteur Tom Waits et Grainger Hines. Donnant vie aux protagonistes de façon convaincante, mordant la poussière ou la traversant dans des convois de différentes natures, le casting tout entier fait un voyage dans le temps et nous transporte près de deux cent ans en arrière pour notre plus grand bonheur. Si le genre western redore ses lettres de noblesse ces derniers temps (on pense aux excellents « Brimstone », « Hostiles » ou « Les Frères Sisters »), le voir abordé sous cet angle, plus caricatural ou bédéesque n’est pas pour nous déplaire, dans une certaine mesure du moins. Mélangeant les thèmes chers à nos deux cinéastes, puisant ça et là dans leur indéniable savoir-faire « La ballade de Buster Scruggs » est un des meilleurs divertissements qu’il nous ait été donné de voir dans le catalogue Netflix ces derniers temps. Date de sortie sur Netflix : 16 novembre 2018 Durée du film : 2h13 Genre : Western Titre original : The Ballad of Buster Scruggs  Résumé du film : Lorsque Simone trouve enfin le courage d'annoncer à sa famille juive conservatrice qu'elle est lesbienne, elle se trouve attirée par un chef sénégalais... Note du film : 4/10 (par Margaux) Avis : « Les goûts et les couleurs », un des premiers films français produit par Netflix est-il à la hauteur de nos attentes ? Pas vraiment non. Réalisé par Myriam Aziza « Le goûts et les couleurs » nous raconte le parcours de Simone, jeune femme tiraillée entre l’amour qu’elle porte à sa colocataire et compagne et son attirance pour un beau jeune homme cuisinier dans un restaurant où elle a ses habitudes. Mais au-delà de ce choix, Simone devra trouver le courage de dire à sa famille très conservatrice qu’elle est homosexuelle. Dans les rôles principaux, on trouve un beau casting français : Sarah Stern (vue dans « Les Tuches »), débordée par certaines scènes et habitée d’un ton tellement faux qu’on a parfois du mal à la croire, Jean-Christophe Folly (« Jeune femme ») et Julia Piaton ( « Qu’est ce qu’on a encore fait au bon dieu ») mais aussi Catherine Jacob et Richard Berry. Située à Paris, l’intrigue permet d’aborder plusieurs sujets comme l’homosexualité féminine, la tolérance, les problèmes familiaux, le racisme ou encore la recherche d’identité. Le problème principal du film de Myriam Aziza, c’est qu’il a des petits airs de remake de « Qu’est ce qu’on a encore fait au bon dieu ? » où stéréotypes, blagues lourdes et situations vues et revues se succèdent à tout va. De plus, l’esthétisme malheureusement peu soigné, les plans sont très basiques, et on déplore un manque de recherche au niveau de la mise en scène. A cela, on ajoute un scénario est un peu « facile » et une fin plus que décevante tant elle est trop peu recherchée. Bref, « Les goûts et les couleurs » nous laisse sur notre faim et avec le sentiment que le scénario de Myriam Aziza et Denyse Rodriguez Tomé reste inachevé. Dommage ! Ceci étant dit, certains passages du long métrage pourront vous décrocher quelques petits moments de rire. Mais niveau qualitatif, on est encore loin de celui de certaines productions américaines estampillées Netflix, comme par exemple le film « Annihilation » sorti en début d’année 2018 et agréable surprise que l’on vous avait conseillé! En une phrase, concernant « Les goûts et les couleurs », nous ne pouvons que dire : peut bien mieux faire ! Date de disponibilité sur Netflix : 24 juin 2018 Durée du film : 1h35 Genre : Comédie  Résumé du film : De faux médiums spécialisés dans les phénomènes paranormaux se retrouvent victimes de leur propre escroquerie quand une mission tourne soudain au cauchemar. Note du film : 5,5/10 (par Véronique) Avis : Adapté à cette période de l’année où les amateurs de frissons sont en quête de film d’horreur, « Les mauvais esprits » d’Olaf de Fleur Johannesson remplit son petit rôle sans non plus entraîner ses spectateurs dans de vilains cauchemars. Drôle, angoissant et aussi décevant, le film tire une ficelle déjà bien exploitée mais trouve peu de résistance de l’autre côté. Retour sur ce « Malevolent » sans doute plus efficace auprès des adolescents. Esprit es-tu là ? N’est pas chasseur de fantômes qui veut. Cela, Jackson et Angela, un frère et une sœur, orphelins et jeunes adultes l’ont bien compris. Surfant sur le succès de leur mère médium, qui s’est suicidée à force d’être sollicitée par les esprits et leurs cris, ils montent leur petite entreprise fallacieuse et se jouent des familles peinées par la perte de leurs proches ou hantées par diverses entités. Aidés de leurs amis Elliott et Beth, nos jeunes enquêteurs paranormaux ultra équipés risquent bien de voir leur petite arnaque se transformer en une expérience traumatisante. Appelés par Madame Green, ancienne directrice d’un orphelinat où des jeunes filles ont été assassinées il y a de nombreuses années, notre équipe de chasseurs de fantômes vont se trouver confronter à des phénomènes paranormaux plus vrais que nature. Victimes d’un jeu cruel ? Vrais médiums ? Nos jeunes amis vont peu à peu découvrir ce qui s’est passé au siècle dernier et cela, au péril de leurs propres vies… Florence Pugh dans un rôle inédit. Si l’histoire de « Mauvais esprits » manque cruellement d’originalité et la réalisation de l’Islandais de tension dramatique, le casting du film lui, s’en sort avec les honneurs, Florence Pugh la première. La jeune comédienne britannique de 22 ans nous avait bluffé dans son rôle de Katherine dans le long-métage « Lady MacBeth » il y a deux ans de cela. La retrouver ici dans un rôle à contre-emploi démontre qu’elle ne cantonne pas à des rôles dramatiques et historiques et peut changer de registre en conservant son charisme évident. Bientôt à l’affiche d’une autre production Netflix, « Outlaw King : le Roi Hors-la-loi », où elle tiendra le rôle d’Elisabeth de Burgh, reine d’Écosse, la jeune actrice s’accorde une petite pause et le fait plutôt bien. Entourée de Ben Lloyd-Hugues, Georgina Bevan et Scott Chambers, Florence Pugh tient le premier rôle avec détermination et conviction et s’adapte au jeu de ses compagnons sans les écraser. Sympathique mais peu révolutionnaire, « Les Mauvaises Esprits » trouvera sa place dans une petite soirée adolescente d’Halloween et fera sursauter les plus impressionnables d’entre eux. Mais malgré ses bonnes intentions, le film d’Olaf de Fleur Johannesson ne parvient pas à mettre le trouillomètre assez haut que pour vous faire vivre un moment de pur horreur comme on en trouve peu ces derniers temps. Try again… Date de sortie sur Netflix : 5 octobre 2018 Durée du film : 1h28 Genre : Horreur Titre original : Malevolent  Résumé du film : À 55 ans, la retraite lui donne soudain des ailes. Mais après avoir quitté sa femme et déménagé, Anders réalise que le secret du bonheur est peut-être derrière lui. Note du film : 5/10 (par Véronique) Avis : Ben Mendelsohn, futur shérif de Nottingham, a ponctué ses trente années de carrière de multiples rôles, dans des genres très différents. Il a été le George VI, Nolan Sorrento (« Ready Player One »), a tourné pour Ryan Gosling, Ridley Scott, Steven Spielberg, Christopher Nolan et a fait de nombreuses apparitions dans des blockbusters ou dans des films d’auteur. Le découvrir en tête d’affiche d’une comédie dramatique du catalogue Netflix était une occasion d’aborder une nouvelle facette de sa personnalité. Avec « Au pays des habitudes », Nicole Holofcener lui offre un rôle de quinquagénaire en proie à une crise existentielle démentielle. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que autant le comédien australien est convaincant dans ce costume taillé sur mesure, autant le film semble, lui, manqué d’épaisseur. Pour son sixième long métrage, Nicole Holofcener adapte le roman éponyme de Ted Thompson sorti quatre ans plus tôt. Présenté au Festival de Toronto, « Au pays des habitudes » raconte l’histoire de Anders, un homme d’affaires à qui tout semblait réussir : boulot, vie de famille, charmante villa, amis fidèles, il ne pouvait espérer mieux. Sauf que, blasé par son quotidien d’une banalité affligeante, Anders décide de tout plaquer, de partir à la retraite de façon anticipée et de tout recommencer. Mais le bonheur réside-t-il dans la nouveauté ou dans le traintrain confortable qu’il risque de regretter ? A travers son dernier long-métrage, la réalisatrice américaine dresse le triste portrait d’un quinqua errant dans sa vie. A la recherche d’un petit sursaut qui le ferait sentir vivant, Anders passe de femme en femme, fume des substances illicites avec les enfants de ses amis, se lie d’amitié avec des adulescents, bref, tente de vivre en dehors de son temps quitte à s’attirer les foudres du cercle d’ami duquel il s’est exclu. Bien écrits, les dialogues sont parfois amusants mais se perdent dans un film trop plat que pour marquer nos esprits. Se laissant regarder, cette tragicomédie n’a pas non plus de quoi révolutionner le genre et n’existe d’ailleurs que grâce à un casting concluant dans lequel on retrouve, outre Ben Mendelsohn, Edie Falco, Thomas Mann (« This is not a love story », « Kong, Skull Island »), Elizabeth Marvel ou encore Charlie Tahan (« Wayward Pine »). Divertissant mais loin d’être transcendant, le film est comme la façade de la nouvelle demeure d’Anders : joliment décorée mais terriblement vide à l’intérieur. Pas de quoi s’enthousiasmer donc… Genre : Comédie dramatique Durée du film : 1h38 Titre original : The Land of Steady Habits Date de sortie sur Netflix : 14 septembre 2018  Résumé du film : Dans un avenir sombre, un soldat ayant subi une transformation génétique radicale pour tenter de sauver l'espèce humaine semble peu à peu perdre son humanité. Note du film : 3/10 (par Margaux) Avis : « Le titan », sorti récemment sur la plateforme Netflix aurait mieux fait de s’intitulé : « Titan, ou comment être déçu » En effet, le film n’est, dans un premier temps, pas aidé par son scénario, et agace par ce sentiment de vu, revu et réchauffé. Ne proposant aucune surprise, le film est entièrement prévisible à tel point que les quinze premières minutes suffisent à en connaître la fin ! Titan, c’est le satellite naturel de Saturne. Endroit qui pourrait potentiellement sauver l’humanité. Nous sommes en 2046 et dans ce monde futuriste, la planète Terre est surpeuplée, les vivres manquent et une solution doit être mise en place pour sauver l’humanité. Heureusement, Rick (Sam Worthington, vu dans « Avatar ») et vingtaine d’hommes sont choisis par l’organisation de l’OTAN afin de subir des transformations génétiques leur permettant de vivre sur Titan et son atmosphère glaciale. Seul bémol : si le début de la transformation se passe plutôt bien, certains meurent ou deviennent fous au fil des expérimentations. Mais sommes nous vraiment en 2046 ? Ce n’est pas l’impression que nous donne « Le titan » tant rien n’a changé. Mis à part la « lampe à étoiles », seul objet futuriste détenu par le fils de Rick et d’Abigail, on pourrait tout à fait croire que nous sommes restés en ... 2018 ! En trame de fond, on trouve une petite cause environnementale mal exploitée et à peine évoquée. L’intrigue est vide et on la suit sans réelle motivation. Aucune évocation de la dégradation de la situation planétaire, rien ne permet de donner de l’importance à cette mission de sauvetage ni même une quelconque priorité à nos yeux. Sans profondeur, fait de rafistolage, le film en devient ridicule à tel point que nous ne pouvons réprimer un gloussement en découvrant sa fin. Si nous voulons être objective, nous dirons que les premières minutes se tiennent, grâce à une bonne introduction, qui permet de suivre l’installation d’un couple amoureux et solidaire dans leur nouvelle habitation : Rick et Abigail. La batterie de test et le changement génétique de Rick sont assez prometteurs à tel point qu’on pense pouvoir être surpris par ce « Le titan » … avant de se rendre compte que plus rien ne se passe ! Tout le film repose sur la transformation de son héros, déjà presque surhomme puisqu’il a survécu dans le désert durant trois jours, sans boire ni manger. Et les aberrations s’enchaînent : Abigail (Taylor Schilling) refuse, un peu tard, de laisser partir son mari sur Titan en mission (mais ne pouvait-elle pas y réfléchir avant ?), pensant qu’il oubliera sa famille une fois sur place. De même, lorsque la NASA récupère le projet de la mission de l’OTAN, on se rend compte (attention spoil) que Rick vit désormais bel et bien sur Titan et que, de là où il est, regarde l’horizon, pensant à sa famille, et se lance dans le vide telle une chauve-souris… On ne nous avait pas prévenu que nous assisterions à un film de super-héros ?! Esthétiquement, « Le titan » n’est pas à la hauteur de « Annihilation » (vu dernièrement sur Netflix). La colorimétrie et les effets spéciaux n’ont rien d’incroyable, le découpage technique est plutôt banal malgré ses mouvements de caméra. Le maquillage de Rick n’est pas plus réussi : un coup de coton démaquillant et le blanc de son visage disparaîtrait… Vous l’aurez compris, « Le titan » est loin de mériter notre intérêt et vous n’aurez pas raté grand-chose si vous décidez de passer à côté du film de Lennart Ruff. A bon entendeur… Date de sortie sur Netflix : 30 mars 2018 Durée du film : 1h37 Genre : Science fiction Titre original : The Titan  Résumé du film : Lorsque son mari disparaît au cours d'une mission secrète, une biologiste se joint à une expédition dans une région mystérieuse, bouclée par le gouvernement américain. Note du film : 8/10 (par Margaux) Avis : « Annihilation » est le nouveau film de science fiction produit par Netflix avec la jolie Natalie Portman et le charismatique Oscar Isaac. L’histoire en quelques lignes ? C’est celle d’une biologiste qui, suite au retour de son mari militaire après une mission secrète, s’interroge sur son comportement étrange. Dans l’espoir de trouver des réponses à ses questions, elle signe pour la même mission mais ne s’attend pas à rentrer dans une zone où la loi de la nature ne s’applique pas. « Annihilation » c’est aussi un beau quatuor de femmes présentées comme des figures fortes grâce à leur courage (et leur tenue vestimentaire), mais qui met en évidence une complexité et une fragilité en lien avec leurs passés. Chaque femme manifeste un trait de caractère et une réponse à un potentiel comportement face à d’étranges phénomènes. En effet, alors que l’une d’elle abandonne la mission et préfère « disparaître », une autre devient paranoïaque et se réfugie dans la colère alors que chez les deux dernières, l’une semble prête à tout pour arriver à ses fins et l’autre semble réagir de façon sereine en camouflant ses angoisses. Alex Garland, qui signe ici son deuxième long métrage en tant que réalisateur après « Ex Machina », nous peint donc une aire où la loi de la nature n’existe plus, où tout est chamboulé. Mal à l’aise, nous perdons nos repères, remettons tout en question au point d’avoir parfois des difficultés à suivre l’intrigue. Et pourtant… il nous est impossible de décrocher nos yeux du petit écran. Esthétiquement, le film est très réussi, aussi bien par son étalonnage que par sa composition du cadre alors que la mise en scène est cohérente notamment grâce à l’utilisation efficace du suspense et des moments de surprise. Malgré l’absurdité de certaines situations (on pense ici au cri de l’ours ou la transformation d’une scientifique en végétal), nous ne pouvons que réfléchir à ces questions : de quoi la nature est-elle capable ? « Annihilation » tente-t-il d’apporter une réflexion sur la cause environnementale? A ces questions, on ajoute la thématique du double abordée dans l’intrigue, qui nous interpelle sans cesse que ce soit à propos de cette zone où les espèces subissent des mutations ou concernant le destin du personnage de Lena. Natalie Portman et Oscar Isaac sont-ils devenus « la chose », cet « alien » étrange qui recopie à la perfection leurs physiques ou est-ce seulement un étrange phénomène dû à leur évolution dans la zone ? Toutes ces questions restent sans réponse et c’est peut-être l’un des plus grands reproches faits à « Annihilation » toute comme les différentes possibilités d’interprétation. Mais on ne peut pas lui enlever ses qualités principales, parmi lesquelles celle de nous faire réfléchir aux différentes analyses du film. Si Alex Garland nous laisse un océan d’indices dont il est difficile de recoller les morceaux, on aime se dire qu’on finira par tout comprendre à la deuxième vision, chose que l’on ne peut s’empêcher de faire une fois la première terminée. Date de sortie sur Netflix : 12 mars 2018 Durée du film : 1h55 Genre : Science fiction  Résumé du film : Quatre amis de longue date dont les relations se sont peu à peu tendues s'aventurent dans la nature sauvage de Suède au risque de ne jamais en revenir. Note du film : 3/10 (par Véronique) Avis : Ah Netflix, ses petites pépites, ses séries extraordinaires, ses films distrayants et ses productions commerciales sans intérêt… On ne le répétera pas assez, la plate-forme de vidéo à la demande est capable du meilleur comme du pire. Et à en croire l’accroche du film, « Le rituel » devrait se trouver dans la première catégorie. Sauf que, à la fin de l’heure trente de péniples aventures hallucinantes, on se dit que tout est relatif et qu’on aurait mieux fait de ne jamais cliquer sur « play »… Notre avis est bien sûr tout aussi subjectif mais croyez-nous, à moins d’avoir un temps précieux à perdre, on vous déconseille ce petit périple dans la forêt suédoise où monstre improbable et peuple adorateur se côtoient dans un thriller/horreur maintes fois vus. Sorte de mix entre « Le projet blair witch » (les ballottements de caméra embarquée en moins) et « The witch », « Le rituel » est aussi risible que convenu. Quatre amis entreprennent une longue randonnée de plusieurs jours quand éclate un terrible orage. Par chance, une cabane abandonnée (mais affublée de symboles et objets de sorcellerie dont personne ne semble s’inquiéter) leur tend les bras. Qu’à cela ne tienne, nos aventuriers amateurs passent la nuit dans cette étrange demeure et s’endorment comme des poupons malgré les frissons que leur prodigue la maisonnée. Cauchemars, agissements étranges, crissements et grondements dans la forêt affolent enfin nos amis sous tension (produite par l’environnement auquel ils se confrontent autant que par les discordes qui les opposent dès les premières minutes du film) qui décident, il était temps, de fuir au plus vite cette forêt hostile. La suite, on pourrait vous la résumer en deux minutes mais ce serait gâcher le plaisir de certains amateurs du genre qui se lanceront peut-être dans la vision du film. Ce que l’on peut dire, c’est que le scénario s’emmêle très vite les pinceaux et qu’on lèvera plusieurs fois les yeux au ciel à défaut d’appuyer sur la touche « stop » de notre télécommande. Monstre mi-cerf démoniaque, mi-dieu, tribu mystérieuse recluse dans la forêt, offrandes et empalements de chairs animale et humaine ponctueront la deuxième partie du récit à notre grand dam. Ce n’est malheureusement pas le casting correct (mené par Rafe Spall, Arsher Ali, Robert James-Collier et Sam Troughton) et la réalisation classique qui sauveront le propos du film téléphoné et franchement tiré par les cheveux. David Bruckner, pourtant habitué à ce genre d’univers, ne parvient pas à nous passionner ni à nous intéresser. Après « Southbound », « V/H/S » ou « The signal », l’Américain nous perd dans cette forêt et une histoire abracadabrante à laquelle, comme ses héros, nous aurions préféré ne pas prendre part. Un conseil, si vous cherchez un film de genre réussi, évitez celui-ci car il ne comblera probablement pas vos attentes… Next ! Date de sortie sur Netflix : 9 février 2018 Durée du film : 1h34 Genre : Horreur Titre original : The ritual |
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